英国动画

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出版者:中国传媒大学出版社
作者:薛燕平
出品人:
页数:289
译者:
出版时间:2010-6-1
价格:58.00元
装帧:16开
isbn号码:9787811278965
丛书系列:动画馆系列
图书标签:
  • 动画
  • 英国
  • 动画,英国,历史。
  • 动画理论
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具体描述

《英国动画》

卷首语

前言

第一章 英国动画简史

第二章 英国动画节及组织机构

动画节

英国影视艺术学院奖(British Academy of Film and Television Arts)

英国动画大奖(British Animation Awards)

布拉德福动画节(Bradford Animation Festival)

伦敦国际动画节(London International Animation Festival)

Animex国际动画与电脑游戏节(Animex International Festival of Animation & Computer Games)

动画组织机构

英国电影学会(British Film Institute)

英国电影委员会(The UK Film Council)

第三章 英国动画代表人物

知新篇

英国动画之父——John Halas & Joy Batchelor(约翰.哈拉斯与乔伊.巴彻拉)

英国动画教父——Bob Godfrey(鲍伯.苟德弗瑞)

英国动画的“魔教教主”——Phil Mulloy(菲尔.莫洛伊)

定格动画的莎士比亚——Barry J.C. Purves(巴瑞.J.C.普维斯)

下一站:伦敦?温哥华?——Alison Snowden(艾利森.斯诺登)与大卫.菲恩(David Fine)

世界是平的——Mark Baker(马克.贝克)

动画“业余爱好者”——Paul Bush(保罗.布什)

动画“国际主义者”——Michael Dudok De Wit(麦克尔.杜克.德威特)

其他代表人物

Geoff Dunbar(乔夫.邓巴)

David Anderson(大卫.安德森)

Simon Pummell(西蒙.帕梅尔)

Daniel Greaves(丹尼尔.格瑞弗斯)

温故篇

理查德.威廉姆斯与《动画师生存手册教学片》

Gorillaz与《西游记》

第四章 英国动画高等教育及理论研究

动画高等教育

皇家艺术学院(The Royal College of Art)

国家影视学校(National Film and Television School)

创意艺术大学(University College for the Creative Arts)

动画理论研究

Paul Wells(保罗.韦尔斯)与拉夫堡大学动画研究所

Jayne Pilling(珍.瑟琳)

Clare Kitson(克莱尔.凯特森)

世界动画理论书籍大本营——约翰.利比出版社(John Libbey Publishing)

第五章 英国主要动画制作机构

动画片制作机构

Channel 4电视台

Cosgrove Hall Films(寇斯格罗夫.霍尔电影公司)

Aardman Animations(阿德曼动画公司)

Collingwood O'Hare Entertainment(克林伍德-欧海尔娱乐公司)

Illuminated Films(光明电影公司)

Telemagination(电幻想动画公司)

动画广告、MV、特效、片头制作机构

Studio aka(阿卡工作室)

Passion Pictures(激情动画公司)

Nexus Productions(尼克萨斯动画公司)

Sherbet(果冻动画公司)

第六章 英国动画专题研究

本章概论:英国动画产生的人文与自然背景

英国动画中的女性

英国动画的实用性

英国动画中的外国人

参考资料

《银幕上的魔法:动画电影的艺术与魅力》 本书并非关于英国动画的详尽编年史,亦非对某特定时期或风格的深入剖析。相反,它是一趟关于动画电影这一迷人艺术形式的探索之旅,旨在揭示其超越国界的普适性魅力和深邃的艺术价值。我们不再局限于地理疆域,而是放眼全球,聚焦那些以创意、技术和情感打动人心的动画作品。 第一章:从剪影到像素:动画技术的演进与想象的飞跃 动画的诞生,本身就是一项技术与艺术的奇迹。从早期艺术家们手工绘制的每一帧画面,到现代 CGI 的三维建模,技术的发展始终是动画表现力拓展的基石。本章将追溯动画技术的源头,探寻那些奠定行业基础的先驱者,例如埃米尔·科尔(Émile Cohl)的《Fantasmagorie》如何以其流畅的线条和变形的趣味开启了动画的先河;温瑟·麦凯(Winsor McCay)如何在《恐龙葛蒂》(Gertie the Dinosaur)中赋予了角色生命和个性;以及迪士尼的早期团队如何通过《白雪公主和七个小矮人》(Snow White and the Seven Dwarfs)将动画提升到故事叙述和情感表达的新高度。 随后,我们将目光转向定格动画的独特魅力,如维尔托·温德尼(Wim Delvoye)在《肉块》(Meat Loaf)中展现的雕塑般质感,或是雷·哈里豪森(Ray Harryhausen)在奇幻史诗中创造的栩栩如生的怪物。进入色彩时代,特拉贝雷·克莱默(Tissa David)等艺术家如何运用色彩增强叙事,而华特·迪士尼的“多层赛璐珞”技术又如何为画面带来深度和层次。 数字时代的到来,尤其是计算机图形学(CGI)的崛起,无疑是动画发展史上最颠覆性的变革。从皮克斯《玩具总动员》(Toy Story)的划时代意义,到如今几乎所有主流动画工作室都依赖的先进技术,CGI 如何赋予了创作者前所未有的自由度,让那些曾经只存在于想象中的世界得以逼真呈现。我们将探讨三维建模、骨骼绑定、粒子效果、全局光照等关键技术,以及它们如何共同作用,创造出令人惊叹的视觉奇观。同时,本章也会触及二维动画在数字时代的创新,如手绘风格的CG动画,以及矢量动画的应用,证明传统与现代技法并非不可融合。 第二章:不止是给孩子看:《动画电影的叙事艺术与情感共鸣》 长期以来,动画电影常被误解为仅限于儿童的娱乐形式。然而,这部作品将深入探讨动画作为一种强大的叙事媒介,其能够触及成人观众内心深处,并传递复杂情感和深刻思想的能力。我们将分析那些之所以成为经典的动画电影,它们是如何通过引人入胜的故事、丰满的角色塑造以及精妙的视觉语言,构建出超越年龄界限的吸引力。 从早期如《小鹿斑比》(Bambi)中对生命与死亡的细腻描绘,到《狮子王》(The Lion King)中关于责任、成长与失去的史诗级叙事,动画电影早已证明了其承载严肃主题的能力。宫崎骏的作品,如《千与千寻》(Spirited Away)和《龙猫》(My Neighbor Totoro),以其对自然、人性和成长的深刻洞察,赢得了全球观众的赞誉。这些影片并非简单的童话,而是借由奇幻的设定,探讨着现实世界中的焦虑、孤独、环境问题以及个体在社会中的定位。 我们将剖析角色设计的智慧,如何通过线条、色彩和动作,瞬间传达角色的性格、情绪甚至背景故事。例如,一个弯曲的背脊可能暗示着疲惫和压抑,而明亮的色彩和流畅的动作则可能象征着活力和希望。视觉隐喻在动画中的运用,是如何让画面本身成为一种语言,传达更深层次的含义。比如,一场暴风雨可能象征着内心的 turmoil,而一场明媚的阳光则预示着希望的来临。 情感的表达是动画电影的核心竞争力之一。从角色脸上细微的表情变化,到整个场景的氛围营造,动画能够以一种直接而有力的方式触动观众的情感。《机器人总动员》(WALL-E)中,几乎没有台词的机器人瓦力,却通过一系列的动作和眼神,传递出深切的孤独、渴望与爱;《寻梦环游记》(Coco)则用一场绚丽的亡灵节庆典,探讨了家庭、记忆与死亡的意义。本章将深入研究这些作品是如何通过精心的编排、富有感染力的配乐以及卓越的配音表演,引发观众的共鸣,让他们在银幕前笑中带泪。 第三章:不止是童话:动画的艺术探索与跨界影响 动画电影的边界远不止于娱乐。它同时也是一个充满实验精神的艺术领域,不断挑战着视觉表达的极限,并与其他艺术形式产生深刻的互动。本章将超越传统的叙事框架,探索动画在艺术探索、社会评论以及技术创新的前沿地位。 独立动画的崛起,为我们提供了更为多元和实验性的视角。这些作品往往不拘泥于商业市场的考量,敢于触碰更为尖锐的社会议题,例如《公牛皮》(Persepolis)中对政治动荡和个人身份的探讨,或者《玛丽和马克思》(Mary and Max)中关于孤独、抑郁和友谊的黑色幽默。这些作品证明了动画可以成为一种强有力的社会评论工具,以独特的方式揭示现实的复杂性。 我们将审视动画在视觉美学上的创新。从抽象动画的纯粹形式探索,到风格化的动画设计,动画师们不断尝试新的视觉语言,挑战观众的审美习惯。例如,拉尔夫·巴克希(Ralph Bakshi)的作品,如《指环王》(The Lord of the Rings)和《奇幻森林》(Fritz the Cat),以其独特的、常常是粗犷的视觉风格,在动画史上留下了深刻的印记。而一些独立动画师则通过独特的媒材,如剪纸动画、黏土动画,甚至将真人表演与动画相结合,创造出独一无二的视觉体验。 动画的跨界影响也是本章的重要内容。动画不仅仅是电影,它更是设计、插画、游戏、广告等诸多领域的灵感源泉。我们将探讨动画元素如何在这些领域中被借鉴和应用,以及动画技术的发展如何反哺其他创意产业。例如,游戏行业对实时渲染和动态捕捉技术的需求,极大地推动了CG技术的发展,而这些技术反过来又被动画电影所吸收和运用。 最后,本章将展望动画电影的未来。随着虚拟现实(VR)、增强现实(AR)等新技术的兴起,动画的表现形式将变得更加多样和互动。我们还将思考,在日益多元化的媒体环境中,动画如何继续保持其独特的魅力,并继续作为一种强大的艺术形式,丰富我们的精神世界。 本书旨在为读者提供一个更广阔的视野,去欣赏动画电影作为一种独特的艺术形式所蕴含的无限可能,它能够以最纯粹的想象力,最真挚的情感,以及最前沿的技术,触及人类最深邃的思想和最普遍的情感,无论它来自哪个国度,属于哪种风格,其核心的艺术价值是共通的,等待着我们去发掘和品味。

作者简介

薛燕平,1975年出生,中国传媒大学动画学院教师,1998年获得北京广播学院电视系电视导演专业学士学位,2003年获得英国德比艺术与设计学院动画导演硕士学位。

目录信息

卷首语前言第1章 英国动画简史 雏形期:20世纪初期 发展期:20世纪30年代 壮大期:20世纪50-70年代 成熟期:20世纪八九十年代 21世纪至今第2章 英国动画节与组织机构 英国动画节 英国动画组织机构第3章 英国动画代表人物 英国动画之父——约翰·哈拉斯 英国动画教父——鲍伯·苟德弗瑞 英国动画的“魔教教主”——菲尔·莫洛伊 定格动画的莎士比亚——巴瑞·普维斯 下一站:伦敦?温哥华?——艾利森·斯诺登与大卫·菲恩 世界是平的——马克·贝支 动画“业余爱好者”——保罗·布什 动画“国际主义者”——麦克尔·杜克·德威特 其他代表人物 温故篇第4章 英国动画高等教育及理论研究 皇家艺术学院 国家影视学校 创意艺术大学 动画理论研究第5章 英国主要动画制作机构 第四频道 寇斯格罗夫·霍尔电影公司 阿德曼动画公司 克林伍德——欧海尔娱乐公司 光明电影公司 电幻想动画公司 阿卡工作室 激情动画公司 尼克萨斯动画公司 果冻动画公司第6章 英国动画专题研究 本章 概论:英国动画产生的人文与自然背景 英国动画申的女性 英国动画的实用性 英国动画中的外国人参考文献
· · · · · · (收起)

读后感

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初识猫粮(薛燕平)是在2005年的一个午后,他向社里校园网信箱投稿,同事就带他找到了我。他拿着厚厚的一摞打印稿,戴着大大的黑框眼睛,阳光,腼腆。那本书稿是他在英国留学的两年时光里辛勤写作的成果,看得出来,他很珍爱。 交谈后得知,他也曾经把稿子投给别的出版社,出版...

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这是看的薛老师的第三本书了,之前两本先看的电子版《世界动画大师》(好在我是自己到网上找的,课上听薛老师讲有学生在QQ群里跟他要,手打“我——要——电——子——版”),后来买了《非主流动画》,再后来《世界动画大师》出第二版了,又买来看了。《英国动画》没有买,到...  

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初识猫粮(薛燕平)是在2005年的一个午后,他向社里校园网信箱投稿,同事就带他找到了我。他拿着厚厚的一摞打印稿,戴着大大的黑框眼睛,阳光,腼腆。那本书稿是他在英国留学的两年时光里辛勤写作的成果,看得出来,他很珍爱。 交谈后得知,他也曾经把稿子投给别的出版社,出版...

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初识猫粮(薛燕平)是在2005年的一个午后,他向社里校园网信箱投稿,同事就带他找到了我。他拿着厚厚的一摞打印稿,戴着大大的黑框眼睛,阳光,腼腆。那本书稿是他在英国留学的两年时光里辛勤写作的成果,看得出来,他很珍爱。 交谈后得知,他也曾经把稿子投给别的出版社,出版...

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初识猫粮(薛燕平)是在2005年的一个午后,他向社里校园网信箱投稿,同事就带他找到了我。他拿着厚厚的一摞打印稿,戴着大大的黑框眼睛,阳光,腼腆。那本书稿是他在英国留学的两年时光里辛勤写作的成果,看得出来,他很珍爱。 交谈后得知,他也曾经把稿子投给别的出版社,出版...

用户评价

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这本书的封面设计着实吸引人,那种略带复古的插画风格,色彩饱和度恰到好处,让人一眼就能感受到一股英伦特有的那种带着幽默感的、略显严肃又不失俏皮的气质。我最初是冲着封面上的那些小小的、类似手稿的细节去的,感觉它像是一个深入探寻英国文化脉络的宝藏。然而,当我真正沉下心来阅读后,我发现这本书的重点似乎完全偏离了我预期的方向。它更像是一部关于战后英国社会变迁的社会学论文,用极其严谨的学术语言,剖析了某个特定时期内工业结构对国民精神面貌的影响。书中大量引用了官方报告和统计数据,对于理解那个年代的经济政策无疑是翔实的,但对于一个期待了解那些经典的、耳熟能详的英国卡通形象和它们背后的创作故事的读者来说,体验就如同走进了档案室。我花了很大精力去消化那些关于“福利制度改革如何间接影响了儿童电视节目的内容审查标准”这类章节,虽然信息量巨大,但与我心中那个关于“阿德里安·普洛斯比的木偶戏”的浪漫想象相去甚远。我甚至在想,这本书的作者是不是对“动画”这个词有着某种非常狭隘的、几乎是工程学的定义,以至于完全忽略了其艺术和娱乐层面的价值。整体阅读下来,我感受到的不是愉悦,而是一种被学术重量压迫的疲惫感。它成功地描绘了社会背景,但却刻意回避了我们真正想看到的那些光影和想象力的流动。

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从排版和索引来看,这本书无疑是经过精心准备的,文献引用部分非常详尽,看得出作者下了苦功夫进行资料搜集。但是,这种对“考据”的偏执,却直接牺牲了可读性。书里充斥着大量晦涩的专业术语,这些术语的定义往往需要读者自行去查阅其他专业辞典,否则根本无法理解作者的论证链条。更要命的是,书中的插图——如果可以称之为插图的话——是极其稀疏和冰冷的。它们通常是一些非常小比例的、低分辨率的、或者干脆是纯粹的图表和示意图,用以佐证某个关于技术流程或者市场占有率的观点。我期待的是那些充满生命力的、能够唤起童年记忆的画面截图或概念设计图,但得到的却是关于“光栅扫描技术在特定年份的改进细节”的图解。我感觉自己像是在阅读一本关于如何制造铅笔的说明书,而不是一本关于铅笔画作艺术的书。这使得阅读过程变得异常枯燥和机械化,每读完一页,都需要花费额外的精力来消化那些生硬的术语和干燥的图示,完全无法沉浸在任何一种叙事体验中。这本书更像是为某个特定领域的内部人士编写的参考手册,而非面向广大爱好者的科普读物。

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这本书最让我感到困惑的一点,是它对“幽默”这种核心元素的彻底忽视。英国文化作品中,那种特有的、略带黑色幽默的讽刺感和自嘲精神,往往是其魅力所在。我原以为一本探讨英国视觉艺术的作品,至少会花笔墨分析一下这种独特的喜剧节奏是如何在动画媒介中体现的。然而,通篇读下来,我感受到的是一种近乎病态的严肃性。作者仿佛在用对待严肃历史事件的笔法来分析一些原本轻松愉快的事物,所有的论述都笼罩在一层厚重的学术霾之中。任何试图挖掘其娱乐价值或情感共鸣的部分,都会被作者用“肤浅”、“商业化倾向”等词汇轻易地驳倒或边缘化。这种批判性的姿态是值得肯定的,但当它变成了一种单一的、排他的视角时,就显得矫枉过正了。阅读过程中,我一直在脑海中试图重构那些鲜活的角色和经典的笑点,但这本书却提供给我一整套关于这些笑点“社会成因分析报告”,分析得极其透彻,但就是完全抽离了笑点本身。结果就是,我读完后,对那些作品的社会背景了解得更深了,但对它们“为什么好笑”的理解却变得更加模糊和遥远了。这简直是本“反审美”指南。

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读完这本厚达五百多页的“大部头”,我最大的感受是,作者对“叙事结构”的掌控简直可以用令人发指来形容。它更像是一本散文集,或者更准确地说,是一系列主题松散的随笔堆砌而成。每一章的标题都非常宏大,比如“后现代主义对视觉传达的解构”或是“声音设计中的乡愁主题变奏”,但翻开内页,内容却是天马行空中。前一页还在讨论某个特定历史事件对公众心理的影响,后一页可能就突然跳跃到对某个不知名剧院布景的详细描述,中间没有任何过渡性的桥梁。我一直在寻找一条清晰的线索,一条能将所有这些碎片化的思考串联起来的逻辑主轴,但徒劳无功。它更像是作者一次随性的思维漫游,记录了他在某个特定时间点对“英国文化产品”的种种零散感悟。这种写作方式对于那些喜欢在阅读中自行构建意义的读者或许是一种挑战,但对我而言,这更像是一种折磨。我需要的是一个清晰的地图,告诉我如何从A点到达B点,而这本书提供给我的,是无数个没有方向的路标。我不得不频繁地在章节之间来回翻阅,试图找出作者埋藏的、也许根本就不存在的“彩蛋”或“隐藏线索”,结果却只是更加迷失在那些过于晦涩和自指的表达之中。

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我必须承认,这本书的装帧质量确实无可挑剔,纸张的手感非常细腻,印刷的墨色深沉而富有质感,这无疑是收藏级别的配置。然而,内容上的匮乏和对核心主题的避重就轻,让这种奢华的包装显得有些讽刺。书中充斥着大量的理论性阐述,比如对“符号学”在特定文化语境下如何被误读的分析,但当我们期待看到那些具体的、能够被视觉化的实例时,文字却变得极其抽象和晦涩。我尝试去理解作者关于“视觉符号的社会建构性”的论点,但阅读完整整一个章节后,我仍然无法在脑海中勾勒出一个具体的画面,更别提去联想到那些我们熟悉的经典动画场景了。它更像是在讨论建筑的理论结构,而不是那座建筑本身的美学体验。每一次当我以为即将触及到一些具体案例时,作者又迅速地将话题拉回到宏观的哲学层面进行拉扯和辩证。这种反复的退回,使得阅读过程充满了挫败感。就好像你走进一家顶级的餐厅,服务员递给你的却是一本关于食材化学成分的教科书,而不是菜单。对我这个满怀期待的普通爱好者来说,这根本算不上是一本介绍性的读物,而是一份高深的理论导论,而且这份导论本身也显得有些过于自说自话,缺乏与外部世界的有效对话。

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又没读完~

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阿德曼家的粘土动画!!

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必须阿德曼啊~~~

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资料很全。

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单作资料查OK,但这大白话砍得不能忍啊 J954/81

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