当代中国画技法.赏析-刘进安水墨肖像画创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:接力出版社

作者:申少君

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-03

价格:23.50

装帧:平装

isbn号码:9787805815237

丛书系列:

图书标签:

• 金属
• 歌特
• 中国画
• 水墨画
• 肖像画
• 技法
• 赏析
• 刘进安
• 当代艺术
• 绘画教学
• 艺术创作
• 艺术理论

书籍简介：山水烟云间的笔墨意境——中国传统山水画的审美与传承 一、 山水精神的溯源与演变 本书将带领读者深入探索中国传统山水画的哲学根基与艺术脉络。山水画，并非对自然景物的简单摹写，而是“可行、可望、可游、可居”的精神寄托与心灵栖居之所。我们将从魏晋南北朝时期画家对自然的初步认识与描绘开始，梳理其如何逐步摆脱“界画”的桎梏，发展出独立的审美体系。 重点章节将探讨唐代李思训、李昭道父子的“青绿山水”与王维、孟浩然“水墨为上”的理念之争，分析这两种截然不同的审美路径如何共同塑造了后世山水画的格局。进入宋代，无论是范宽、郭熙对宏大壮阔的“全景式”描绘，还是米芾、米友仁父子开创的“米点”晕染，都标志着山水画在写实基础上实现了高度的写意化和文人化。我们详尽分析“可游可居”的意境如何通过“章法”、“笔墨”、“丘壑”三大要素得以实现。 二、 文人画的崛起与笔墨本体论 本书用大量篇幅剖析元代四大家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）对山水画的革新。文人画的兴起，将山水画的创作重心从“形似”彻底转向“意在笔先”。我们深入阐释了“墨分五色”的技法内涵，探讨了干湿浓淡的微妙变化如何构成山水画的骨架与血肉。特别是对倪瓒“折笔”、“一河两岸”的极简主义风格进行细致解读，分析其如何通过疏简的笔墨表达出高洁孤傲的士人情怀。 明清时期，山水画的发展呈现出多元化的态势。我们将分析董其昌提出的“南北宗论”对后世山水画理论产生的深远影响，以及其倡导的“以书入画”的理念如何进一步强化了笔墨的抽象性和表现力。从晚明以董其昌、陈继儒为代表的松江画派，到清初“四王”对古人笔墨的集大成式总结，再到石涛、八大山人所展现的个性解放与反叛精神，本书力求展现山水画发展历程中“继承”与“创新”的辩证关系。 三、 技法精要：从点线到气韵的转化 本部分是本书的技术核心，专注于传统山水画的物质基础与技法实践，但严格聚焦于山水画的传统技法体系，不涉及其他画科。 1. 皴法体系的解析与运用： 全面梳理披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主要皴法的起源、特征及其在表现不同山石肌理上的有效性。我们将通过大量图例，分析名家如何将不同皴法灵活组合，以适应复杂地形的塑造。 2. 点苔与植被的生命力： 探讨苔点（包括介字点、横点、竖点等）在山水画中营造层次感和湿润感的作用。对于树法（如松针、杂树）的描绘，将重点剖析“干笔”与“湿笔”的运用区别，以及“点叶法”的节奏感训练。 3. 墨法与晕染的奥秘： 深入讲解“积墨法”、“破墨法”在表现烟岚、云雾及远山层次上的技巧。重点阐述如何通过预先润湿画布（湿笔基础）进行墨的自然洇化，从而营造出朦胧、空灵的东方意境。 4. 构图的“三远”法则： 详细讲解高远、深远、平远这三种传统构图方法的原理，分析它们如何在二维平面上营造出三维空间感，并指导读者如何根据题材选择最恰当的视角。 四、 意境的营造与审美标准 山水画的终极目标在于“写意”。本书讨论了中国传统美学中“气韵生动”的内涵，阐释了艺术家如何通过对自然物象的提炼和符号化处理，将个人的学养、情感与自然融为一体。我们将分析“诗、书、画”三绝的结合，如何使一幅山水画从纯粹的视觉艺术升华为承载文化信息的载体。最后，本书以近现代中国山水画的转型期为结语，探讨传统山水画在面对西方现代思潮冲击下，如何坚守其笔墨本体，并探索新的表现可能性。

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阅读这本书的过程，简直是一场视觉和精神上的洗礼。它对笔墨控制的精细度描述，让我对传统绘画中“一笔定乾坤”的说法有了更深层次的理解。书中对人体结构学与中国画写意精神相结合的探讨，尤为独到，它没有生搬硬套解剖图，而是用中国画的写意语言去概括和提炼人体的动态和内在力量。这种融合创新，非常符合当代艺术发展的趋势。此外，书中还介绍了一些鲜为人知的辅助技法，比如如何利用拓印或特殊的晕染方式来增加画面的层次感和肌理感，这些都是以往教材中很少提及的宝贵经验。总而言之，这本书不仅是技法层面的教科书，更是一本充满启发性的艺术论著，读完之后，我感觉自己对水墨肖像的理解提升到了一个新的高度。

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这本书的编排逻辑非常清晰，从基础的笔法训练到复杂的人物构图，循序渐进，让人感觉每一步的提升都是扎实而可感的。我个人对其中关于“意在笔先”的阐述印象深刻，它强调了在落笔前胸中有丘壑的境界，这对于追求效率和速度的当代社会来说，是一种难得的心灵沉淀。书中对不同年龄段人物面部特征的把握，也体现了作者深厚的观察力，例如老年人皮肤的松弛感和青年人眼神的锐利感，仅凭几条线条就能准确区分，实在精妙。而且，这本书非常注重“情”的表达，它告诉我们如何将画家自身的情感融入到笔触之中，让画作不仅仅是形象的再现，更是情感的投射。即便是初学者，也能从这些详尽的步骤图和解析中找到明确的努力方向，而不是盲目摸索。

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这本书的装帧工艺简直是艺术品级别的，纸张的选择非常考究，墨色的印刷效果也达到了惊人的还原度，这对于一本注重细节和笔触的书来说至关重要。我尤其欣赏其中关于中国传统绘画核心理念的梳理，它没有停留在表面的技法模仿，而是深入挖掘了笔墨背后的文化基因和时代精神。作者在论述中穿插的那些历史典故和艺术家的心路历程，使得整个阅读过程充满了探索的乐趣。我感觉自己不是在看一本技法书，而是在参与一场跨越时空的艺术对话。特别是对光影和体积感的处理，它没有采用西方的透视法，而是用东方特有的“散点透视”和“墨分五色”来营造立体感，这种处理方式既保留了中国画的韵味，又成功地塑造了人物的鲜活性。这本书无疑是艺术爱好者不可多得的宝藏，它教会我们如何“看”画，而不仅仅是“画”画。

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这本书的价值远超其定价，它提供了一种看待世界和记录生活的新视角。我特别喜欢它对“瞬间性”捕捉的强调，水墨的特性决定了修改的难度，这迫使画家必须在极短的时间内做出最准确的判断，书里详细记录了这些关键时刻的思考过程。这种对创作过程的透明化展示，对于我们这些自学者来说，是无价的学习材料。而且，书中对不同墨色浓淡干湿的对比运用，分析得非常透彻，如何利用“飞白”来表现头发的质感，如何用饱满的湿墨来突出眼睛的深邃，这些技巧的讲解都充满了实践指导意义。这本书不愧是大家之作，它不仅展示了“如何做”，更重要的是解释了“为什么这么做”，这种理论与实践紧密结合的模式，让人受益匪浅。

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这本书的封面设计和排版实在太有格调了，拿在手里沉甸甸的，一看就是用心打磨过的精品。我特别喜欢它对笔墨语言的探讨，虽然我不是科班出身，但那些关于“气韵生动”和“写意精神”的阐述，读起来让人豁然开朗。书里对不同媒材的运用，比如宣纸的吸水性和墨色的变化，讲得非常细致入微，简直是手把手的教学。光是看那些局部特写，我就能感受到作者对于线条控制的炉火纯青。尤其是一些关于如何处理人物神态的章节，作者似乎能把复杂的情绪通过几笔看似随意的线条就捕捉到位，这种功力太令人佩服了。整本书的阅读体验非常流畅，排版上大量的留白处理，使得原本略显严肃的学术内容也变得赏心悦目，让人愿意一页一页地沉浸其中，而不是觉得枯燥乏味。这本书对于任何想提升自身审美和艺术修养的人来说，都是一本绝佳的入门或进阶读物，它不仅仅是技法的传授，更是一种艺术哲学的启迪。

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