Dennis Hopper & the New Hollywood pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Flammarion

作者:Matthieu Orlean

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2010-4-6

价格:USD 50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9782080300997

丛书系列:

图书标签:

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边缘的魅影：美国电影新浪潮中的激进美学与时代精神 本书深入剖析了1960年代末至1970年代初，美国电影界经历的一场深刻的艺术与文化地震——“好莱坞新浪潮”（New Hollywood）。这不是一部聚焦于某一位特定导演或演员的传记，而是对一个时代精神、创作思潮和美学范式转变的宏大叙事与精微考察。我们聚焦于那些挑战既有规范、拥抱现实主义的灰暗底色、并最终重塑了美国电影叙事逻辑的集体创作力量。 第一章：从黄金年代的黄昏到叛逆的萌芽 本章追溯了好莱坞制片厂体系的衰落与新一代电影人的崛起之间的内在联系。在战后“黄金时代”的陈旧模式逐渐失去对年轻观众吸引力的背景下，欧洲电影，特别是法国新浪潮（Nouvelle Vague）和意大利新现实主义的冲击，为本土的电影创作者提供了新的语言。我们将探讨1960年代美国文化中躁动的元素——民权运动、反战情绪、性解放思潮——如何通过电影的早期探索开始浮现。重点分析了如《邦妮与克莱德》（Bonnie and Clyde）、《毕业生》（The Graduate）等作品如何巧妙地植入了对传统英雄形象的颠覆和对体制的质疑，标志着好莱坞开始正视其阴影面。 第二章：学院派的突破与“电影学校一代”的集结 “新好莱坞”的核心特征之一，是大量受过高等教育、熟悉电影史、并在电影学院接受过系统训练的年轻导演群体。本章详细梳理了南加州大学（USC）、纽约大学（NYU）等机构在培养这批人才中的关键作用。我们分析了他们如何将欧洲艺术电影的叙事技巧、长镜头运用、非线性叙事等手法，融入到商业电影的框架之中。这一代的电影人不仅是技术娴熟的工匠，更是具有强烈作者意识（Auteur Theory）的艺术家。本章将剖析早期作品如何展示出强烈的个人风格和对电影媒介本身的自觉性，例如对蒙太奇的实验性运用以及对传统剪辑规则的打破。 第三章：现实的碎片化：主题与风格的激进化 新好莱坞电影的叙事主题是其最鲜明的标志。本章将深入研究那些被反复探究的核心母题：道德的模糊性、失败的英雄主义、体制的腐败、以及城市环境对个体心灵的侵蚀。我们不再追求传统的“圆满结局”或清晰的善恶对立。相反，故事常常以开放式、悲观甚至宿命论的方式收场。《无可奉告》（Blow Out）、《唐人街》（Chinatown）等作品被视为这一美学的典范。 风格上，本章着重探讨了摄影和声音设计如何服务于这种“真实感”的构建。低调照明（Low-Key Lighting）、手持摄影的运用、以及对城市噪音和环境音的强调，共同营造出一种疏离、不安和高度紧张的氛围，与此前好莱坞的精致布景形成了鲜明对比。 第四章：权力与反抗的交织：政治光谱下的电影表达 1970年代初的美国正处于水门事件的阴影之下，公众对政府和权威机构的信任度降至冰点。新好莱坞电影成为投射这种普遍不信任感的完美载体。本章探讨了政治惊悚片（Political Thriller）在这个时期的爆炸式增长，以及它们如何以隐喻或直接的方式，揭露权力运作的阴暗面。 我们将比较不同导演在处理“反体制”主题时的微妙差异：有的侧重于个人对压迫的抵抗与毁灭（如对经典西部片的解构），有的则关注社会结构性问题的复杂性。这一时期的电影大胆地将社会边缘人物提升至主角地位，挑战了主流社会对“美国梦”的定义。 第五章：艺术的胜利与商业的博弈：新浪潮的巅峰与反噬 本章分析了新好莱坞从地下探索走向主流成功的关键转折点，以及随之而来的内部张力。一方面，批评界对这些作品给予了前所未有的赞誉，奥斯卡奖项开始向这些非传统影片倾斜；另一方面，制片厂对年轻导演的过度放权也导致了成本的失控和部分项目的失败。 我们详细考察了某些里程碑式的作品如何以其艺术深度获得了巨大的商业回报，但也同时探讨了制片厂高层如何试图重新夺回对创意过程的控制。这种“艺术家与商人”之间的永恒冲突，最终成为推动新好莱坞走向衰落的内部驱动力。本章结论将聚焦于1970年代末期，随着《星球大战》（Star Wars）等“大片”模式的兴起，电影制作的重点开始从角色驱动和主题探索转向高概念和视觉奇观，标志着一个时代的结束。 结语：遗产与回响 本书最后将总结“好莱坞新浪潮”对后续电影创作的深远影响。它不仅在技术上和叙事上为后来的独立电影（Indie Film）运动铺平了道路，更重要的是，它永久地改变了主流电影对复杂人性、道德灰色地带和政治现实的描绘方式，确保了美国电影史上，曾经有一段时期，艺术的激进性能够与商业的广阔舞台并行不悖。这部电影运动的遗产，在于它为我们提供了一套审视自身社会和文化矛盾的尖锐镜头。

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这部关于好莱坞黄金时代的史诗，简直让人手不释卷，仿佛被施了魔法，沉浸在那个充满野性与创造力的年代。作者以细腻入微的笔触，勾勒出一幅幅栩栩如生的群像图，那些桀骜不驯的导演、才华横溢的演员，他们的挣扎、荣耀与陨落，都以一种近乎自传式的坦诚展现在眼前。我尤其欣赏他对幕后权力斗争的描绘，那些在制片厂的走廊里进行的秘密交易和明争暗斗，揭示了好莱坞光鲜外表下的真实面目。阅读过程中，我仿佛能听到老胶片转动的声音，闻到摄影棚里特有的灰尘和化学气味。对于任何一个热爱电影艺术，渴望了解“新浪潮”如何颠覆既有规则的人来说，这本书都是一份无价的宝藏。它不仅仅是历史回顾，更像是一次对电影黄金时代的深度潜水，让人对那个时代的人物和作品有了全新的、更加深刻的理解，那份狂热与不妥协的精神，至今仍能激荡人心。

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我一直以为我对那个时期的电影史已经相当了解了，直到我翻开这本巨著，才发现自己之前的认知是多么的片面和肤浅。这本书的价值在于它提供了一个极度个人化的视角，那种强烈的、带有批判性的反思，让人耳目一新。作者似乎不仅仅是在记录历史，更像是在与那个时代进行一场跨越时空的对话，质疑着那些被神化的“经典”作品的真正成色。书中对不同导演创作理念的对比分析尤其精彩，比如某位以极简主义著称的导演，如何在其职业生涯的某个关键节点，被迫面对商业化的巨大诱惑，以及这种妥协最终对他艺术生命造成的影响。这些深入到灵魂层面的剖析，使得整本书读起来充满了张力和思想的碰撞，它迫使读者跳出“粉丝”的身份，以一个更加冷静和批判的目光去审视电影工业的本质。

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这本书的装帧和排版简直是一场视觉盛宴，每一个章节的过渡都设计得极富匠心。虽然我主要关注的是文字内容，但不得不提的是，作者对于电影片段的描述，其画面感之强，简直可以直接转化为剧本。他不仅仅是描述“发生了什么”，更重要的是描述了“感觉到了什么”。比如，他对一场关键追车戏的分解，通过对光影、蒙太奇手法以及演员肢体语言的层层剥离，让读者完全理解了导演是如何通过非语言的方式来传达人物的内心崩溃。这种对电影语言的深度解读，远超一般的影评。对于摄影系的学生或者立志成为电影制作人的人来说，这本书可以作为一本教科书来研究，它示范了如何将复杂的美学理论，融入到引人入胜的历史叙事之中，真正做到了雅俗共赏，深度与广度兼备。

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读完最后一页，我深吸一口气，感觉自己刚刚经历了一场漫长而又酣畅淋漓的精神远征。这本书最让我震撼的地方，在于它没有回避那个时代复杂的人性侧面。那些被誉为“天才”的艺术家们，他们的脆弱、他们的自毁倾向、他们对世俗规则的蔑视，都被毫不留情地揭示出来。它让人明白，伟大的艺术创作往往伴随着巨大的个人牺牲和近乎癫狂的执念。作者并没有试图去美化这些人物，而是以一种近乎冷酷的客观性，记录了他们的辉煌与落魄。这种诚实的态度，是很多歌颂性传记所缺乏的。它教会我们，历史是由矛盾和灰度构成的，真正的“新好莱坞”精神，或许正是在这种不完美和不妥协的张力中诞生的。这是一部充满力量、值得反复品味的杰作。

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坦率地说，这本书在叙事节奏上处理得相当巧妙，它避免了传统传记的沉闷和学院派的枯燥，转而采用了一种近乎散文诗般的叙事方式，将复杂的历史脉络梳理得井井有条，同时又不失文学的美感。书中的视角非常独特，它没有将焦点仅仅放在那些已经封神的巨匠身上，而是花了大量篇幅去探讨那些昙花一现却同样重要的边缘人物，他们是如何在时代的洪流中被塑造，又如何被无情地抛弃。这种对“失落的声音”的关注，使得整部作品的维度被极大地拓宽了。读完后，我有一种强烈的冲动，想要重温那些被遗忘的B级片和独立制作，因为作者成功地证明了，伟大的艺术往往诞生于最不受待见的角落。作者的考据工作无疑是极其扎实的，但所有的研究都巧妙地隐藏在了引人入胜的故事背后，让人在享受阅读乐趣的同时，也得到了知识的滋养。

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我在浦東圖書館翻閱的，只看了圖，沒時間細看字。他的藝術生涯總結，一個活過了四個時代的人。內含他的許多攝影繪畫作品，原來他從60年代初就開始拍照啦，是一個有追求的青年嘛而且拍得真的不錯，比畫的畫看起來專業多了（喂）

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