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出版者:上海辞书出版社

作者:林霏开

出品人:

页数:276

译者:

出版时间:1998-05

价格:10.00

装帧:平装

isbn号码:9787532605156

丛书系列:

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《山川入梦：中国古代山水画的意境与流变》 内容提要 本书是一部系统梳理和深入剖析中国古代山水画发展脉络、核心审美范畴及其文化意涵的学术专著。全书以时间为轴，以风格流变为经，细致考察了自魏晋至清末，山水画如何从最初的“可游、可观”的客观再现，逐步升华为寄托文人士大夫精神追求和哲学思考的“可居、可游、可悟”的心灵景观。作者立足于深厚的文献基础和对海量艺术作品的精微观察，旁征博引，力求揭示山水画背后的哲学根源——尤其是道家“天人合一”与儒家“中和之美”思想的渗透与融合。 全书共分七章，循序渐进地展现了中国山水画从萌芽、确立、鼎盛到转型的关键节点。 --- 第一章：远古的回响与雏形——史前至魏晋的自然观 本章探讨了山水意象在中国艺术中的早期萌芽。从新石器时代的几何纹样中对自然元素的抽象提炼，到先秦时期青铜器、玉器上程式化的山水符号，勾勒出古人早期对“山”与“水”的朴素崇拜与认知。重点分析了汉代画像石、画像砖中出现的“仙境”图景，它们既是巫术信仰的遗存，也是后世“可游”精神的先声。 随后，聚焦魏晋南北朝时期，山水画开始独立成科。这一时期，玄学清谈盛行，个体生命意识觉醒。作者详细考证了顾恺之、戴逵等人的早期实践，并深入阐述了“随类赋彩”的理论如何为后来的笔墨语言奠定基础。山水画开始摆脱人物的附庸地位，成为士人寄托“独与天地精神往来”的载体。 第二章：初具规范——隋唐盛期的气象万千 隋唐之际，社会经济的繁荣和文化自信的提升，为山水画的成熟提供了土壤。本章重点剖析了李思训、李昭道父子的“青绿山水”——这一融合了盛唐气象的富丽堂皇的画派。通过对“金碧山水”技法的剖析，揭示其背后所蕴含的皇家气派与对理想化盛世的描摹。 同时，本章亦将目光投向了对后世影响更为深远的“水墨革新”的先声。介绍了荆浩、关仝等北方山水画家的出现，他们开始尝试用单纯的笔墨来捕捉山川的雄伟与气势，为五代十国的成熟打下了坚实的基础。 第三章：五代十国的山水画高峰——笔墨语言的决定性确立 这一章是全书的重中之重，聚焦于中国山水画技法与理论体系的最终确立。作者详细梳理了“南派”与“北派”的地域分野与风格差异。 北派以荆浩、关仝、李成、范宽为代表，强调“斧劈皴”与“披麻皴”等母题皴法的建立，塑造了雄强、浑厚、深邃的北方山势，体现了“卧游弥坚”的审美追求。范宽的《溪山行旅图》被作为分析“崇高”与“敬畏”主题的经典案例。 南派则以董源、巨然为代表，开创了文人画的先河。他们以柔和的笔法和湿润的墨色描绘江南烟雨迷蒙、平缓舒展的丘陵，确立了“水墨为上”的理论基调，强调山水画的抒情性和主观性。 第四章：宋代山水的哲思与院体 宋代，山水画与“格物致知”的哲学思潮紧密结合。本章区分了院体画派与文人画派的并行发展。 宋徽宗时期的院体画，强调精微的写实功力，力求对自然形态的精确捕捉，体现了“理”在艺术中的体现。然而，更具时代意义的是苏轼提出的“论画以形似，见与鄙人”的观点，他将绘画的评价体系从技巧层面提升到了士人修养和哲学思考的层面，为元代文人山水画的全面胜利埋下了伏笔。 第五章：元代——文人山水画的独立与高峰 元代是山水画史上一个关键的转折点。由于士人普遍不愿为元廷效力，他们将全部的创作热情和政治理想转向了艺术领域。本章深入探讨了“以书入画”的理论实践，即书法笔法如何直接转化为山石树木的笔墨语汇。 “元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、赵孟頫）的风格差异被细致辨析：赵孟頫的复古与渊雅；倪瓒的简淡、萧疏与“逸笔”；黄公望对皴法的集大成与“平远”的推崇。山水画彻底完成了从“物”到“我”的转变，成为“胸中丘壑”的外化。 第六章：明清的流派纷呈与技法演变 明代山水画形成了两大主要流派：以吴门画派（沈周、文徵明）为代表的承袭元代文人传统的“雅”派，以及以浙派（戴进、吴伟）为代表的继承宋代院体遗风的“雄劲”派。本章分析了两者在笔墨运用和构图布局上的张力。 清代，山水画进入了“集大成与辨析”的阶段。以董其昌为代表的“南北宗论”成为了支配画坛近三百年的理论框架，他确立了文人画的正统地位。随后，石涛（“搜尽奇峰打草稿”）和“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）分别代表了主观创造的极致与对传统的集大成式整理，展示了清初山水画在面貌上的极端丰富性。 第七章：结语——山水画的审美价值与永恒魅力 本章总结了山水画作为中国独有艺术门类的核心价值：它不仅仅是风景的再现，更是中国人特有的宇宙观、人与自然关系的哲学表达。它提供的“精神栖居地”，超越了时代的局限，成为后世艺术创作取之不尽的精神源泉。 作者简介 作者为深耕中国古代艺术史多年的学者，长期致力于魏晋至明清时期笔墨语言与哲学思想交叉研究。其研究方法融汇了文献考证与图像学分析，力求在严谨的学术框架下，展现中国山水画的深厚人文底蕴与独特的审美魅力。本书凝聚了作者多年田野考察与馆藏作品的细致比对心血。 适用读者 艺术史研究者、美术专业学生、中国传统文化爱好者、以及所有对中国古代山水画背后的哲学思想与笔墨意趣感兴趣的读者。

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这本书的语言风格简直是一股清流，它没有故作高深的辞藻堆砌，也没有刻意追求华丽的辞藻，而是用一种近乎口语化的、却又饱含哲思的笔触，将那些看似平淡无奇的片段，描摹得栩栩如生。我尤其欣赏作者在叙事中偶尔展现出的那种克制而又深刻的幽默感，那种笑点并不在于刻意的抖包袱，而是在于对人性弱点和生活荒诞性的精准把握。每一篇小品文读起来都像是与一位见多识广的老友进行的深度交谈，他不会给你直接的答案，而是巧妙地引导你走向思考的深处。那种感觉很奇妙，就像是作者在你的脑海里搭建了一个小小的剧场，然后邀请你一起观看那些关于时间、记忆和人际关系的微小戏剧。它对细节的捕捉能力令人叹服，比如对某一特定时期流行文化的怀旧描摹，那种带着时代烙印的物件和场景，一下子就能将我拉回那个特定的时空背景中，充满了怀旧的温暖。这本书的阅读体验是层次分明的，初读时是轻松的散文欣赏，再读时则能感受到深藏在文字下的文化反思。

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这本书的叙事视角处理得非常高明，它常常在“局内人”的视角和一位抽离的“观察者”视角之间流畅切换。当你以为作者要将你完全带入到某个具体情境时，他会突然抬高视角，用一种近乎冰冷的理性来审视这一切，这种拉扯感极大地增强了文本的张力。它更像是一系列精美的速写集，而不是连贯的长篇小说，每一篇都如同一个被精确聚焦的镜头，捕捉了生活中的某个瞬间的本质。作者对于场景的描绘精确得如同摄影师的构图，光影、材质、气味，都得到了细致入微的处理，让这些文字不再仅仅是信息的传递，而成为了感官的体验。我从中读到了一种对生活保持距离的审慎态度，既不完全沉溺其中，也不完全排斥在外，而是在那个微妙的平衡点上，进行着持续的观察与记录。这本书的阅读体验，更像是一次与作者共同进行的“意义考古”，每一次翻页，都像是发现了一件被时间掩埋的旧物，充满了探索的惊喜。

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读完合上书本时，我产生了一种强烈的“完成了一次精神漫步”的感觉。这本书的文字，具有一种奇特的穿透力，它不直接探讨宏大的主题，却能不动声色地触及到存在主义的边缘。作者似乎对人与环境、人与时间的关系有着独特的敏感性，他笔下的世界是安静的、内省的，充满了对“流逝”这一概念的沉思。比如，他对某些物件的描述，往往会引申出关于物质与精神重量的讨论，那件物件本身或许微不足道，但在作者的文字中，它被赋予了历史的厚度。这种深沉感并非是压抑的，相反，它是一种被时间沉淀下来的智慧，如同陈年的老酒，入口平淡，回味悠长。我特别喜欢他处理情绪的方式，总是将强烈的情感包裹在非常平静的叙述之下，需要读者自己去挖掘那份潜藏的波澜。这本书适合在夜深人静的时候阅读，因为它需要一种专注和沉静的心境，才能真正领会到那份文字背后的寂寥与丰盈。

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这本书带给我的最大震撼，来自于其叙事结构上的大胆与自由。它不像传统散文那样有着明确的起承转合，而是更像是一串由不同颜色、不同材质的珠子串成的项链，每一颗珠子（每一篇文字）都是独立的艺术品，但串联起来后，又形成了一种别样的美感和韵律。作者似乎完全不受篇幅或主题的限制，可以从一个看似无关紧要的小事迅速跳跃到对某种哲学命题的探讨，但这种跳跃非但没有让人感到突兀，反而展现出一种思维的敏捷性和跳脱性。我注意到作者在处理时间线时非常灵活，过去与现在时常交织在一起，记忆的碎片被小心翼翼地拼凑起来，构成一幅幅不完整的、却充满张力的画面。这使得整本书读起来有一种探索的乐趣，你永远不知道下一页会把你带到哪个陌生又熟悉的角落。这种叙事的松弛感，恰恰是现代人渴望从快节奏生活中抽离出来时，最需要的精神食粮。它鼓励读者放慢脚步，享受这种“无目的”的阅读过程。

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这本书的开篇就给我一种扑面而来的生活气息，仿佛作者正坐在一个阳光洒落的窗边，手里捧着一杯热茶，慢悠悠地跟你聊起他这些年来的所见所闻。文字的节奏把握得极好，不紧不慢，却总能在不经意间抛出一个引人深思的小点子。我特别喜欢他描述那些细微的、日常的场景，比如清晨第一缕阳光照在老旧书页上的那种质感，或者某个雨天里，咖啡馆里若有似无的音乐声。读着读着，你完全会被带入到他构建的那个世界里，感觉自己也是他口中故事的参与者。整本书的结构松散却又有着内在的逻辑，更像是一本精心整理的私人日记，里面没有宏大的叙事，却处处闪烁着对生活细微之处的洞察。那种文字里散发出的沉静和对周遭环境敏锐的捕捉能力，让人读完后，会不自觉地停下来，重新审视自己习以为常的生活片段，发掘出隐藏在平凡背后的诗意。这本书的价值，不在于它讲述了什么惊天动地的大事，而在于它教会你如何以一种更加温柔和审慎的态度去对待“活着”这件事本身。

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大学时看的。

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情味深厚

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