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出版者:中国社会出版社

作者:李润生

出品人:

页数:120

译者:

出版时间:1998-09

价格:15.0

装帧:精装

isbn号码:9787801460509

丛书系列:

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书籍简介：《穿越时空的航迹：一部中外经典小说比较研究》 引言：文学的疆界与对话 在人类文明的长河中，文学始终是映照时代精神、记录人类情感与思考的珍贵镜鉴。《穿越时空的航迹：一部中外经典小说比较研究》并非一部枯燥的文本分析，而是一次宏大而精微的文学考古之旅。本书旨在跨越地理与文化的藩篱，深入挖掘中国与西方文学经典小说之间的内在联系、差异性以及它们对人类共同命运的深刻洞察。我们相信，伟大的文学作品拥有超越其诞生地和时代的普遍性，通过系统的比较研究，能够更清晰地理解人类叙事传统的演变脉络和审美取向的异同。 第一部分：古典叙事的原型与母题（从《红楼梦》到《追忆逝水年华》） 本部分聚焦于东西方古典小说中那些经久不衰的核心母题。我们将以曹雪芹的《红楼梦》为中国古典叙事的巅峰代表，细致剖析其对大家族兴衰的描绘，对“情”与“空”的哲学探讨，以及对复杂人性与悲剧命运的精妙刻画。在西方，我们将引入马塞尔·普鲁斯特的鸿篇巨制《追忆逝水年华》。 比较的焦点将集中在“时间观”和“记忆的构建”上。中国古典叙事往往将时间视为一种周期性的循环，命运在循环中展现出宿命的悲剧色彩；而普鲁斯特则将时间还原为“非自愿记忆”的主观流动，强调个人意识对现实的重塑。我们将对比两者在处理“逝去的美好”时所采用的叙事策略——是侧重于集体记忆的挽歌，还是沉溺于个体意识的内省？通过对比贾宝玉对女儿世界的珍视与普鲁斯特对童年场景的反复打捞，我们可以看到，尽管文化背景迥异，人类对“美好事物不可挽回地消逝”这一主题的感伤却是共通的。 第二部分：现代性的挑战与人物的重塑（从鲁迅到卡夫卡） 进入现代，世界格局的剧变对小说创作产生了深远影响。本章将重点探讨民族危机感、个体异化以及现代人精神困境的文学表达。 在中国，鲁迅的作品，尤其是《阿Q正传》，以其冷峻的笔触和深刻的讽刺，揭示了国民性的弱点与封建思想的顽固。阿Q的“精神胜利法”成为对特定时代病症的精准诊断。在西方，弗朗茨·卡夫卡的《变形记》和《审判》则将异化推向了极致，K.和格里高尔·萨姆沙的遭遇，体现了在庞大、非理性官僚机器面前个体存在的无助与荒谬。 本部分的核心在于“反抗与顺从”的辩证法。鲁迅笔下的抗争往往是带着清醒的痛苦和对启蒙的渴望，其笔触充满战斗性；而卡夫卡式的困境则常常导向一种被动的、无望的沉沦。我们深入分析，这种差异是源于对社会结构解析的不同侧重，还是源于不同文化对“英雄”形象构建的不同期待？我们将探讨，鲁迅对“立人”的呼唤，与卡夫卡对“异化存在”的描摹，如何共同构成了现代性困境的两极图景。 第三部分：史诗的重量与现实的张力（从《三国演义》到《战争与和平》） 古典历史小说的宏大叙事是中外文学的共同遗产。本节将比较罗贯中的《三国演义》与列夫·托尔斯泰的《战争与和平》。 《三国演义》以“拥刘反曹”的明确倾向，构建了一个围绕“义”与“谋”展开的英雄谱系，其叙事结构强调历史的必然性和英雄人物的决断力，服务于一种理想化的政治伦理。相比之下，《战争与和平》虽然同样波澜壮阔，描绘了拿破仑战争期间俄国社会的众生相，但托尔斯泰的笔触明显倾向于历史的“非决定论”。他着力展现了皮埃尔和安德烈等个体在历史洪流中的迷茫、成长，以及对真正“生活意义”的探寻，并强烈批判了历史学家将个人意志凌驾于群体意志之上的做法。 研究的重点在于“历史观的差异”。《三国》倾向于将历史事件“故事化”和“伦理化”，以塑造榜样和教训；而《战争与和平》则力求将历史还原为无数微小、偶然的生命活动的集合，展现出一种更具现代性的、反对“伟人理论”的历史哲学。通过对比双方在战争场面和内政描写上的侧重，我们可以洞察东方史观对秩序的内在需求与西方史观对个体自由的持久追问。 第四部分：叙事技巧的交锋：视角的转换与心灵的刻画 本部分回归纯粹的文本技艺层面，考察中外作家如何通过叙事技巧来引导读者的情感和认知。 我们将对比中国古典小说中对白描和烘托的娴熟运用，如何营造出意境深远的环境氛围，例如《水浒传》中人物的亮相；以及西方小说中，如亨利·詹姆斯的“局限视角”（Limited Point of View）如何将读者的体验严格限制在某一角色的意识流中，从而产生悬念和心理的深度挖掘。 例如，分析《儒林外史》中对知识分子群像的讽刺性描绘，与乔伊斯《都柏林人》中对日常琐碎的意识流捕捉之间的异同。前者侧重于行为的外部展示和群体性的荒唐；后者则深入到人物内心深处最细微、最不连贯的思想火花。这种技巧的差异，反映了文化上对“公共展示”与“私人内心世界”重视程度的不同侧重。 结语：互鉴之路，共鸣之声 《穿越时空的航迹》的最终目的，并非是要判定哪种叙事传统更为优越，而是要揭示文学作为人类精神活动共同体的本质。通过比较研究，我们发现，无论是东方的含蓄内敛，还是西方的直白剖析，都是人类面对永恒命题——爱、死亡、权力、意义——时所采取的不同“航迹”。本书希望为读者提供一个更广阔的视野，去重新阅读那些耳熟能详的经典，并在中外文学的交响中，听见人类精神深处那永恒的共鸣之声。

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这本书的装帧设计实在太有品味了，那种沉稳又不失雅致的墨绿色封面，摸上去有一种温润的触感，仿佛能透过指尖感受到笔墨的厚重。内页的纸张选择也十分考究，米白色的纸张，既保护了视力，又让墨色的呈现显得格外清晰、立体。我特别喜欢它在排版上的用心，每一页的留白都恰到好处，呼吸感十足，不像有些教程书那样把画面塞得满满当当，让人看了就心生压迫。比如在介绍“永字八法”时，它没有用那种枯燥的图示加文字说明，而是用了一整页的篇幅，只展示了一笔一画的分解过程，每一步的起笔、行笔、收笔都有精妙的图示解析，并且旁边的文字注释极其简练，直击要害，让人能立刻理解到力度的变化和方向的转换，而不是被一堆晦涩难懂的术语绕晕。尤其是对于初学者来说，这种清晰的视觉引导比任何长篇大论的说教都来得有效。我用了几天时间，仅仅是跟着这本书的范例去临摹那些基础笔画的结构，就感觉自己的手腕和手臂都有了更清晰的发力感，这对于从前总觉得“心有余而力不足”的我来说，简直是一种醍醐灌顶的体验。它真正做到了让读者在愉悦的视觉享受中，自然而然地进入到书法的世界，而不是一上来就被高深的理论吓退。

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这本书的实用性简直达到了教科书级别，尤其是它对于“笔法”的系统讲解，非常具有操作性。很多书法书对“藏锋”和“出锋”的解释总显得有些飘忽，读者难以把握到底是该如何运笔才能达到那种圆润或锐利的质感。然而，这本书独辟蹊径地引入了“笔尖滚动轨迹”的概念，并通过微距拍摄的线条图，清晰地展示了毛笔在纸面上运动时的纤维状态。比如讲解“提按顿挫”，它不是简单地告诉你“下笔要重，抬笔要轻”，而是细致地描述了在“按”的瞬间，笔锋的受力点如何分布，以及“提”的过程中，笔毛是如何逐步收拢的。这对于我这种对着镜子练习，却总感觉力道不对的人来说，简直是“一语惊醒梦中人”。我立刻拿出了我的狼毫笔进行尝试，按照书里的描述去感受笔锋的“重量感”，很快就发现自己之前用力太散，缺乏集中。这种基于物理学和触感反馈的教学方法，极大地缩短了我的练习盲区，让“感悟”落到了实处，非常扎实可靠，绝对不是那种空谈理论的典籍。

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这本书在内容深度上的挖掘，真是让我这个业余爱好者大开眼界，它绝非那种停留在“照着描”层面的入门读物。它花了大量的篇幅去探讨“气韵”与“结构”之间的辩证关系，这一点我深感佩服。作者似乎很清楚，书法的高下之分，最终体现的还是内在精神的流淌，而非单纯的形似。书中关于“中宫收紧，外围舒展”的论述，结合了古代文人对宇宙观和人体结构的理解，这一点让我思考了很久。我以前总觉得写字就是把笔画写好，但这本书引导我去思考，为什么这个横要长一点，为什么那个撇要撑开，原来这背后蕴含着对平衡与动态的追求。举个例子，它对比了颜体和柳体的点画处理，颜体的点厚重如山，柳体的点则轻盈如珠，书中通过对不同碑帖的局部放大和对比分析，揭示了这种差异背后的审美取向，让人明白，学书法不只是学一种字体，更是学一种人格和一种哲学。这种层次感，让这本书的价值远超一本普通的教学手册，更像是一部引导我们去欣赏和理解中国传统美学的深度导读。我甚至会停下来，只是对着书里的字帖出神，感受那种穿越时空的文化共鸣。

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这本书的选材和编排逻辑，流露出一种对学习者耐心的充分尊重，它的梯度设计堪称完美，让人感觉每一步都是循序渐进，绝无跳跃感。它没有一上来就抛出复杂的行书或草书，而是先用三章的篇幅，将楷书的横、竖、撇、捺、点、提、钩、折这“八大基本笔画”进行了极其细致的拆解和重构。在讲解“撇”这个笔画时，它竟然细分出了“斜撇”、“长撇”、“短撇”等十余种变体，并且每一变的起笔和收笔都配有专门的讲解，这种极端的细致，恰恰是初学者最需要的安全感。读完这部分，我感觉自己对每一个笔画的结构都有了“图纸”一般的清晰认知，再去看那些大师的作品时，就能迅速分辨出其中笔画的异同和巧妙之处。这种由极简到复杂的过渡处理，让学习过程变成了一种不断积累和自我肯定的过程，而不是一次次的挫败。作者的良苦用心，体现在他对每一个微小步骤的重视上，确保读者在攀登书法这座高峰时，脚下的每一步都踏得坚实有力，绝不会感到迷茫或力不从心。

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让我惊喜的是，这本书在“墨法运用”这个环节的处理上，展现出一种跨越传统范畴的创新思维。通常的基础教材会把“墨分五色”当作一个附属章节，简单提及即可，但这本书却专门开辟了一个章节来探讨“湿、浓、枯、润”在不同书体和章法中的作用。作者似乎是把墨水当作了另一种可以被调控的“媒介”而非仅仅是“着色剂”。书中展示了大量由同一位书法家完成的、但墨色浓淡迥异的作品对比，清晰地说明了浓墨如何增强结体的力量感，以及飞白如何营造出一种速度与张力。更具启发性的是，它探讨了环境湿度对墨色的影响，甚至建议读者在干燥的北方和潮湿的南方，应如何调整调墨的比例和用笔的速度，这简直是把书法实践带入了现代的科学考量范畴。这种细致入微的观察和记录，让我意识到，原来书法创作中，天气和工具的细微变化都是可以被纳入创作意图的一部分的，这极大地拓宽了我对“创作”二字的理解。这本书不仅仅教你怎么写，更教你怎么“看”墨。

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