倪贻德艺术随笔 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海文艺出版社

作者:倪贻德

出品人:

页数:216

译者:

出版时间:1999-05

价格:16.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532118915

丛书系列:

图书标签:

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浮光掠影：中国现当代艺术的流变与回响 一部深度剖析二十世纪以来中国艺术思想、创作实践与社会文化互动的考察实录。 本书旨在提供一个多维度的视角，审视自清末民初至新世纪的中国艺术领域所经历的剧烈转型、思想碰撞与风格演进。我们不专注于某一位艺术家的个人文集或专业理论，而是聚焦于宏观的历史脉络、思潮的交替影响，以及艺术作为社会载体所承载的复杂性。 第一部分：危局与新生的呼唤（清末至二十年代） 本部分追溯了中国艺术在西方文明冲击下的早期反应与探索。传统的文人画体系在“中体西用”的口号下寻求自救，而一批敏锐的知识分子则开始意识到，仅凭对传统笔墨的固守已无法应对时代的需求。 1. 艺术教育的移植与本土化： 详细梳理了蔡元培等人倡导的“美育”思想在国立艺专等机构的早期实践。重点分析了素描和油画技法引入初期，如何与中国传统的写生观念产生张力与融合。我们探讨了留日学生群体（如徐悲鸿早期的学习路径）如何带着西方的写实主义和浪漫主义思潮回国，并试图在题材上开创新的叙事方式。 2. 传统文脉的辩护与变革： 考察了以“整理国故”思潮为背景下，对传统艺术价值的再认识。这并非简单的复古，而是试图在古典审美中提炼出能够支撑现代精神的元素。例如，对宋元绘画精神的重新解读，以及书法在现代设计思维影响下的新探索。 3. 早期现代艺术的萌芽： 聚焦于上海、北京等文化中心的先锋尝试。从象征主义的引入到对印象派光影的初步运用，呈现了艺术家们在有限的物质条件下，通过私人画会和小型展览所进行的艺术启蒙工作。 第二部分：现代主义的激荡与民族意识的觉醒（三十至四十年代） 这一时期是中国艺术发展最为关键的熔炉期，民族危亡的背景深刻地塑造了艺术家的创作倾向和思想深度。 1. 西方现代主义的全面引入： 重点分析了留学欧洲（尤其巴黎）的艺术家群体所带回的艺术思潮。这包括立体主义、野兽派，特别是表现主义对中国画坛的冲击。不再满足于简单的形体模仿，艺术家开始关注内在情感的表达和形式语言的独立性。 2. 现实主义与社会关怀的结合： 探讨了左翼艺术思潮对艺术功能性的强调。艺术不再是贵族的消遣，而是唤醒民众、记录苦难的工具。这部分将详述中国大地艺术（如木刻版画运动）的兴起，它以强烈的黑白对比和直白的叙事，成为那个时代最具力量的声音。 3. 传统水墨的现代化转型： 考察了以张大千、傅抱石、李可染等为代表的画家，如何在坚守民族特性的同时，引入西方的空间观念、光影处理乃至抽象元素，创造出“新国画”的范式。这部分着重于对皴法、点苔等传统技法的“结构性重塑”。 第三部分：宏大叙事下的重构与实验（五十至七十年代） 新中国成立后，艺术服务于国家建设成为主旋律。本部分侧重于分析在高度统一的意识形态下，艺术语言如何被规范化，以及在规范内部所蕴含的微妙张力。 1. “社会主义现实主义”的本土化实践： 剖析了油画、雕塑等“外来画种”如何被调适以描绘工农形象，以及在人物造型上对中国传统人物画的借鉴。分析了“高大全”的审美取向背后，对光线、构图等元素的特定处理方式。 2. 题材与形式的规范： 探讨了艺术院校教材的编写、全国美展的评审标准如何共同构建了一套官方美学体系。同时，我们也会触及到一些相对“非主流”的创作群体，他们在特定的集体环境之外，如何通过风景画、静物画等相对“安全”的领域，进行着含蓄的个人风格的保留。 3. 农村题材与民间艺术的汲取： 关注了“二流画家”现象——那些深入农村、将民间剪纸、年画的稚拙与饱满的色彩语言融入到专业创作中的实践者，这为后来的“乡土艺术”思潮埋下了伏笔。 第四部分：观念的解放与多元化的爆发（八十年代至今） 改革开放带来了思想的空前解放，艺术领域如同闸门打开，各种思潮汹涌而入，开启了中国当代艺术的黄金时代。 1. 85思潮的洗礼与反思： 深度解析了“八五新潮”运动的哲学基础（如西方哲学思辨、现象学影响）。重点分析了“乡土写实主义”、“现代书法”以及早期的“政治波普”等流派的兴起，它们共同指向对既有官方美学的决裂与对个体精神的重塑。 2. 观念艺术与社会介入： 考察了摄影、装置、行为艺术等媒介在中国语境下的生根发芽。艺术家不再满足于二维平面的再现，而是转向对空间、时间以及社会结构的直接干预。这部分将讨论这些新兴媒介如何被用来批判全球化进程中的身份认同危机。 3. 市场化与全球视野： 探讨了艺术与资本力量的结合，以及中国艺术家如何在全球当代艺术的坐标系中重新定位自我。从威尼斯双年展的参与到国际画廊体系的建立，分析了这种外部接轨对本土创作语言的深远影响——是加速成熟，还是陷入同质化？ 4. 跨媒介与数字时代的探索： 简要回顾了进入新千年以来，中国艺术家在影像艺术、新媒体技术以及虚拟现实（VR/AR）等领域的前沿探索，预示着未来艺术语言可能出现的走向。 结语：未竟的对话 本书的结论并非对某个流派的定论，而是对中国艺术史上持续不断的“在路上”状态的确认。它是一场关于如何在继承传统、接纳外来、应对现实之间寻求动态平衡的漫长对话。通过对这些思想和实践的梳理，我们得以更清晰地看到中国艺术精神的复杂性与韧性。

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这本书的结构安排非常巧妙，没有那种刻板的理论说教，反而像是一系列精心布置的微型展览。每一篇随笔都是一个独立的视角，但串联起来却形成了一种内在的逻辑和韵律。作者对不同艺术门类的涉猎极广，从古典雕塑到现代装置艺术，信手拈来，游刃有余。他总能找到一个独特的切入点，将那些看似遥不可及的艺术品拉到我们眼前，用最贴近生活的方式去解读它们。我印象最深的是他对材质的描写，那种对木头纹理、石头质感的独特捕捉，简直让人仿佛能隔着纸张触摸到实物。这种“感官的再现”使得阅读过程变得极其生动。而且，作者的叙事节奏控制得非常好，时而激昂陈词，时而低回婉转，高潮迭起，绝无冷场。这本集子无疑是一份极具个人风格的“艺术笔记”，它记录的不仅是艺术现象，更是作者灵魂的起伏轨迹。

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我欣赏这本书里流露出的那种对“匠心”的执着赞美。在这个批量生产和快速迭代的时代，作者对那些耗费心血、精雕细琢的作品抱有一种近乎虔诚的态度。他笔下的艺术家们，无论媒介如何变化，其核心的驱动力都是那种不妥协的创作精神。这种精神力量通过文字被有效地传递了出来，读来令人热血沸腾，同时也心生敬畏。特别是一些关于传统工艺的论述，其考据之细致，描述之精准，足见作者下了极深的功夫。他没有停留在表面的赞叹，而是深入到技术层面，去理解每一个转折、每一种材料组合背后的科学与美学。这本书的价值，不仅在于提供了对艺术的鉴赏视角，更重要的是，它像一面镜子，反照出我们自身在面对工作和生活时，是否也应该秉持一份同样的专注与敬畏之心。

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这本书的语言风格极具辨识度，带着一种沉淀下来的老派文人的风骨，但又绝不显得陈旧迂腐。句子结构多变，长短句交错使用，读起来充满了节奏感和音乐性，仿佛作者在用文字进行一场即兴的独奏。最精彩的是，他擅长运用比喻和象征，将抽象的艺术概念转化为读者可以直观感受的画面。例如，他对“留白”的理解，不再是简单的空间概念，而是被赋予了“呼吸”和“未竟之言”的生命力。这种充满诗意却又不失逻辑的表达方式，极大地提升了阅读的愉悦度。对于想要真正深入理解艺术创作心路历程的人来说，这本书无疑是一本不可多得的指南。它像一把钥匙，打开了通往创作者内心深处密室的门，让我们得以窥见那些不为人知的思考过程与审美取向。总而言之，这是一次高品质的精神对话。

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阅读此书的体验，更像是一次精神上的洗礼。它不是那种读完后只会留下几个术语的工具书，而是能真正触动人心的文字。作者似乎拥有一种将“形”与“神”完美结合的魔力，他笔下的艺术品不再是冰冷的物体，而是一个个鲜活的、有着复杂生命故事的个体。我对那种探讨“时间性”在艺术中体现的篇章尤为着迷。他如何看待艺术作品在流逝的时间中所经历的意义变化，那种对永恒与瞬间的辩证思考，让人深思良久。行文中那种夹带着的淡淡的忧郁和对逝去美好事物的缅怀，也为整本书增添了一层厚重的历史感。可以说，这本书提供了一个极佳的平台，让我们得以在浮躁的现代生活中，重新审视那些历经时间考验的经典之作的真正价值。读完后，我的内心深处仿佛被轻轻拨动，有些许涟漪久久不散。

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这本书的文笔真是没话说，读起来就像是跟一位老朋友坐在昏黄的灯下，听他娓娓道来那些关于美的思考。作者的观察力极其敏锐，总能从日常的琐碎事物中挖掘出不为人知的哲理。比如他谈到一幅画作时，不是简单地描述色彩和构图，而是深入到画家创作时的心境，甚至能揣摩出笔触背后隐藏的情感波动。这种细腻的笔触让人不禁停下来，反复咀嚼他字里行间流露出的那种对艺术近乎偏执的热爱。我尤其喜欢他那种不落窠臼的论断，常常能带来耳目一新的感觉。他似乎不满足于既定的美学标准，总是在挑战读者的固有认知，引导我们去探索更深层次的艺术本质。读完之后，你会感觉自己的审美触角被极大地拓展了，看待世界的方式也变得更加丰富多彩起来。这本书与其说是艺术评论，不如说是一场思想的漫游，引领我进入了一个充满诗意和哲思的广阔空间。

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倪贻德

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没想到老爷子写的东西还蛮小情小调的就是句末太爱用感叹词啦！

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没想到老爷子写的东西还蛮小情小调的就是句末太爱用感叹词啦！

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没想到老爷子写的东西还蛮小情小调的就是句末太爱用感叹词啦！