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出版者:Gramophone Publications

作者:Jolly, James 编

出品人:

页数:1436

译者:

出版时间:2010-9

价格:$ 39.49

装帧:Paperback

isbn号码:9780860249238

丛书系列:

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聆听永恒：古典音乐的深度探索与精选导览 《世纪之声：古典音乐大师与杰作全景指南》 这是一本献给所有热爱古典音乐的听众、初学者以及资深鉴赏家的百科全书式导览。本书旨在提供一个宏大而细致的视角，带领读者穿越巴洛克时期的严谨结构，漫步于浪漫主义的澎湃情感，最终抵达二十世纪乃至当代音乐的无限可能。我们摒弃了对特定年份或单一版本的局限性评判，专注于音乐本体的价值、作曲家的创作意图及其历史语境的深度剖析。 第一部分：西方音乐的奠基石——从格里高利圣咏到巴洛克盛世的演进 本卷聚焦于西方音乐体系的起源与早期发展。我们首先追溯中世纪音乐的神秘面纱，详细解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐结构及其在宗教仪式中的核心地位。随后，重点深入中世纪晚期至文艺复兴早期，阐释复调音乐（Polyphony）的诞生与发展，特别是巴黎乐派（Notre Dame School）如何通过对等声部的织体构建，为后世和声学奠定了基础。 文艺复兴时期被视为人文主义精神在音乐领域的觉醒。本部分将详尽考察弗兰科-佛兰德学派（Franco-Flemish School）的集大成者，如若斯坎·德普雷（Josquin des Prez），分析其对位技巧的精妙运用及其世俗音乐与宗教音乐的完美融合。我们还将剖析英国维吉纳尔音乐（Virginal Music）的独特魅力，以及意大利牧歌（Madrigal）如何以其对文本的细腻诠释，预示着巴洛克时代的到来。 进入巴洛克时代（约1600-1750），音乐的戏剧性与表现力空前高涨。本书用大量篇幅探讨歌剧（Opera）在佛罗伦萨的诞生，以及蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过“第二实践”（Seconda Prattica）将情感表达置于对位规则之上。本部分详尽梳理了协奏曲（Concerto）体裁的发展，从科雷利（Corelli）到维瓦尔第（Vivaldi）的“四季”，展示了独奏乐器与乐队之间张弛有度的对话。巴赫（J.S. Bach）与亨德尔（G.F. Handel）作为巴洛克艺术的巅峰，其作品被置于细致的分析框架中：巴赫的《赋格的艺术》与《平均律键盘曲集》所展现的数学般严谨与情感深度；亨德尔在清唱剧（Oratorio）中，特别是《弥赛亚》中，如何将德奥传统与英格兰本土的合唱精神完美结合。 第二部分：古典主义的清晰与和谐——结构、形式与理性之光 古典主义时期（约1750-1820）强调清晰的结构、平衡的比例以及“自然”的美学。本书将重心放在奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化与普及上。维也纳古典乐派的三位巨匠——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）——构成了本部分的核心。 海顿被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，我们分析他如何在早期作品的实验性基础上，确立了四乐章交响曲的典范结构，以及他对幽默和机智的运用。莫扎特的作品则代表了古典主义的完美典范，本书详细考察了他的歌剧，如《费加罗的婚礼》和《唐璜》，如何通过音乐将人物的心理状态刻画得入木三分，并探讨其晚期协奏曲中无可匹敌的旋律天赋。 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁，他的艺术历程被系统地划分为早期（模仿古典传统）、中期（英雄主义与突破）和晚期（内省与抽象）。本部分将重点分析他如何颠覆传统，将奏鸣曲式扩展到前所未有的深度与长度，他的九部交响曲不仅是音乐史上的里程碑，更是对人类精神力量的颂歌。我们还将涵盖克莱门蒂（Clementi）等同代键盘作曲家的贡献，以提供更全面的图景。 第三部分：浪漫主义的激情与幻想——主观性、民族主义与交响诗的崛起 随着工业革命的深入和启蒙理性主义的反思，19世纪的浪漫主义音乐转向了对个体情感、自然崇拜、文学叙事和神秘主义的探索。 本卷首先讨论了舒伯特（Schubert）如何将德语艺术歌曲（Lied）提升到与器乐同等重要的地位，其对诗歌意境的捕捉达到了令人惊叹的高度。随后，我们转向“德意志浪漫乐派”的核心人物，如舒曼（Schumann）对内心世界的挖掘，以及门德尔松（Mendelssohn）对古典传统的温和继承与幻想色彩的融入。 肖邦（Chopin）的钢琴音乐是浪漫主义的精髓所在，本书深入剖析了他对波兰民间音乐元素的吸收，以及玛祖卡、圆舞曲、夜曲等体裁的艺术升华。李斯特（Liszt）作为“钢琴之王”，其炫技背后是对音乐表现力极限的拓展，以及他开创的“交响诗”（Symphonic Poem）体裁，如何将音乐从严格的形式束缚中解放出来，转而服务于文学和绘画。 在歌剧领域，本部分详述了威尔第（Verdi）在意大利歌剧中的民族英雄主义与情感张力，以及瓦格纳（Wagner）的“乐剧”（Musikdrama）理论，分析其“主导动机”（Leitmotif）系统及其对和声的革命性推进，特别是对半音阶的过度使用，如何直接导向了晚期浪漫主义的和声瓦解。 第四部分：民族主义、印象主义与二十世纪的多元探索 19世纪后半叶，欧洲各地涌现出强烈的民族主义音乐思潮，力图发掘本国独特的民间音乐素材与民族精神。我们考察了俄罗斯“五人组”（The Mighty Handful）的反学院立场，德彪西（Debussy）如何以对音色和氛围的极致关注，开创了“印象主义”风格，挑战了德奥传统的主导地位，以及拉威尔（Ravel）在继承法国传统的同时，对节奏和配器的精妙处理。 进入20世纪，音乐迎来了爆炸性的变革。勋伯格（Schoenberg）对调性（Tonality）的彻底抛弃，以及他建立的十二音体系（Twelve-Tone Technique），被详细解读为对西方音乐数百年中心声学传统的系统性反思。与此同时，斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中展现的原始节奏冲击力，如何彻底重塑了现代音乐的听觉体验。 本书的最后一部分还涵盖了美国作曲家如艾夫斯（Ives）对异质元素的融合，巴托克（Bartók）对东欧民间音乐的田野考察与运用，以及梅西安（Messiaen）对节奏学和鸟鸣的独特兴趣。我们简要触及后来的极简主义（Minimalism）和随机音乐（Aleatoric Music）的先驱性工作，展示了古典音乐在当代依然充满活力和实验精神的广阔疆域。 本书特色： 本书避免了对特定版本的偏向性推荐，而是着重于作品的结构分析、历史背景、不同流派的相互影响，以及作曲家本人在音乐语言上的创新点。通过对这些永恒杰作的深度解读，读者将能够建立起一个扎实、全面且富有批判性思维的古典音乐知识体系，从而真正做到“聆听永恒”。

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自从我开始涉足古典音乐的世界，《The Gramophone Classical Music Guide 2011》就成为了我床头不可或缺的读物。它就像一位循循善诱的老师，总能在我迷茫的时候给予我方向。这本书的优点在于它的包容性。它涵盖了从巴洛克时期到20世纪的绝大部分重要作曲家和他们的代表作品，并且对于不同体裁的音乐，如歌剧、交响乐、室内乐、独奏乐等，都有详尽的介绍。我尤其喜欢它在介绍某个作曲家时，不仅仅罗列作品，还会简要介绍其创作风格的演变以及在音乐史上的地位，这让我能从更宏观的角度去理解音乐。对于那些初学者来说，这本书无疑是一份绝佳的入门指南，它能够帮助你建立起对古典音乐的基本认知框架。而对于像我这样希望深入挖掘的人来说，它提供的不同录音版本的比较分析，则是我进行深度聆听的有力支撑。它会告诉你，如果你想体验勃拉姆斯第四交响曲的悲壮，那么某某指挥家的某个版本是绝佳选择；如果你偏爱更具戏剧张力的斯美塔那《我的祖国》，那么另一个版本则更胜一筹。这种细致入微的引导，让我每次的音乐探索都充满了期待，并且收获满满。

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对于我这样一个从小在古典音乐的熏陶中成长起来的人来说，要找到一本能让我耳目一新的书并不容易。《The Gramophone Classical Music Guide 2011》做到了。这本书最大的亮点在于其“个性化”的推荐。它不是那种千篇一律、公式化的评价，而是充满了评论者鲜活的个人感受和独到见解。我喜欢它在介绍某些作品时，会描绘出非常生动的画面感，仿佛一部电影在你脑海中徐徐展开。例如，当读到关于肖邦圆舞曲的评价时，它会让你感受到华丽的舞厅、优雅的身姿，以及隐藏在欢快旋律下的淡淡忧伤。它还善于捕捉不同指挥家和乐团的独特“嗓音”。你会在书中读到，某个乐团的弦乐组拥有如丝般光滑的音色，而另一支乐团的铜管则如战鼓般雄浑有力。这种对细节的捕捉，让我感觉我不仅仅是在阅读文字，更是在通过文字来“听”音乐。而且，这本书的排版设计也相当人性化，方便查找，信息量大而不显杂乱。它就像一位博学的音乐老友，总能在我需要的时候，为我推荐最适合我当下心情的音乐，让我沉浸在无尽的音乐世界中。

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这本书真是太棒了！我一直是个古典音乐爱好者，但有时会觉得市面上的推荐太过于集中在那些耳熟能详的作品上，或者只是简单地列出作曲家和作品名，缺乏深入的解读。而《The Gramophone Classical Music Guide 2011》则完全不同。它不仅仅是一本唱片指南，更像是一位博学而耐心的向导，带领你深入古典音乐的宏伟殿堂。我特别喜欢它对于不同录音版本的细致比较和点评。有时候，同一部作品，不同的指挥家、乐团和独奏家演绎出来的感觉会天差地别，而这本书就像给我打开了一扇窗，让我能更清晰地辨别出那些真正能触动灵魂的录音。它会告诉你，为什么某个版本的贝多芬第五交响曲能让你感受到风暴的磅礴，而另一个版本则更侧重于细腻的情感表达。它不仅仅是在介绍音乐，更是在分享一种聆听的艺术，一种对声音质感、情感色彩以及历史传承的深刻理解。即使是对于一些我相对熟悉的曲目，通过阅读这本书的评论，我也会发现新的欣赏角度，重新发现那些被我忽略的细节。它让我不再是盲目地追逐“权威”的推荐，而是真正学会去倾听，去感受，去找到最能与我产生共鸣的那段旋律。这本书的深度和广度都令人惊叹，它让我感觉自己的古典音乐之旅又向前迈进了一大步。

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对于我这样一位在古典音乐领域摸索多年的乐迷来说，找到一本能够真正激发我探索欲的工具书并不容易。《The Gramophone Classical Music Guide 2011》无疑是其中一颗璀璨的明珠。它最大的魅力在于，它不是一本冷冰冰的百科全书，而是充满了鲜活的生命力。撰写者们仿佛是拥有火眼金睛的音乐鉴赏家，他们不仅能够准确地把握作品的精髓，更能用生动、富有感染力的文字将音乐的情感和意境传达出来。我常常在阅读关于马勒交响曲的评论时，被那些关于宏大叙事、哲学思考以及个人挣扎的描绘深深吸引，仿佛自己也置身于作曲家所构建的那个充满张力的音乐世界。而且，它对于一些相对小众但同样迷人的作曲家和作品的介绍，也给了我极大的惊喜。我通过这本书，接触到了许多以前从未听闻过的名字，但他们的作品却在细读评论后，激起了我强烈的听赏兴趣。这本书就像一本私人定制的音乐地图，它没有固定的路线，而是鼓励你去冒险，去发现属于自己的音乐宝藏。我最喜欢的部分是它对于“推荐唱片”的选取，这不仅仅是简单的列举，更是一种基于深厚功力的判断，它告诉你为什么这张唱片是经典，为什么它值得你花时间去细细品味。

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我一直对那些能够帮助我更深入理解艺术作品的书籍情有独钟，而《The Gramophone Classical Music Guide 2011》完美地契合了我的需求。这本书的编撰者显然对古典音乐有着非凡的热情和深刻的洞察力。我常常被那些精炼而富有启发性的评论所打动。它不仅仅是告诉“是什么”，更是深入探究“为什么”。例如，在解读某首巴赫的赋格时，它会细致地分析复调技法的运用如何营造出一种既严谨又充满生命力的织体，让你在聆听时，能够感受到音乐背后数学般精确的美学原理。又比如，在评价德彪西的印象派作品时，它能够用恰如其分的语言描绘出色彩斑斓的音响效果，让你仿佛能看到光影在音乐中流动。这本书的价值还在于它能够帮助我建立起一种“史学”的视角来欣赏音乐。它会告诉你，某位作曲家是如何受到前人的影响，又如何启发了后世的音乐家，从而让你体会到古典音乐作为一个庞大而连续的艺术体系的魅力。它让我不再是孤立地去听一首曲子，而是能够将它置于整个音乐史的脉络中去理解，从而获得更深层次的艺术享受。

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