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出版者:中国美术学院出版社

作者:任平翼

出品人:

页数:136

译者:

出版时间:1997-01

价格:15.50元

装帧:精装

isbn号码:9787810195645

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一本名为《翰墨丹青：中国传统绘画技法精要》的图书简介，旨在全面介绍中国传统绘画的深厚底蕴与实际操作技巧，内容详实，力求展现传统艺术的魅力。 --- 翰墨丹青：中国传统绘画技法精要 作者： [此处留空，或填写虚构的资深画家/理论家名称] 定价： [请自行设定] 开本： 大16开 页数： 约600页（含大量高清图例与步骤详解） 内容概述 《翰墨丹青：中国传统绘画技法精要》并非仅仅是一部技法手册，它是一部深度融合了中国哲学思想、美学观念与具体笔墨实践的综合性著作。本书旨在为当代学习者、爱好者乃至专业人士，提供一套系统、严谨且富有启发性的中国画学习路径。全书结构宏大，内容涵盖了从基础的笔墨训练到复杂的章法布局，从山水的“可游可居”到花鸟的“形神兼备”，再到人物的“气韵生动”，力求做到技法与理论并重，历史与创新相承。 本书摒弃了传统教学中常有的零散片段式讲解，而是构建了一个逻辑严密的知识体系。读者将跟随作者的引导，逐步理解中国画“写意”与“写形”之间的辩证关系，掌握“骨法用笔”的内涵，并最终形成自己独特的观察和表达方式。 --- 卷一：基础铸魂——笔墨的语言与心性的修炼 (约180页) 本卷是全书的基石，聚焦于中国画最核心的要素：笔墨。它深入剖析了“笔”与“墨”的物质特性及其在宣纸上的转化规律。 第一章：纸、笔、墨、砚的哲学选择 详细介绍了上乘的宣纸（皮纸、生宣、熟宣的特性与适用性）、笔（兼毫、狼毫、羊毫的性能）、墨（徽墨、松烟墨的研磨之道）以及砚台的形制对用笔的影响。探讨了古人如何通过对这些媒介的敬畏与理解，来确立创作的物质基础。 第二章：执笔与运腕的“中锋为上” 深入讲解了“枕腕”、“悬腕”等基本执笔姿势，并结合动态图解，演示如何通过腕、肘、臂的协调运动，实现线条的“力透纸背”。重点剖析了中锋、侧锋、偏锋在表现不同物象时的独特效果，强调“一画之妙，在乎筋骨”。 第三章：墨分五色的奥秘 系统阐述了“焦、浓、重、淡、清”五色墨的调配与运用。不仅包括墨锭的研磨技巧，更重要的是讲解了“宿墨”与“活墨”的运用差异，以及如何通过水分控制，实现墨色的层次变化，如同自然界的光影效果。 第四章：基础点线训练：点、皴、擦、染 提供了大量循序渐进的练习范例。从最基础的点（如介字点、圆点）到基本的线条（如高古游丝描、铁线描），再到山水画中的基础皴法（如披麻皴、斧劈皴），每一种技法都配有分解步骤和古人名作的临摹分析，确保学习者能准确把握每一笔背后的力度与意图。 --- 卷二：万象归宗——山水、花鸟的写生与写意 (约220页) 本卷将理论付诸实践，分门别类地探讨了山水画和花鸟画的创作核心。 第五章：山水之境：气势的营造 （一）山石的结构与皴法：详细对比了南北两派山石画法的差异，从宏大的“北方山势”到秀润的“江南丘壑”，深入解析了数十种常用皴法（如卷云皴、披麻皴、荷叶皴），指导读者如何捕捉山体的内在结构。 （二）树法的生命力：讲解“树分五墨”的理论，树干的画法（如折枝法、蟠曲法），以及不同树种（松、竹、梅、柳）的典型形态。重点阐述了“点叶法”和“圈厾法”在表现季节变化中的作用。 （三）水的处理与云烟的虚实：教授留白技法在表现云雾、溪流中的关键性，以及墨水晕染在营造水气的微妙感。 第六章：花鸟之神：形神兼备的追求 （一）工笔花卉的精微：着重讲解了传统花卉的白描起稿、分层渲染（如胭脂、花青的过渡使用），特别是对不同质感花瓣（如牡丹的富丽、水仙的清雅）的刻画技巧。 （二）写意禽鸟的动态捕捉：讨论如何通过寥寥数笔，画出鸟类的神态（如雄鸡的傲岸、麻雀的灵动）。重点介绍“圈眼法”和“点翅法”，强调在快速的动作中保持结构的准确性。 （三）草虫与蔬果的细节观察：提供了专门一章用于研究微小生命的表现，如草虫的甲壳质感，以及常见蔬果（如瓜果蔬菜）在写意画中“取其味”的处理方式。 --- 卷三：人物与意境——结构、气韵与章法 (约200页) 本卷提升至更高层次的审美要求，探讨人物画的造型规律和整体布局的艺术。 第七章：人物白描与设色（仕女、罗汉、高士） 从“三停五眼”、“四高三低”等传统比例规范入手，系统讲解人物的骨架与肌肉结构。着重教授线条在表现人物内在气质上的能力，包括衣纹的“吴带当风”与“曹衣水袋”的风格差异。设色部分深入探讨了墨分五色的“罩染”技法，以及朱砂、石青、石绿在人物脸部与服饰中的传统用法。 第八章：章法布局的“计白当黑” 本章是关于整体构图的精髓所在。详细解析了“S形”、“三角形”等古典构图法则，并探讨了留白在画面中的“呼吸”作用。通过对历代名作的局部放大分析，揭示了如何通过主次分明、疏密有致来引导观者的视线，避免画面“拥塞”或“空泛”。 第九章：题跋与印章的“点睛”之笔 讲解题跋的书法要求（行书、草书的运用），以及印章（朱文、白文）在画面角落的色彩与形态平衡作用。强调题款内容应与画作意境相互呼应，而非简单的说明文字。 结语：入古出新，自成一家 全书的最后部分，鼓励学习者在掌握传统技法的基础上，进行独立的观察和思考。强调中国画艺术的生命力在于“师古而不泥古”，引导读者如何将所学的笔墨语言，融入对当代生活和个人情感的表达之中，最终达成“以画载道，以笔抒情”的境界。 --- 本书特色 1. 理论与实践的无缝衔接： 每项技法讲解后，均附有古人范例的解析（附对照图）和现代学习者的示范图，清晰展示了从基础到成熟的过渡。 2. 清晰的步骤拆解： 关键步骤采用多图连环解析，即使是复杂的皴法或渲染，也能被分解为易于理解的单元。 3. 学术的严谨性： 引用了大量中国画论中的经典术语和典故，为读者提供坚实的理论支撑，避免了市面上部分教程的“唯技法论”倾向。 4. 全景式覆盖： 涵盖了中国画三大门类的核心技法，为想全面学习的爱好者提供了一站式的参考。 《翰墨丹青》不仅是案头必备的工具书，更是一部引导心性、浸润于中国传统审美之中的艺术之旅。

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作为一名有一定书法基础，但一直突破不了“平庸”瓶颈的书法爱好者，我需要的是能给我带来启发和新视角的教材，而不是教我怎么写“一”和“人”的入门读物。这本书恰恰满足了这种进阶需求。它没有过多纠缠于基础笔画的反复操练（那些我早就烂熟于心了），而是将重点放在了章法布局和整体风格的把握上。书中对“字势”的论述尤其精彩，它用建筑学的视角来分析汉字的结构美感，讲解了如何通过调整重心和倾斜度来营造视觉上的动感和平衡。我发现自己过去写字太注重单个字的工整，反而忽略了整篇作品的气脉贯通。这本书教我如何“放”，如何在不失法度的前提下，让笔墨自由流淌，达到一种“不激不厉，而风规自远”的境界。通过对几位不同风格行书大家的对比分析，我开始清晰地认识到自己的“舒适区”在哪里，也找到了下一步需要重点突破的方向。对于那些想从“匠气”走向“书卷气”的同道中人来说，这本书绝对是难得的清醒剂和指路明灯。

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这本《行书教程》真是让我这个书法初学者眼前一亮，完全不是那种枯燥的理论堆砌。我之前试过好几本字帖，不是讲解得过于深奥，就是图例少得可怜，学起来非常吃力。但这本书不一样，它从最基础的执笔运腕就开始细致入微地讲解，每一个动作都有清晰的图示配合文字说明，简直就像有一位经验丰富的老先生在旁边手把手地教你。特别是它对“提、按、顿、挫”这些核心技法的解析，简直是点睛之笔。它没有停留在概念层面，而是用非常形象的比喻，比如把“提”比作羽毛的轻盈，把“按”比作山石的沉稳，这让我一下子就抓住了用力的诀窍。而且，它的选帖很有品味，都是历史上公认的行书大家名作，但编排上却非常科学，由浅入深，从简单的点画过渡到复杂的结构字，循序渐进，让人感觉每一步的进步都是扎实可感的。我已经跟着练习了一个多月，感觉自己的字不再是僵硬的楷书体，开始有了一种流动的美感，虽然离大家风范还很远，但至少不再是“写字”，而是在“写意”了。这本书对建立初学者的信心有着不可替代的作用，让人觉得学好行书并非遥不可及的梦想。

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说实话，我原本对手写字这件事已经有点绝望了，年轻时被电脑和手机惯坏了，拿笔写字就像是握着一把陌生的工具。下载了好多App，看了不少网课，效果都不尽如人意，感觉不是缺教材，而是缺一个能真正“通”的桥梁。直到我翻开这本《行书教程》，我才明白之前的问题出在哪里——我缺乏对笔墨内在逻辑的理解。这本书的厉害之处在于，它把行书的“气韵”拆解成了可以理解、可以模仿的模块。它对“连带”和“呼应”的处理分析得极为透彻，讲解了为什么某些笔画要“断而不断，连而不断”。我特别喜欢它分析的那些经典字帖片段，不像其他书那样只给你一个临摹的轮廓，而是用箭头和不同粗细的线条标注出每一笔的行进轨迹和力度变化，甚至连墨色的浓淡干湿都做了标注，这对于追求神似的我来说，简直是无价之宝。临摹的时候，我不再是机械地复制形状，而是开始思考：这个“折”为什么要这样收？这个“捺”应该往哪个方向“探出头”？这种带着思考的练习，效果自然是事半功倍。现在，我的字虽然还带着浓厚的个人痕迹，但至少比以前“活”多了，有了生命力，这在以前是想都不敢想的。

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我对这种教学形式一直持保留态度，因为很多教程都是“纸上谈兵”，你看着书上写得天花乱坠，一上手就全盘皆输。然而，《行书教程》在“实践操作性”这一点上做得非常出色，简直像一本可以边练边做的练习册。它提供的不仅仅是范例，更是“方法论”。书中详细介绍了如何利用不同的书写材料——从羊毫到兼毫，从宣纸到毛边纸——来适应行书对速度和力度的要求。最让我惊喜的是，它有一章专门讨论了如何通过调整书写速度来控制笔画的粗细和枯湿变化，这一点非常关键，但鲜有书籍会如此直白地指出。我试着按照书中的建议，用更快的速度去写那些连带，果然，笔触自然地产生了飞白和牵丝，这比我费力去“制造”飞白要自然得多。而且，它很注重对常见错误的纠正，比如“结构松散”或“笔画重复”，它会明确指出错误在哪里，然后提供一个更优化的结构方案。这本书让我感觉，学习书法不再是凭感觉乱撞，而是有了一套科学的、可迭代的改进流程。

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坦白说，我购买这本书时是抱着试一试的心态，因为市面上的书法教材大多设计得过于传统，色彩单调，排版拥挤，让人提不起兴趣。但《行书教程》在视觉设计上简直是教科书级别的范例。它的版面设计非常“呼吸感”，留白得当，既突出了范字，又不显得空旷。更重要的是，它的印刷质量令人称赞，墨色的层次感在复印件上得到了最大程度的还原，这对学习细节至关重要。那些需要仔细辨认的细微笔锋和转折处，都清晰可见，完全没有那种模糊不清的“印刷体”质感。此外，书中对行书历史上几位重要人物的介绍，虽然篇幅不长，但选取的角度非常精辟，不是简单的生平介绍，而是侧重于他们对行书风格演变的关键贡献，这为我理解行书的“流变”提供了清晰的脉络。这本书不仅是一本练字工具书，更是一本可以静心阅读的书法美学普及读物，让人在学习技法的同时，提升对书法艺术的整体审美鉴赏能力，物超所值。

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