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A text that truly embodies its name, CHEMISTRY: PRINCIPLES AND PRACTICE, 3rd, International Edition connects the chemistry students learn in the classroom (principles) with real-world uses of chemistry (practice). The authors accomplish this by starting each chapter with an application drawn from a chemical field of interest and revisiting that application throughout the chapter. The Case Studies, Practice of Chemistry essays, and Ethics in Chemistry questions reinforce the connection of chemistry topics to areas such as forensics, organic chemistry, biochemistry, and industry.
《光影交织的时代：19世纪欧洲艺术的流变与革新》 简介： 本书深入剖析了十九世纪欧洲艺术波澜壮阔的转型期，一个旧秩序瓦解、新思潮涌现的时代。从新古典主义的庄严回响，到浪漫主义的激情迸发，再到现实主义的冷静观察，直至印象派对瞬间光影的捕捉和后印象派对内在情感的探索，本书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触，勾勒出艺术史在这一百年间的复杂脉络。我们着重考察了社会、政治、科技变革对艺术家创作观念的深刻影响，探讨了工业革命如何重塑了城市景观与艺术主题，以及摄影术的兴起如何迫使绘画寻求新的存在价值。 第一部分：古典的黄昏与浪漫的黎明（1800-1840） 十九世纪伊始，欧洲艺术仍笼罩在启蒙运动的理性余晖之下。新古典主义在拿破仑的帝国荣耀中达到顶峰，雅克-路易·大卫及其追随者们试图以古希腊罗马的道德理想和严谨的构图来规范当代生活。然而，这种对秩序和宏大叙事的坚持，很快与时代日益躁动的精神产生了冲突。 随着拿破仑战争的结束和欧洲政治格局的动荡，一股对个人情感、自然伟力和异域风情的强烈向往开始酝酿，浪漫主义应运而生。德拉克洛瓦的《自由引导人民》以其澎湃的色彩和戏剧性的叙事，成为反抗压迫、赞美激情的象征。康斯特布尔和透纳则将目光转向了难以捉摸的自然力量——风暴、海洋与光线，他们对自然现象的描绘，不再是田园牧歌式的点缀，而是作为一种强大的、甚至带有神性的存在被认真对待。这种对“崇高”（the Sublime）的追求，标志着艺术主体性开始向内转，关注体验和感受的真实性，而非外在的客观描摹。 第二部分：观察的重量：现实主义的崛起（1840-1870） 一八四八年革命的阵痛，使得知识分子和艺术家们深感对乌托邦式的浪漫幻想的厌倦。社会矛盾的激化，促使艺术必须“脚踏实地”。现实主义的旗帜在法国率先举起，其核心在于“如实描绘”当代生活，尤其是被传统学院派忽视的劳动阶层和日常场景。 古斯塔夫·库尔贝高呼“我不能画天使，因为我从未见过它们”，他的作品充满了对乡土、劳作的直白展示，挑战了官方沙龙对“高雅主题”的垄断。米勒则将田园生活提升到史诗的高度，歌颂农民的艰辛与尊严。现实主义不仅是绘画风格的转变，更是一场深刻的社会介入，它拒绝了理想化和矫饰，坚持展示时代病灶与普通人的生活质感，为后来的社会批判艺术奠定了基础。 在雕塑领域，巴里亚斯的作品同样体现了对真实材质和瞬间动态的捕捉，摆脱了新古典主义的僵硬姿态。 第三部分：光影的革命：印象派与现代性的诞生（1870-1890） 十九世纪下半叶，科学技术（特别是光学理论的发展和颜料工业的进步）与社会结构（城市化、咖啡馆文化）的交汇，催生了艺术史上最具颠覆性的运动——印象派。 印象派画家们，如莫奈、雷诺阿、德加，将画架从画室搬到了户外（Plein Air）。他们不再关心物体本身的固有色和明确的轮廓，而是着迷于光线在特定时间点投射在物体上的瞬时色彩变化。对“瞬间”的捕捉，是对快速变迁的现代生活最直接的回应。莫奈通过对同一主题（如鲁昂大教堂、干草垛）在不同时间点的反复描绘，系统性地探索了视觉感知的主观性。 与莫奈偏重自然光线不同，德加则将都市生活——芭蕾舞演员、赛马场、歌剧院——作为新的现代主题。他对日本浮世绘（Ukiyo-e）中不寻常的视角和裁剪方式深感兴趣，这极大地拓宽了构图的可能性。印象派的成功，标志着艺术中心从“描绘对象”彻底转向“描绘主体如何感知对象”的现代主义核心。 第四部分：反思与深化：后印象派的多元探索（1885-1900） 随着印象派的视觉语言被大众接受，新一代艺术家开始思考：如果一切都是光和色彩的瞬间感受，那么艺术的深度和持久的意义何在？后印象派由此出现，他们试图在印象派的色彩基础上，重建结构、情感和象征意义。 保罗·塞尚，这位“现代艺术之父”，致力于恢复形式的坚固性。他解构了三维空间，尝试用圆柱体、球体和圆锥体来分析自然，为立体主义的出现埋下了伏笔。 文森特·梵高则将主观的、内在的情感注入画布。他扭曲的线条和燃烧般的色彩，表达了个体在面对世界时的痛苦、狂喜与孤独。他的作品不再是客观世界的记录，而是心灵状态的投射。 保罗·高更则转向了对原始、异域（尤其是塔希提岛）文化的探索，他认为现代文明使人性退化，试图通过象征性的色彩和平面化的构图，表达更深层的精神真理和原始生命的活力。 结论：迈向二十世纪的门槛 十九世纪的欧洲艺术，是一部从外部世界的宏大叙事（新古典与浪漫）转向内在世界的深刻探索（现实与印象派）的历史。艺术家们经历了从坚守传统技法到彻底颠覆视觉语言的过程。从对“再现”的坚持到对“表现”的追求，这一百年间的艺术革新，为二十世纪的野兽派、立体派、表现主义等前卫运动铺设了清晰的道路。本书旨在全面梳理这一复杂而富有创造力的时期，理解艺术如何在全球变革的浪潮中，完成了从传统手工艺到现代智力活动的范式转移。
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