康熙瓷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海科学普及出版社

作者:陈克伦

出品人:

页数:75

译者:

出版时间:1998-01

价格:70.00

装帧:铜版纸彩印精装

isbn号码:9787542713438

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好的，以下是一份以“康熙瓷”为书名，但内容完全不涉及康熙朝瓷器、而是围绕清代其他时期或主题的详细图书简介。 --- 康熙瓷 （本书并非介绍康熙朝瓷器，而是以“康熙瓷”为引，深入探讨清代中后期乃至晚期官窑、民窑的兴衰、技术革新与审美变迁的宏大画卷。） 第一部分：乾隆盛世的余晖与转型（1736-1799） 本书的开篇并非回顾康熙朝的青花与釉彩的黄金时代，而是聚焦于乾隆一朝，这个被许多人误认为是“盛极而衰”的转折点。我们旨在剖析，在康熙时期奠定的坚实基础上，乾隆朝的制瓷业是如何在技术上达到巅峰，同时在审美上开始走向繁复与“世俗化”的微妙过程。 第一章：缛彩的辉煌与官窑的压力 重点考察乾隆中晚期，尤其是花园集款瓷器的特点。乾隆时期的粉彩、洋彩技术达到了前所未有的高度，如同珐琅彩的民间化和普及化。我们将细致分析“集锦式”纹饰——将各种吉祥图案堆砌于一器的现象，探讨这背后所反映的宫廷对极致装饰的追求，以及这种追求如何在一定程度上压制了康熙时期所追求的清雅与“书卷气”。我们用大量的实物对比图，展示乾隆朝御窑工匠在堆塑、描金以及复杂渲染方面的超凡能力，并辅以档案资料，揭示此时督陶官（如唐英）在承接康熙遗风与推陈出新之间所承受的巨大压力。 第二章：外销瓷的全球影响与本土风格的异化 乾隆时期，欧洲市场对中国瓷器的需求达到了历史顶峰，但订单的性质发生了变化。我们不再是简单地仿制欧洲器型，而是开始制作适应欧洲口味的“新颖”器物，例如模仿洛可可风格的雕塑性瓷器，以及大量使用欧洲进口的颜料进行装饰的品种。这一章将深入探讨这种“中西合璧”对本土审美的反向影响，以及广州造办处在瓷器贸易中的角色，展示清代制瓷业如何深度融入全球贸易体系。 第二部分：嘉庆、道光时期的沉寂与民间力量的崛起（1800-1850） 随着乾隆的退位，清朝的经济与政治开始显露疲态。本书将此阶段的制瓷业视为“内敛期”或“调整期”。 第三章：道光朝的“复古”与财政困境 道光朝的景德镇，其官窑生产规模显著缩小，御用瓷的制作标准也随之下降。本书着重分析道光朝对康熙、雍正时期经典款式的“拟古”现象，例如对青花“老料”的模仿，但这往往流于形似而失其神韵。我们将通过对道光款识的辨识，区分官方尝试挽回声誉的有限努力，与因财政紧张导致的材料降级问题。例如，在青花料的陈旧感营造中，如何暴露出当时原料供应的紧张。 第四章：民窑的野蛮生长与技术下放 在官窑逐渐式微的同时，民窑的力量开始凸显。道光、咸丰时期，民窑的创新主要体现在生活用瓷的实用性和成本控制上。本章重点介绍这一时期流行的彩绘风格，如民间流行的“粉彩仿古瓷”和大量带有民间神话故事、戏曲场景的装饰。我们认为，正是民窑在这一时期的技术积累和市场适应性，为后来的中兴打下了基础。我们将对比官窑与民窑在同一时期对“喜上眉梢”等传统题材的不同表现手法，揭示社会阶层对审美趣味的影响。 第三部分：同治、光绪、宣统的“中兴”与近代化冲击（1862-1912） 本书的后半部分，将焦点投向了晚清的重建与挣扎，这是中国制瓷史中最具戏剧性的时期。 第五章：同治中兴：御窑的自我救赎 在太平天国运动重创景德镇之后，同治年间的御窑重建工作，是一场充满挑战的“技术复活”。本书将详细梳理同治元年后官窑恢复生产的困难，包括工匠的流失、窑址的修复，以及如何重新调配符合宫廷标准的釉料和色料。我们将研究同治官窑的特点，如其对光绪时期“大雅堂”风格的初步尝试，以及在粉彩中融入西方写实光影的痕迹。这一时期的瓷器，往往带有明显的“新旧交替”的混合特征。 第六章：光绪朝的“务实”与“复古”并举 光绪朝是景德镇工业化进程中至关重要的一环。我们将讨论光绪时期，特别是署“大雅堂”、“慎德堂”款识的瓷器。这不是简单的复古，而是有意识地利用新技术（如更稳定的化学颜料）来重现早期经典，同时又注入了晚清特有的、略显呆板的工匠精神。本章将对比光绪朝青花与康熙青花的“苏麻离青”效果，指出在还原传统经典时，由于烧制工艺和原料来源的改变，所产生的本质区别。此外，也将探讨光绪朝大规模的出口瓷生产如何推动了模制、印花等半机械化生产方式的普及。 第七章：宣统：短暂的终章与新时代的序曲 宣统时期虽然短暂，但其官窑制品却体现出极高的制作水平，是清代官窑的“绝唱”。我们将分析宣统官窑的特征，如其制作的严谨性、对雍正、乾隆时期的精致工艺的回归，以及在装饰上开始采纳的更为简洁的布局，这预示着民国时期新艺术风格的到来。本书最后将展示，宣统官窑如何作为清代数百年宫廷制瓷历史的最后一次高光时刻，将“康熙瓷”所开启的辉煌，以一种近乎完美的姿态画上了句号。 --- 本书价值定位： 本书通过避开对康熙朝的直接描写，反向构建了乾隆盛世的繁复、嘉道时期的低谷、以及晚清的挣扎与回光返照，为读者提供了一个全面而深入的“后康熙时代”清代瓷器流变史。它不是一本简单的断代史，而是一部关于技术继承、审美转换与时代命运相互作用的社会文化研究。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，那种沉甸甸的质感，甫一上手，便知非同凡响。扉页那烫金的字体，在微微的灯光下折射出低调而奢华的光芒，让人忍不住想一探究竟。我尤其喜欢它在用材上的考究，那种微微泛黄的书页，散发着一种独特的墨香，仿佛能将人瞬间拉回到那个古老的年代。排版布局更是精妙绝伦，每一章节的起头，都有着精心挑选的纹饰作为点缀，繁而不乱，疏密得当。即便是那些全幅的插图，也处理得极为细腻，色彩的过渡自然和谐，即便是初次接触此类主题的读者，也能被其深厚的文化底蕴所吸引。这本书的整体气度，透露出一种对美学近乎苛求的态度，每一个细节都在无声地诉说着作者或编者对知识的敬畏与热爱。拿到书后，我花了整整一个下午，只是沉浸在对它外观和工艺的品味之中，尚未正式翻阅内文，但仅凭这份制作的诚意，已然值回票价。它不仅仅是一本书，更像是一件值得珍藏的艺术品，摆在书架上，都能提升整个空间的格调。

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关于这本书的学术严谨性，我必须给予最高的评价。在阅读过程中，我时不时地会停下来，去核对引文的出处和论证的依据。令人欣慰的是，每一个论断的背后，都能找到扎实的文献支撑，这极大地增强了文本的可信度。作者在处理那些历史遗留的争议性问题时，表现出了极大的客观与审慎，并未采取武断的立场，而是详尽地列举各方观点，引导读者自己去思辨，这种开放式的学术态度非常值得称赞。我留意到，书中引用了大量第一手的资料和考古发现，有些图版我还是头一次在公开发行的刊物上见到，这无疑是下了深厚功夫的佐证。它不满足于复述已有的知识框架，更致力于在既有研究的基础上进行批判性的反思与补充，对于任何希望深入了解该领域的读者而言，这本书无疑提供了一个极为可靠且前沿的参考基准。读完一章，我感觉自己的知识体系得到了有效地的巩固和拓展，收获远超预期。

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这本书的语言风格，简直就是一股清新的空气，完全摒弃了那种学院派的刻板说教腔调，转而采用了一种充满人文关怀和历史温度的叙事方式。作者的文字功底非常扎实，遣词造句考究，但绝不卖弄辞藻，而是用最精准、最富感染力的语言，去描绘那些被时间磨砺过的器物。读到描述某件艺术品如何经历沧桑、最终被世人重识的那一段时，我仿佛能透过文字触摸到那冰冷的釉面，感受到历史的重量。这种“以文载道，以情动人”的写法，让原本可能晦涩难懂的工艺细节，也变得生动有趣起来。它成功地将冰冷的器物，赋予了鲜活的生命和故事性，让读者不再是单纯地欣赏一件物品的技术成就，而是开始理解其背后的工匠精神与时代变迁。阅读体验极其流畅，几乎是一口气读完的，那种沉浸感，比看任何一部历史剧都要来得真实和震撼。

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这本读物的内容组织逻辑性强得令人拍案叫绝，它似乎并非是简单地罗列史实或技艺要点，而是在构建一条清晰的、引导性的思维路径。作者在阐述复杂概念时，总是能够找到一个极具亲和力的切入点，仿佛在与读者进行一场深入而平等的对话。我发现，即便是涉及一些专业性极强的术语和工艺流程，也能被拆解得层层分明，辅以恰到好处的注解和类比，使得我这个非专业人士也能迅速掌握其核心要义。特别是章节之间的过渡处理，衔接得如同行云流水，前一个问题的解答自然而然地引出了下一个更深层次的探讨，让人读起来丝毫没有“知识点堆砌”的枯燥感。这种高超的叙事技巧，使得阅读过程变成了一种主动的探索，而非被动的接收。我很少见到有哪本学术性偏强的书籍能做到如此兼顾深度与阅读体验，它成功地搭建了一座从入门到精通的稳固阶梯，每走一步，都让人感到踏实且充满成就感。

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我最为欣赏的是这本书对于“细节”的捕捉与呈现方式。它似乎拥有将宏大历史背景与微观的工艺特点完美结合的能力。书中对纹饰的解读，绝非简单的符号学注释，而是深入挖掘了这些图案在不同历史时期所承载的社会意义和审美取向的演变，这种层次感让人印象深刻。再比如，对釉色、胎土以及烧制温度这些技术指标的描述，作者总是能巧妙地将其与当时的社会经济状况联系起来，使得读者能明白“为什么那个时候会烧出那样的颜色”。这种贯穿始终的“因果关系链”的构建，让整本书的论述立体而丰满。它不仅仅是告诉你“是什么”，更重要的是解释了“为什么是这样”。这种对内在逻辑的深度挖掘，使得这本书的价值远远超出了简单的知识普及，它提供了一种研究和欣赏这类文化遗产的全新视角和方法论，对于提升读者的鉴赏能力有着不可估量的帮助。

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