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☆☆☆☆☆

出版者:Wiley-Blackwell

作者:Richard Misek

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2010-4-9

价格:GBP 70.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781444332391

丛书系列:

图书标签:

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chromatic cinema 一部关于色彩与叙事的深度探索，一场视觉与情感的交织盛宴。 内容概述： 《Chromatic Cinema》并非一本简单的电影评论集，它是一次对电影艺术核心元素——色彩——的全面而深刻的剖析。本书将观众带入一个全新的视角，审视色彩如何在无声无息中塑造我们的情感，引导我们的注意力，甚至构建故事的意义。从早期黑白电影中光影的戏剧性运用，到数字时代色彩的无限可能性，《Chromatic Cinema》将沿着电影发展的历史轨迹，追踪色彩语言的演变，揭示其背后蕴含的心理学、符号学和美学原理。 本书将深入探讨色彩如何成为叙事的驱动力。我们不仅仅是观察画面，更是通过色彩去感受角色的内心世界，理解场景的情绪氛围，甚至预判故事的走向。例如，鲜艳的红色是如何象征激情、危险或权力；冷峻的蓝色又是如何传递忧郁、宁静或疏离。作者将通过大量的电影案例分析，具体展示导演们如何巧妙地运用色彩调配，营造出令人难忘的视觉体验，让观众在潜移默化中被情绪所牵引。 《Chromatic Cinema》还将触及色彩在不同电影类型中的独特作用。在惊悚片中，扭曲的色彩对比如何放大恐惧；在浪漫喜剧中，柔和的暖色调又如何烘托甜蜜；在科幻巨制中，未来感的色彩设计如何构建虚构世界的真实感。本书将一一剖析这些不同类型的色彩策略，揭示色彩如何成为特定类型电影不可或缺的组成部分。 此外，本书还将关注电影制作过程中色彩的艺术与技术。从摄影师对光学滤镜的选择，到后期调色师对色彩曲线的精雕细琢，再到剪辑师对色彩序列的精心安排，《Chromatic Cinema》将展现技术手段如何服务于艺术表达，色彩如何从最初的拍摄素材转化为最终呈现在银幕上的视觉奇观。作者将分享一些幕后故事，让读者一窥电影色彩魔法的诞生过程。 本书的另一大亮点在于其跨学科的视角。作者将援引心理学、社会学、艺术史以及哲学等领域的理论，为色彩在电影中的应用提供更深厚的理论支撑。例如，我们将探讨不同文化背景下对色彩的解读差异，以及色彩如何与时代精神和社会思潮产生关联。 《Chromatic Cinema》旨在启发读者重新审视他们所观看的每一部电影。它不仅仅是为了让观众“看”得更仔细，更是为了让观众“感受”得更深刻。通过理解色彩的语言，我们能够更透彻地解读电影的深层含义，更敏锐地体会电影的情感冲击，最终，更完整地享受电影艺术带来的无穷魅力。 阅读本书，你将： 洞察色彩的潜意识力量： 学习识别和理解色彩在电影中是如何影响你的情绪和认知的。 掌握色彩叙事技巧： 了解导演们如何运用色彩来构建人物、推动情节、营造氛围。 探索电影色彩的艺术与技术： 揭示从拍摄到后期，色彩是如何被精心设计和实现的。 理解色彩的跨文化意义： 发现色彩在不同文化和社会背景下的象征意义如何体现在电影中。 提升电影鉴赏力： 重新审视你喜爱的电影，用全新的视角去欣赏其视觉语言的精妙之处。 《Chromatic Cinema》是一次关于视觉语言的探索之旅，是一本献给所有热爱电影、渴望深入理解电影艺术的观众的指南。它将打开你感知电影色彩的全新维度，让每一次观影都成为一次色彩斑斓的冒险。

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这本书的开篇就将我牢牢抓住了。那种扑面而来的，带着某种潮湿的、老式胶片的气息，仿佛能透过纸页闻到放映室里发出的那种特有的、略带焦糊的暖意。作者对早期电影制作的细节描绘得极其精妙，尤其是在描述那些手工上色的彩色底片时，那种近乎痴迷的工匠精神跃然纸上。我能清晰地想象出，在那个技术尚未完全成熟的年代，每一帧画面背后的心血与挣扎。书中没有那种枯燥的年代编年史，而是通过几位关键人物的视角，串联起了色彩技术从单色到伪彩，再到早期特艺彩色（Technicolor）的演变历程。其中对于光影与颜料之间微妙关系的探讨，非常具有启发性，让人不禁思考，色彩的“真实性”究竟是如何在艺术表达与技术限制之间寻求平衡的。对于任何一个对电影史，特别是视觉史感兴趣的读者来说，光是前几章对早期色彩实验的追溯，就足以值回票价。它提供了一个全新的、侧重于物质性而非纯粹叙事角度来审视电影诞生的窗口，那种对媒介本体的深度挖掘，令人印象深刻。

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从一个纯粹的阅读体验角度来看，这本书的排版和配图质量无疑是顶级的，这对于一本探讨视觉媒介的书籍来说至关重要。那些精心挑选并置入正文的彩色剧照和技术图示，并非简单的装饰，它们是论证本身的一部分。每张插图都经过了精确的标注，解释了当时的显影技术如何导致了最终呈现出的那种特殊的、略带偏色的效果。这种“带着瑕疵去欣赏美”的阅读路径，彻底颠覆了我过去对“完美色彩”的执念。它教育我们，电影语言的魅力，很多时候恰恰源于其技术局限所催生出的独特美学印记。这本著作更像是一份献给媒介考古学家的情书，既严谨又充满热爱，读完之后，感觉对银幕上流动的光影，都有了一种全新的、更尊重的理解。

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这本书的结构实在太独特了，与其说是线性的叙事，不如说它更像是一张错综复杂的色谱图，不同的章节像是不同波长的光线，互相交织、重叠、甚至互相干扰。我尤其欣赏作者在讨论电影照明与色彩心理学交叉地带时的那种细腻处理。它不再只是关注胶片本身，而是转向了“观众的眼睛”。书中有一段关于特定光照条件下，观众对角色的情绪反应如何被环境光（比如霓虹灯的红色或日光灯的青色）微妙地引导，简直是心理学和美学的完美结合。这种从宏观技术史转向微观个体感受的视角转换，让整本书的密度和层次感大大增强。对于那些试图理解电影如何不动声色地操控我们情绪的读者来说，这种深入到“光与心理”的探讨，提供了极其丰富且令人信服的论据链条。

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如果用一个词来形容这本书带给我的整体感觉，那会是“迷幻的深度”。它没有采用传统的学术论述结构，反而更像是一本由跨学科专家共同编纂的、充满视觉暗示的笔记集。在描述特定电影对色彩的开创性运用时，作者仿佛自己也沉浸其中，语言变得极具张力和画面感。例如，在分析某部法国新浪潮电影中对高对比度蓝色的处理时，文字的节奏和用词都仿佛模仿了那种快速剪辑带来的眩晕感。读到此处，我常常需要停下来，不是为了理解晦涩的术语，而是为了让那种被文字强行灌输的视觉冲击力稍微平复一下。这种将理论探讨与感官体验进行奇妙融合的处理方式，使得本书既有足够的学术重量，又不至于令人望而却步，它真正实现了将“阅读”变成了一种“观看”的过程。

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我必须承认，这本书的后半部分，尤其是深入探讨到战后好莱坞对“全彩”的商业化垄断时，阅读体验变得有些沉重，但这种沉重感恰恰是其价值所在。作者毫不留情地揭示了色彩技术背后的权力斗争与市场考量。它不仅仅是在讲述技术如何进步，更是在剖析资本如何定义和限制艺术的“调色板”。我特别喜欢其中对“感知饱和度”的社会学分析，探讨了观众在不同历史时期对色彩“丰富性”的期待是如何被工业标准塑造的。这种批判性的视角，让我回看许多经典老片时，有了全然不同的体会——原来我们习以为常的“经典色彩”，背后隐藏着如此多妥协与选择的痕迹。全书行文风格在这一部分变得更为尖锐，引用了大量商业信函和内部备忘录作为佐证，使得论述极具穿透力，丝毫没有浮于表面的流于赞美，它敢于直面技术背后的商业冷酷，这一点，非常难得。

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电影彩色史

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