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出版者:荣宝斋

作者:张登堂 绘

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2010-6

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787500311935

丛书系列:

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《敦煌壁画艺术初探》 内容提要： 本书是一部系统梳理和深入剖析敦煌莫高窟壁画艺术的学术专著。它不仅涵盖了敦煌石窟开凿历史的宏观脉络，更聚焦于壁画内容、风格演变、技法特点及其背后所蕴含的文化交流与宗教思想的微观研究。全书以时间为序，结合现存壁画的精选图例，带领读者穿梭于北魏的朴拙雄浑、隋代的丰满秀丽、唐代的盛世气象、五代的繁缛精微以及宋元的转型与衰落，展现了敦煌壁画作为“千年画廊”的非凡艺术成就及其对中国乃至世界美术史的深远影响。 第一章：丝绸之路上的艺术熔炉——敦煌的地理、历史与石窟缘起 本章首先勾勒了敦煌在古代丝绸之路东段的关键地理位置及其作为东西方文化交汇点的历史地位。敦煌不仅是军事要塞，更是佛教东传的重要门户。我们将探讨佛教艺术如何借由这条贸易生命线传入中原，以及敦煌统治者（如前秦、北魏、西魏、北周、隋唐等）对佛教事业的扶持态度如何直接影响了石窟的开凿与壁画的繁盛。重点分析了莫高窟从十六国时期初步兴建到隋唐鼎盛时期的发展轨迹，为理解后续的艺术风格奠定历史基础。书中详细梳理了不同历史时期壁画的保存现状，并介绍了现代敦煌学研究的学科范畴。 第二章：图像的叙事与教化——壁画题材的分类与象征意义 敦煌壁画内容包罗万象，是研究古代宗教、社会风俗、服饰制度的“百科全书”。本章致力于对壁画题材进行系统分类和深度解读。 首先，本生故事与佛传故事是核心部分，通过连环画式的叙事，阐释佛教伦理和因果报应思想。我们精选了如“九色鹿本生”、“释迦牟尼出家”等经典壁画，分析其构图的成熟度及其在不同时代的表现差异。 其次，对佛、菩萨、天王、供养人等神性形象的刻画进行专项研究。重点剖析菩萨形象的“人化”过程，从早期略显拘谨的造型到盛唐时期雍容华贵的“丰腴之美”，揭示了世俗审美对神圣形象的渗透。 再者，对经变画的解析是本章的重点。经变画是将复杂的佛教经典转化为视觉化、情节化的巨幅画作，如宏大的“弥勒经变”、“法华经变”。书中将详细辨析不同经变画中的空间处理、人物布局和色彩运用，探讨其在弘法传教中的实际功能。 最后，世俗生活图景，包括供养人画像、农耕狩猎、宴饮出行等场景，为我们重建了古代社会生活的一扇扇窗口。 第三章：色彩的哲学与线条的生命——敦煌壁画的绘画技法研究 敦煌壁画的艺术价值，很大程度上归功于其独特的材料运用和精湛的绘画技艺。本章深入探讨了壁画创作的工艺流程和技术特征。 材料与准备工艺部分，我们将详述古代工匠如何处理洞窟岩壁（如“起灰”、“打底”），以及矿物颜料的采集、研磨与调和技术。书中配有详细的技法图解，展示了如青绿、石青、朱砂等主要色料在不同朝代的应用比例和效果。 造型与线条艺术方面，本书认为敦煌壁画的线条是其生命力的源泉。我们将对比分析北魏的“铁线描”的力度、唐代线条的圆润流畅与五代线条的纤细婉转，阐释线条如何承载体积感和神韵。 晕染与“凹凸法”的运用是本章的核心技术分析点。敦煌匠人巧妙地运用印度传入的“凹凸法”（类似西方素描中的明暗处理），在二维平面上营造出强烈的立体感和质感，尤其在衣褶和肉体的表现上达到了极高的成就。我们将结合局部细节图，剖析这种技法在不同朝代如何被本土化和发展。 第四章：风格的嬗变——从印度审美向中原气韵的融合 敦煌壁画的风格演变并非简单的线性发展，而是一个不断吸收、消化、创新的过程。本章着重分析不同历史时期壁画在造型、空间处理和文化意境上的差异与融合。 早期（十六国至北魏），壁画带有显著的犍陀罗和笈多艺术的遗风，人物造型瘦高、面部轮廓硬朗，衣纹多呈“褒衣博带”或“U”形褶。 中期（隋代），风格转向柔和丰满，线条趋于流畅，开始出现本土化的审美趣味，为唐代繁荣奠定了基础。 鼎盛期（唐代），敦煌壁画完全融入盛唐气象，人物饱满健硕，色彩富丽堂皇，空间布局宏大开阔，体现出极强的自信与世俗化倾向。 晚期（五代、宋、西夏、元），风格开始出现程式化和僵硬化的趋势，但同时新的宗教画派如藏传佛教艺术元素开始介入，展示出复杂多元的面貌。 第五章：比较视野下的敦煌——壁画艺术的国际影响与当代价值 本章将敦煌壁画置于全球艺术史的坐标系中进行考察。我们探讨了敦煌壁画与同时期印度阿旃陀石窟壁画、中亚地区的艺术交流痕迹，明确了敦煌作为连接中印艺术交流枢纽的作用。同时，本书最后论述了敦煌艺术对中国宋元院体画、明清民间绘画乃至近现代艺术思潮的激发和影响，强调其作为文化遗产保护和艺术再生的当代价值。 结语： 《敦煌壁画艺术初探》旨在以严谨的学术态度和生动的视觉解读，为艺术史研究者、美术专业学生以及所有热爱中国古代艺术的读者，提供一部深入理解敦煌艺术精髓的可靠指南。它不仅是对历史辉煌的追溯，更是对人类文明交融创新的深刻体悟。

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我对这套系列画谱最欣赏的一点，在于它对不同流派和时期大师作品的选取，展现了一种非常平衡且深思熟虑的考量。它并非简单地堆砌名家之作，而是有意识地构建了一个艺术演进的脉络。比如，通过几位不同风格的山水画家的对比，我能清晰地看到从工笔到写意的过渡和演变，线条的运用、墨色的层次感处理，都因为并置而产生了奇妙的对话。这种编排方式，极大地帮助了我这个业余爱好者去理解“风格”的形成和发展，不再是孤立地看待每一幅画。而且，选入的作品，即便是同一位画家的，也侧重于展现其风格发展的不同侧面，而不是重复其最广为人知的“大作”，这份细致入微的编辑心意，着实令人佩服，让人感叹这不仅仅是作品的集合，更像是一部视觉化的艺术史纲要。

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我最喜欢的是，它在内容编排上似乎非常注重“气息”的连贯性，而不是仅仅停留在名气排序。在某一主题或题材的系列展示中，你会发现前一幅画的某个笔触或构图元素，会巧妙地在后一幅画中得到呼应或发展，即便作者不同，这种无形的艺术对话感也时常出现。这让我开始不再只关注“这是谁画的”，而是转而思考“为什么他会这样画，而前一位又是如何铺垫的”。这种引导性的阅读体验，极大地激发了我对中国传统绘画背后哲学思考的兴趣，它不再是一本冷冰冰的图集，而更像是一场跨越时空的、与历代画家的深度交流。这种潜移默化的熏陶，对于提升个人的艺术修养，具有不可估量的作用。

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作为一名长期练习书法的学习者，我发现这本书在笔法细节的呈现上，做得比我之前购买的其他资料都要精细得多。有些画作旁会附带一些极其微小的局部放大图，虽然篇幅不大，但对于研究画家下笔的力度、中锋侧锋的转换、以及笔触的收尾，提供了无可替代的参考价值。我注意到，即便是那些看起来随性挥洒的写意线条，在放大之后，依然能看出其内在的法度与节奏感。这对我尝试模仿和理解古人“一笔不苟”的精神大有裨益。相比于模糊不清的印刷品，这里的墨韵层次感保留得非常到位，浓淡干湿的变化，使得学习者能够更直观地感受到“墨分五色”的奥妙，这比单纯地看成品图要有启发性得多，真正做到了“授人以渔”。

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这本书的装帧设计中，那个用以保护作品的封面衬纸设计得尤其巧妙。它采用了一种半透明的、带有微弱纹理的材质，在不完全遮挡下面内容的同时，给予了作品一种朦胧的美感和神秘感，仿佛是透过历史的薄纱在窥视艺术的真容。更实际的好处是，这种设计在书架上陈列时，能让整体视觉效果更加统一和柔和，不像有些画册那样色彩过于跳跃和刺眼。而且，这种设计上的克制，也反过来凸显了内页作品本身的冲击力，让每一幅画作在被揭开衬纸的那一刻，都能带来一次“重逢”的惊喜感。这种对“期待感”的精心调控，体现出一种非常成熟和高级的审美情趣，让人觉得每一次翻阅都是一次仪式。

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这本画谱的装帧设计简直让人爱不释手，从封面到内页的用纸考究程度，都能感受到出版方对艺术的尊重。特别是那种微微泛着油光的宣纸质感，即便是隔着塑封也能想象到握在手中的温润触感。内页的排版布局也极为大气，每一幅作品的展示都留出了足够的呼吸空间，使得原本可能略显拥挤的画作，在视觉上获得了极大的舒展和提升。翻阅的过程中，仿佛能闻到一丝淡淡的墨香，那种年代感和历史的厚重感扑面而来，让人不自觉地放慢了翻页的速度，生怕惊扰了纸页上沉睡的笔墨精魂。装订处的工艺处理得非常平整牢固，即便是经常翻阅，也无需担心散页的问题。整体而言，从触觉到视觉，这本画册在物理形态上就提供了一种高品质的艺术鉴赏体验，绝对是值得珍藏的实体书。

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