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《中国经典碑帖释文本:米芾苕溪诗卷·蜀素帖》内容简介：米芾（1051～1107），初名黻，字元章，号襄阳漫士、海岳外史、鹿门居士。祖籍山西太原，后定居江苏镇江。曾任校书郎、书画博士、礼部员外郎。米芾个性怪异，举止颠狂，遇石称“兄”，膜拜不已，因而人称“米颠”。《宋史》载：“米元章初见徽宗，命书（《周官》篇于御屏。书毕，掷笔于地，大言曰：‘一洗二王恶札，照耀皇宋万古。’徽宗潜立于屏风后闻之，不觉步出纵观。”徽宗因诏为书画学博士，人称“米南宫”。米芾能诗文，擅书画，精鉴别，集书画家、鉴定家、收藏家于一身，是“宋四书家”（苏、米、黄、蔡）之一。其书体潇散奔放，又严于法度。传世的书法墨迹有《向太后挽辞》、《蜀素帖》、《苕溪诗卷》、《拜中岳命帖》、《虹县诗卷》、《草书九帖》、《多景楼诗帖》等，无绘画作品传世。著《山林集》，已佚。其书画理论见于所著《书史》、《画史》、《宝章待访录》等书中。
米芾平生对于书法用功最深，成就最大。《宋史》说他：“特妙于翰墨，沉着飞翥，得王献之笔意。”《宣和书谱》说他：“大抵书仿羲之，诗追李白，篆宗史籀，隶法师宜官，晚年出入规矩，深得意外之旨。”米芾习书，自称“集古字”，后人因赞曰“天姿辕轹未须夸，集古终能自立家”，这从一定程度上说明了米氏书法成功的来由。
《山水清音：宋代文人画论与书法审美探微》 作者： 陈弘毅 出版社： 文瀚堂艺术出版社 装帧： 精装，附赠宋拓摹本图录 定价： 188.00 元 --- 内容简介： 一卷洞察宋代精神的文化史诗 《山水清音：宋代文人画论与书法审美探微》并非一部简单的艺术史梳理，而是通过对宋代特有的士大夫阶层文化心理、哲学思辨与艺术实践的深度剖析，力图重构一个充满内敛、雅致与“理”的审美世界。本书聚焦于北宋中晚期至南宋早期的文人艺术思潮，探究“格物致知”的观念如何渗透到笔墨丹青和线条结构之中，最终塑造出宋人独步古今的艺术精神面貌。 全书分为三大部分，层层递进，逻辑严密，旨在揭示宋代艺术如何从“技”的层面升华为“道”的体现。 --- 第一部分：理学的兴起与艺术的“格致”观 本部分深入探讨了程朱理学的兴盛对宋代知识分子精神世界的影响。我们不再将理学视为纯粹的哲学流派，而是将其视为理解当时艺术创作动机的“密码”。 1. 从“格物”到“写生”：对自然本质的摹写 宋代文人相信，通过对事物细致入微的观察和体悟（格物），可以洞察宇宙的“天理”。这种认知方法直接导向了“写生”的艺术实践。本书详细比较了唐代画家注重“气势”与宋代画家追求“形神兼备”的根本差异。我们分析了以范宽的《溪山行旅图》和郭熙的《早春图》为代表的山水画，阐述了其构图中的“三远法”如何体现了观察者与被观察物之间微妙的哲学距离感——既要融入自然，又需保持文人独立的审视角度。 2. 论“意”先于“形”：书画同源的理论基础 宋代文人确立了书画同源的观念，但这种“同源”并非简单的技巧借鉴，而是基于共同的哲学基础——即线条与笔墨是表达主体心性的最直接媒介。本书着重分析了苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊”的论断，并追溯了其在书法实践中对晋人古韵的回归。这种对“意境”的强调，是宋人摆脱晚唐五代画院式精致、迈向独立人文精神的关键一步。 3. 院体与士人画的分野：体制的松动与个性的勃发 虽然宫廷画院依然存在，但士人阶层对艺术的介入，使得艺术的评价标准开始向“学问文章”倾斜。本章细致考察了李唐、刘松年等“院体”画家的技术传承，并将其与黄庭坚、米芾等人的书学理论进行对比，指出士人画强调的“拙朴”、“自然”正是对院体工致、匠气的一种温和反拨。 --- 第二部分：笔墨的语言学：书法线条中的结构与气韵 第二部分聚焦于宋代书法的变革，重点剖析了“宋四家”在结构、用笔和章法上的创新，阐释了如何从他们的笔墨中读出宋人的“气”与“理”。 1. 结构的美学：从法度森严到内擫外拓 宋代书法不再将唐代楷书的端庄视为唯一的圭臬。本书通过对苏轼《寒食帖》和蔡襄《澄心堂帖》的结构分析，揭示了宋人如何在遵循古法的基础上，进行“有节制”的变异。苏轼的用笔“丰腴而不失骨力”，蔡襄的结构则体现了冷静的文人士大夫的秩序感。我们探讨了中宫的收紧与四旁笔画的舒展，是如何形成一种充满内在张力的视觉效果。 2. 用笔的哲学：对“韵味”的追求 本章深入探讨了宋人如何理解“用笔”与“心性”的关系。米芾在书论中强调的“刷”、“抱锋”、“坠露”，都是在描述一种瞬间爆发的、充满活力的用笔状态。这种状态需要极高的精神集中度，一旦笔墨离开纸面，便无法补救，这与道家“虚静”下的瞬间悟道的体验是相通的。我们详述了点画的提按顿挫中蕴含的文人内心世界的起伏。 3. 章法与气息的流转：论“行气”的构建 宋人对章法的重视，反映了他们对整体观的追求。与唐人追求清晰易读的单字结构不同，宋人更注重行与行、字与字之间气息的连贯与呼应。通过对宋代尺牍和手札的研究，我们发现“气”的流动是支配整个篇幅的无形力量。这种对气息流转的把握，是宋人将书法提升至“写心”层面的重要标志。 --- 第三部分：诗、书、画的交融与文人趣味的形成 本书的收尾部分，将前述的哲学、绘画和书法理论进行整合，探讨宋代文人如何通过这“三绝”来构建属于自己的精神家园和审美趣味。 1. 诗意的图景：山水画中的“留白”哲学 宋代山水画的“计白当黑”，不仅仅是一种构图技巧，更是对虚无与存在、有形与无形的哲学思辨的视觉转化。留白之处，正是文人气息的栖居之所，是“空”的艺术表达。本书对比了留白在山水画与书法中的不同作用，指出前者是“气之所钟”，后者则是“韵之所存”。 2. 雅集与趣味：从“文玩”到“胸襟” 宋代文人的生活方式，如清赏、焚香、点茶、插花，这些“雅集”活动构成了他们日常的精神底色。艺术作品不再是单纯的供奉之物，而是士大夫日常交流、展示学养的载体。本书将书画的审美标准与当时的文人风尚相结合，分析了“天真烂漫”的趣味如何在士大夫圈层中成为新的评价标尺。 3. 宋代审美精神的“内敛之美” 总结全文，本书指出宋代艺术的最高境界在于“内敛”。它拒绝唐代的盛大与外放，转而追求一种深藏于笔墨结构内部的张力、一种需要观者主动参与才能体悟到的清雅之气。这种审美观，深刻地影响了后世的文人阶层，成为中国艺术史上一个永恒的参照坐标。 --- 推荐理由： 本书学术训练有素，资料翔实，论证细致入微，尤其在将哲学思辨与具体的笔墨技法相结合方面，展现出独到的洞察力。对于深入理解宋代艺术精神的学者、研究古代书法和绘画的爱好者，乃至对中国传统美学有浓厚兴趣的读者，都具有极高的参考和阅读价值。
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