L'Esthétique du temps au Japon

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出版者:Galilée
作者:Christine Buci-Glucksmann
出品人:
页数:209
译者:
出版时间:2001-1-24
价格:EUR 32.00
装帧:Broché
isbn号码:9782718605555
丛书系列:
图书标签:
  • français
  • =i2+b2=
  • 日本美学
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具体描述

暂定书名:《光影的絮语:论西方艺术中的时间性与空间流变》 图书简介 本书旨在深入探讨西方艺术史中“时间”这一核心议题是如何被感知、表现与构建的。我们聚焦于从古典时期到现当代艺术的演进脉络,考察艺术家们如何运用视觉语言来捕捉、凝固或消解时间性,以及空间布局如何服务于这种时间观念的表达。全书不局限于单一媒介,而是横跨绘画、雕塑、建筑乃至早期电影的视觉实践,勾勒出一部关于“时间在艺术中如何行走”的详尽编年史。 第一部分:时间的凝固与永恒的幻象(古典至文艺复兴) 本部分着重分析西方艺术如何试图“战胜”时间。在古希腊与罗马的雕塑中,时间被冻结于一个理想化的、超越日常瞬间的“永恒瞬间”(Kairos)。我们剖析理想化人体形态如何成为对抗衰败的象征,并探讨纪念碑性建筑如何通过其物质的持久性来对抗历史的侵蚀。 进入文艺复兴,透视法的发明是理解时间性转变的关键。阿尔伯蒂的线性透视不仅仅是一种空间组织技术,更是一种“量化时间”的尝试。它将三维时空压缩进一个固定的、可测量的二维平面,观众被邀请进入一个被精确计算过的、静止的“现在”。我们将详细考察达芬奇和拉斐尔的作品,如何通过精确的光影处理(Chiaroscuro)来构建深邃的、具有叙事时间深度的空间,即使画面本身是静态的。拉斐尔《雅典学院》中的空间布局,清晰地划分了知识的继承与传承——这本身就是一种结构化的时间序列。然而,这种对有序时间的追求,也暗含了对时间流逝的焦虑。 第二部分:动态的叙事与精神的流逝(巴洛克至浪漫主义) 巴洛克艺术是对文艺复兴静态和谐的一种强烈反动。本章探讨艺术家如何主动拥抱“运动”与“瞬间”的戏剧性。卡拉瓦乔的光影处理不再是为清晰叙事服务,而是制造强烈的戏剧张力,捕捉事件发生的最具冲击力的那一刻。这种对“行动的顶峰”的捕捉,实际上是对时间流逝的戏剧性强调。 更进一步,我们将审视贝尼尼雕塑中的“动态时间”。《大卫》中身体的扭转、《圣特蕾莎的狂喜》中材质的剧烈变化,都要求观众的目光在作品周围移动,从而在空间中“重演”时间。观众的运动成为感知作品时间性的必要条件。 进入洛可可和新古典主义时期,时间观念出现分化。洛可可倾向于捕捉转瞬即逝的享乐瞬间,色彩与构图的轻盈感暗示了生活的短暂性。而新古典主义则回归对历史的严肃审视,但这种审视往往是选择性的,它抽取历史中的道德高点,将其作为当代的参照——一种对过去经验的“时间借用”。 浪漫主义的兴起则标志着个体内部时间体验的觉醒。时间不再是客观线性的,而是主观的、情绪化的。特纳(J.M.W. Turner)的作品尤其值得关注。他的风景画中,物质形态开始溶解于光与雾之中,空间变得模糊不清,这象征着个体情感对客观时间框架的超越或吞噬。这是一种“气氛的时间”,而非“钟表的时间”。 第三部分:现代性的切片与重构(印象派至立体主义) 工业革命带来的社会变革,深刻影响了人们对时间和空间的感知。城市生活节奏的加快,使得短暂的、非连续性的体验成为新的现实。印象派艺术家正是这种新时间观的先驱。 莫奈(Claude Monet)对同一主题(如鲁昂大教堂或干草堆)的系列创作,是对时间流逝最直接的视觉记录。他不再追求一个固定的“最佳瞬间”,而是系统地记录光线和氛围在不同时间点对物体表面的影响。时间在这里成为了一个可被量化和叠加的变量。观众需要通过对比不同画布上的差异,才能体会到时间的“累积效应”。 立体主义则对空间结构进行了更为激进的颠覆。毕加索和布拉克通过将物体的不同视角(即不同时间点对物体进行观察的结果)同时呈现在一个二维平面上,彻底瓦解了文艺复兴以来的单点透视法。这不仅仅是空间的分解,更是对“观看行为”本身所需要时间的承认——观察一个物体需要时间,而立体主义将这些时间序列压缩到了同一张画布上。这是一种“多重时间”的共存。 第四部分:时间的消融与空间的迷宫(现当代探索) 二十世纪的艺术发展进一步将时间引入了更纯粹的、非叙事性的领域。抽象表现主义中,行动绘画(Action Painting)将绘画过程的时间性置于作品本身之上。波洛克(Jackson Pollock)滴画的行为,其轨迹记录了艺术家身体在空间中移动的时间路径。画布不再是事件的记录,而成为了时间运动本身的“轨迹图”。 而在后来的极简主义与概念艺术中,时间则以一种更为隐蔽但同样深刻的方式存在。光影装置艺术(如詹姆斯·特瑞尔的作品)关注于观众在特定空间中停留的时间,以及环境光线随自然时间推移所产生的微妙变化。在这里,艺术作品的时间性不再由画面内容决定,而是由观众的存在时间所定义。空间成为了一个容器,用于测量和体验时间。 本书的结论将总结西方艺术史中,时间与空间如何从对立走向融合,最终成为相互建构的元素。艺术不再试图“捕捉”时间,而是致力于揭示时间作为一种感知结构,如何不可避免地塑造了我们对物质世界的理解。这是一部关于视觉艺术如何“思考时间”的编年史。 目标读者: 艺术史学生、时间哲学爱好者、视觉文化研究者以及对美学与感知理论感兴趣的广大学者和读者。

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