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出版者:湖南美术出版社

作者:杨新 杨丽丽

出品人:

页数:47

译者:

出版时间:1998年

价格:28.50

装帧:平装 32开

isbn号码:9787535612540

丛书系列:

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《东方艺术的千年回响：中国古代雕塑艺术研究》 内容提要： 本书并非对中国绘画历史的梳理，而是聚焦于一个同样源远流长、却常常被置于次要地位的艺术门类——中国古代雕塑。本书旨在全面、深入地考察自新石器时代晚期至明清之际，中国雕塑艺术的演变轨迹、地域特征、材质多样性及其背后的文化、宗教与社会意义。全书以考古发现和传世实物为核心，结合历史文献记载，构建起一部立体、多维的中国古代雕塑艺术通史。 第一章：史前与青铜时代的形塑：从陶俑到神祇的初现 (约300字) 本章追溯雕塑艺术的源头。我们将从仰韶、马家窑等新石器时代遗址出土的精美陶塑人像、动物形象入手，探讨早期先民对生命与自然的朴素崇拜如何通过泥土塑造得以展现。重点分析红山文化和良渚文化的玉雕，这些玉器不仅是礼器，更是早期神性思维与高超技艺的结合体，标志着“雕琢”概念的成熟。 随后，我们将进入青铜时代。虽然夏商周的焦点在于礼器，但本章将着重剖析青铜铸造技术在小型人像、兽面纹饰（如饕餮纹）上的精细表现，这为后世复杂的雕塑造型奠定了技术基础。秦汉时期是雕塑叙事性增强的转折点，秦始皇陵兵马俑群的恢弘气势和写实主义倾向，以及汉代画像石、画像砖上的浅浮雕，被视为奠定中国雕塑写实基调的里程碑。本章将详细分析这些作品在群像塑造、面部表情刻画以及丧葬礼仪中的象征意义。 第二章：信仰的载体：佛教雕塑的本土化进程 (约450字) 魏晋南北朝至隋唐，是中国雕塑史上的黄金时期，尤其体现在佛教造像艺术的鼎盛。本章将梳理佛教造像自印度传入，如何在不同地域和朝代，逐渐摆脱外来风格，形成具有鲜明“中国气派”的审美体系。 早期融合与地方风格： 从云冈石窟的“褒衣博带式”到龙门石窟的“秀骨清像”，分析犍陀罗艺术影响与汉化进程的张力。重点研究北魏晚期至东魏北齐时期，雕塑家如何通过衣纹处理、面部表情，传达出庄严与人性的并存。 隋唐盛世的圆融与丰满： 隋代雕塑承上启下，唐代则将写实主义推向极致。本章细致考察唐代造像，尤其是长安、洛阳地区（如大慈恩寺遗址出土）的佛、菩萨形象，其身体比例的健康丰腴、衣饰的自然垂坠感，以及“三彩”釉陶塑在世俗化场景中的应用。 地域流派的异彩： 区别于中原主流，本章还会专题探讨如四川大足石刻（宋代）的世俗化叙事和极其丰富的雕刻技法，以及藏传佛教造像（元明）在材质、手印、法器上展现的独特地域性。 第三章：世俗之乐与精神寄托：宋元以后的雕塑转型 (约400字) 随着佛教影响力在宋代开始相对内敛，雕塑的题材与功能开始向世俗生活与文人审美靠拢。本章聚焦于宋元明清时期的雕塑发展。 宋代的精巧与生活化： 宋代雕塑在木雕和牙雕领域取得了突破。本章将讨论宋代木雕造像的细腻程度，以及泥塑（如瓦舍勾栏的民间塑像）如何反映市井生活。文人士大夫阶层对“清雅”的追求，也影响了小型雕塑的审美趣味。 明清：工艺的极致与宗教的复兴： 明代以来的雕塑工艺达到了技术巅峰，特别是竹木雕、金银错雕以及瓷塑技术。本章将深入剖析明清时期木雕的“繁缛”风格，如徽派木雕的精细镂空技术。同时，探讨关公、财神、送子观音等世俗神祇造像的流行，反映了民间对现实福祉的强烈祈愿。 材质与技术专论： 本章穿插对不同材质雕塑技艺的专题分析，如石刻的凿痕研究、木材的选择与防腐技术、以及金属铸造（如明代铜佛的失蜡法应用）。 第四章：雕塑的语汇：形式、空间与文化内涵 (约350字) 本章不侧重于年代叙事，而是从艺术理论和文化符号学的角度，对中国雕塑的本质特征进行总结和提升。 线性的力量与空间的理解： 与西方雕塑强调体积感和三维空间不同，中国雕塑（尤其是石刻和木刻）常常强调“线”的流动性，即衣纹和动态的引导作用。本章将分析如何从“平面化”的叙事结构中，提炼出深层的空间意识。 “神韵”与“气韵生动”的物化： 探讨中国美学中对“气”的追求，如何体现在雕塑的面部刻画和身体姿态上。雕塑不仅仅是对人物的再现，更是对人物精神气质的提炼与表达。 雕塑与建筑的关系： 剖析塔基、殿堂梁柱上的人像雕刻，以及墓葬中的镇墓兽等，揭示雕塑在古代建筑语境中作为“界限守护者”和“叙事辅助者”的重要功能。 “失落的雕塑”： 简要讨论因材质易腐、易毁等原因而散失或未被充分记录的民间雕塑、丧葬俑等，强调研究的局限性与未来方向。 结语： 中国古代雕塑艺术是中华文明厚重历史的物质见证。本书试图拨开绘画的光芒，重塑人们对这一古老艺术的认知，展现其从原始崇拜到宗教演绎，再到世俗化表达的完整历程。它不仅是历史的记录，更是东方审美精神在三维空间中的不朽回响。

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这本书最让我感到震撼的是其批判性的视角，它敢于对一些传统的、被神化的观念提出质疑。它没有盲目地追捧“集大成者”，而是理性地分析了特定时期艺术风格形成的社会动因和权力结构的影响。比如，书中对明清时期“程式化”现象的剖析，就非常深刻，作者没有将之简单归咎于“创造力的枯竭”，而是探讨了科举制度、商业化对艺术生态的重塑作用。这种不回避矛盾、直面历史局限性的态度，使得全书的论述更加立体和真实。它教会了我，艺术史不是一条直线向上的发展史，而是充满张力、妥协与反思的复杂过程。这种成熟的史学眼光，让这本书超越了一般的普及读物，真正达到了专业研究的深度和广度，非常值得深入研读。

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从文学性角度来看，这本书的文字功力令人叹服。它仿佛融入了一种古典的韵味，尤其是在描绘那些已经湮没在历史长河中的画派或画家的轶事时，笔法灵动，充满画面感。我仿佛能从文字中闻到宣纸上墨汁散发出的特有气味，感受到那个时代文人清寂高远的生活状态。作者对诗书画印融合一体的中国艺术观念的阐述，尤为精彩，它不仅仅是罗列了四者的关系，而是描绘了一种生活方式和精神追求的统一。例如，对“书画同源”理论的梳理，不再是僵硬的论述，而是通过对历代书法入画的实例分析，展现了这种“内化”的过程，极富感染力。这种富于情感和画面感的文字，让枯燥的“史”变得鲜活起来，阅读过程本身就是一种艺术享受。

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这本书的深度和广度都超出了我的预期。我原本以为它会更侧重于宏观的历史梳理，但令人惊喜的是，它在具体画作的技法剖析上投入了大量的篇幅。比如，在论述宋代院体画与文人画的分野时，作者并未简单地将两者对立，而是深入到笔墨构成、皴法运用乃至章法布局的根本差异上进行对比研究。书中对“米点”皴法如何体现文人画的“逸气”，以及院体画中严谨的“界画”技巧如何服务于皇室审美，都有着详尽的图文解析。更让我受益匪浅的是关于“意境”的探讨，作者将中国画的美学核心——气韵生动——进行了解构，结合具体的作品范例，阐释了如何从线条的提按顿挫中感受到画家的内在精神世界。对于任何想要提高自己鉴赏水平的爱好者而言，这种对细节的关注，无疑是宝贵的财富，它让“看画”变成了一场深度的对话。

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这本书的排版和插图质量简直是教科书级别的典范。在阅读艺术史著作时，图版往往是决定阅读体验的关键。这本书在这方面做到了极致的尊重——几乎每一处关键的论述都配有高清的、经过精心挑选的图例。我特别喜欢它在介绍元四家时所采用的并置对比手法，将黄公望和倪瓒的风格差异通过相邻的画作清晰地呈现出来，使得抽象的风格描述立刻变得具象可感。此外，版面的留白处理得非常恰当，使得厚重的史料阅读起来也不会感到压抑。有一点非常人性化，就是作者在引用古代文献或前人评论时，都做了详尽的注释和出处标注，这极大地增强了文本的可信度和学术严谨性。这种对阅读体验和细节尊重的态度，使得这本书不仅是知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品。

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这本书的叙事方式实在是太吸引人了，它没有那种高高在上的学术腔调，反而像是一个经验丰富的长者，娓娓道来那些艺术史上的风云变幻。我尤其欣赏作者在描绘早期山水画发展脉络时的那种细腻入微。比如，对于顾恺之笔下“传神写照”的解读，不仅仅是停留在理论层面，而是结合了当时的社会背景和哲学思潮，让我仿佛能触摸到那个时代文人士大夫的心境。书中对于唐代壁画中色彩运用的分析，简直可以称得上是一场视觉的盛宴，那些浓墨重彩背后的象征意义，以及不同地域画派在用色上的微妙差异，都被挖掘得淋漓尽致。读完这部分，我甚至有种想要立刻去敦煌莫高窟实地考察一番的冲动。作者似乎深谙如何将复杂的艺术流变转化为生动的故事，即便是对初学者来说，也毫无阅读障碍，反而能从中建立起一个扎实而有趣的时间轴框架。这种叙事能力，在同类书籍中是极为罕见的。

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