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出版者:中国大百科全书出版社

作者:曹理

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:1996-08

价格:6.80

装帧:平装

isbn号码:9787500057307

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一份关于一本名为《声韵交织：跨文化音乐的聆听与实践》的图书简介，完全不涉及《音乐教学ABC》的内容，力求详尽、自然。 --- 《声韵交织：跨文化音乐的聆听与实践》 导言：重塑我们与世界的听觉连接 在信息爆炸与全球化的浪潮下，人类的听觉体验正面临前所未有的扩张与挑战。我们被海量的声音包围，但真正的“聆听”——那种带着理解、尊重与共鸣的深度感知——却往往被肤浅的消费主义所取代。《声韵交织：跨文化音乐的聆听与实践》正是在这样的背景下应运而生。 本书并非一部传统意义上的音乐史或音乐理论教材，它是一份邀请函，邀请读者跨越地理、文化和时代的藩篱，进入一个由多元声响构筑的宏大景观。我们深信，音乐是理解人类文明最直接、最富情感的语言。通过系统地解构和重组不同文明的听觉遗产，本书旨在培养读者一种更为敏锐、更具同理心的“跨文化听觉素养”。 全书围绕三大核心支柱展开：聆听的语境化、实践的在地性、以及理论的融合性。它挑战了“西方中心论”的音乐评价体系，转而聚焦于声音如何在其诞生的土壤中获得意义，并探索这些意义如何在全球化的舞台上进行复杂的对话与张力。 --- 第一部分：聆听的语境化——声音的文化地图 本部分专注于建立一个理解异域音乐的必要框架，强调“文化语境决定听觉经验”的核心理念。 第一章：超越五线谱的藩篱：声音的记谱与流变 我们首先从音乐符号学入手，探讨传统西方记谱法在面对非西方音乐体系时的局限性。重点分析了印度拉格（Raga）的口传传承模式、中国古琴“减字谱”的象形哲学，以及非洲鼓乐中基于身体动作的“活谱”系统。读者将学习如何通过理解这些非线性、非绝对化的记录方式，去把握音乐内在的结构逻辑，而非仅仅依赖音高和时值的精确复制。 第二章：时间、空间与精神：非西方音乐的时序观 音乐的时间感是文化差异的集中体现。本章深入对比了西方音乐中线性和目的性驱动的时间观（如奏鸣曲式的发展与解决），与中东、中亚地区音乐中循环往复、趋向于“沉浸式迷幻”的时间结构（如阿拉伯的麦卡姆Maqam系统）。我们探讨了佛教颂钵的“永恒此刻”概念，以及拉丁美洲萨尔萨舞曲中“错位节奏”所蕴含的集体愉悦与社会动态。 第三章：音色即意义：乐器的本体论考察 乐器不仅仅是发声的工具，它们是特定文化集体记忆的载体。本部分将详细考察那些在西方音乐体系中罕见的、具有深刻文化意涵的乐器群落： 1. 气流的哲学： 探讨南美洲安第斯长笛（如克娜Quena）中，空气与人类呼吸的连接，以及其在自然祭祀中的角色。 2. 人与材料的对话： 分析婆罗洲原住民使用竹子、葫芦等天然材料制作乐器，其音色中蕴含的生态伦理。 3. 电子化的文化转译： 审视合成器和采样技术在后殖民语境下，如何被用来重构和“解放”传统声音，例如日本“噪音音乐”对传统美学的颠覆。 --- 第二部分：实践的在地性——参与与对话 本部分将理论知识转化为可操作的实践框架，鼓励读者从被动的“欣赏者”转变为主动的“参与者”。 第四章：身体作为中介：节奏与肢体的共振 音乐的实践往往始于身体。我们不再将舞蹈视为音乐的附属品，而是将其视为与音乐同源的表达方式。本章聚焦于全球范围内的身体律动： 从苏丹的“扎尔”（Zar）仪式到古巴的“康加”（Conga）鼓点： 分析身体进入特定节奏模式时，意识状态的转变与社会功能的实现。 即兴的伦理： 探讨爵士乐的“对话式即兴”与印度古典音乐中拉格即兴的“结构化自由”之间的差异，并提供入门级的模仿练习，引导读者在框架内释放创造力。 第五章：声音的社会契约：功能性音乐的田野考察 许多世界音乐并非为“艺术欣赏”而存在，而是服务于特定的社会功能。本章通过案例研究，剖析功能性音乐的运作机制： 劳动歌谣的效率与慰藉： 分析不同地区（如南非矿工的“Mbaqanga”或地中海渔民的号子）中，节奏如何调节劳动强度与建立集体安全感。 哀悼与庆典的声学设计： 对比日本神道教的“祝词”与爱尔兰的“挽歌”（Keening），理解特定情感是如何被精确地通过音高、音色和停顿来构建和释放的。 第六章：听众的自我重构：消除“异域情调”的陷阱 跨文化聆听最大的障碍在于“异域情调”（Exoticism）的诱惑——将他者音乐简化为奇特、原始或异域的风光。本章提供批判性工具，帮助读者： 1. 识别西方音乐理论投射在他者音乐上的偏见。 2. 学习如何区分“文化尊重”与“猎奇消费”。 3. 建立一种“在场感”（Presence），即在聆听时，想象自己是该文化社群中的一员，而非局外人。 --- 第三部分：理论的融合性——全球音乐的未来交响 最后一部分探讨全球化背景下，音乐的身份认同、创新与伦理挑战。 第七章：全球化中的音乐身份危机与重塑 随着音乐的流通性增加，身份的边界变得模糊。本章关注“世界音乐”（World Music）标签的商业化影响，并分析“混血音乐”（Hybrid Music）的创作策略： 融合的深度： 区分表层上的元素拼贴与深层次的结构性融合。例如，分析冰岛音乐家如何将北欧民谣的极简主义与电子乐的无限延展性进行有机结合。 版图的重绘： 考察数字平台对传统音乐传播的颠覆性影响，以及本土音乐人如何利用全球技术维护其文化主权。 第八章：可持续性与声音遗产的保护 在快速的城市化和技术迭代面前，声音遗产面临消亡的风险。本书提出“声音生态学”的概念，强调保护音乐实践的多样性与完整性。 口述传统的数字化伦理： 讨论在采集和记录濒危音乐时，如何确保知识产权和文化自主权不被侵犯。 “不被听见”的声音： 关注那些因缺乏商业价值而被主流市场忽略的微小社区音乐，探讨如何通过非商业化的聆听社群来维持其生命力。 结语：聆听，即是行动 《声韵交织》的最终目标是培养一种开放、谦逊且富有洞察力的聆听态度。当我们学会真正听见那些遥远、陌生、甚至与我们固有认知相悖的声音时，我们不仅拓宽了对音乐的理解，更深化了对人类经验多样性的尊重。每一次真诚的跨文化聆听，都是一次打破自我藩篱、实现世界和解的微小而重要的行动。 --- 适用读者群： 音乐人类学爱好者、艺术史研究者、音乐教育工作者、对世界文化有浓厚兴趣的普通读者，以及任何寻求深化其听觉体验的探索者。 本书特色： 丰富的案例研究、批判性的理论反思、以及鼓励实践参与的指导方针。 ---

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我对这本书的另一个深刻印象是其对不同学习进度的包容性。我的朋友和我一起学习，他有一定的钢琴基础，而我则是零基础。我们发现，这本书竟然能同时满足我们两个不同层次的需求。对于我这个新手，可以直接从最基础的指法和节奏感练习开始，这些内容写得非常详尽，几乎不需要额外指导。而我的朋友，他则可以直接跳过那些非常基础的部分，专注于书中设置的“进阶挑战”章节。这些挑战部分涉及了一些较为复杂的配器法和曲式分析，能够很好地调动他已有的知识储备，并引导他向更深层次的领域探索。这种“分层递进”的设计，避免了让初学者因为进度太快而气馁，也避免了让有基础的学习者因为内容太浅而感到无聊。最巧妙的是，即便内容有深浅之分，全书的语言风格和逻辑线索始终保持高度的统一性，读者在任何阶段都能清晰地感觉到，自己是在一个完整的知识体系中稳步前进，而不是在不同章节间“跳跃”。这种对学习者群体多样性的细致考量，是很多教材所欠缺的。

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这本书的排版和视觉设计，完全体现了一种对学习者体验的尊重。我接触过很多音乐教材，往往是黑白印刷，密密麻麻的文字和乐谱挤在一起，读起来眼睛非常累，心情也跟着低落。但《音乐教学ABC》的装帧和内页设计简直是一股清流。它采用了大量柔和的色彩搭配，不是那种刺眼的荧光色，而是非常沉稳的莫兰迪色系，阅读起来非常舒适。更值得称赞的是，乐谱的留白处理得恰到好处，每一个音符和休止符都有足够的“呼吸空间”，这对于初学者识别和记忆至关重要。而且，书中穿插了许多历史上的音乐家小传或者关于乐器起源的趣味插图，这些“花絮”内容极大地丰富了阅读的乐趣，让整个学习过程不再是机械的知识灌输，而像是一场充满发现的旅程。我特别喜欢其中关于不同时期音乐风格对比的图表，它不仅清晰地用图形展示了巴洛克和浪漫主义音乐在情绪和结构上的差异，配图也极其考究，让人在视觉上就能感受到音乐流派的演变脉络。这种对细节的极致追求，让这本书不仅仅是一本教材，更像是一件精美的艺术品。

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这本书，简直是为我这种音乐“小白”量身定做的！我一直对乐理知识感到头疼，总觉得那些音符、节拍、和弦像天书一样遥不可及。然而，拿到这本书后，我的看法彻底颠覆了。作者的叙述方式非常接地气，完全没有那种高高在上的学院派腔调。他仿佛是一位耐心十足的老朋友，用最简单、最直白的语言，把复杂的音乐概念掰开了揉碎了讲给我听。比如，讲解基础的五线谱时，他不是直接甩出一堆规则，而是先从我们熟悉的日常场景入手，比如如何看地图、如何遵循路线指引，然后巧妙地类比到音高和时值上。这种“生活化”的教学方法，极大地降低了我的学习门槛。我记得有一次，我对着一个复杂的节奏型困惑了很久，翻到书中对应的那一页，作者用了一种“拍手游戏”的方式来解释，我竟然一下子就明白了！这本书最棒的一点是，它极其注重实践和反馈。每学完一个小节，总会立刻有配套的练习或者小测验，让你及时巩固所学，而不是学完一大堆理论就束之高阁。对于想系统入门但又怕被枯燥理论吓跑的人来说，这本书绝对是首选的“破冰船”。它让我第一次感觉到，原来掌握音乐的“语言”并非遥不可及的梦想。

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深入研读之后，我发现这本书最难能可贵之处在于它对“应用性”的强调，而非仅仅停留在理论的堆砌。很多入门书籍在教完基础知识后，就戛然而止，留给学习者的是“我知道了，但我不知道该怎么做”。而这本书则非常注重将理论融入到实际的音乐创作或演奏情境中去。例如，在讲解调式转换时，作者并没有仅仅给出转换公式，而是紧接着提供了一段非常短小但充满情绪变化的旋律片段，然后引导读者尝试用不同的调式来“重新叙述”这个片段，去感受和声色彩带来的情感变化。这种“先体验，后理解”的路径，比单纯记忆规则有效得多。此外，书中还设置了大量的“即兴思考”环节，它鼓励读者不要被既有的范式所束缚，而是尝试用新学的知识去“玩”音乐。这种鼓励探索的精神，对于培养学习者的独立思考能力和创造力是极其宝贵的。它让我意识到，音乐不是一套死板的公式，而是一种可以自由表达的语言，这本书就是帮我架设起表达的桥梁。

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这本书在“声音的培养”这个维度上，也给出了许多独到且实用的见解，这远超出了传统乐理书的范畴。它并没有直接教你如何“唱高音”或“弹有力”，而是从物理和心理两个层面来解析“美妙的声音”是如何产生的。比如，书中有一章节专门讨论了“呼吸在音乐表达中的作用”，它详细描述了科学的发声原理，但语言表达却非常诗意，提到了如何通过控制气息来塑造旋律的“线条感”，让音符之间产生连贯的情感流动。对于声乐学习者而言，这简直是如获至宝；对于器乐演奏者，它也启发我们思考如何通过更精细的触键或弓法来模仿人声的细腻变化。此外，书中还穿插了一些关于“听觉训练”的小练习，这些练习不是传统的听写，而是要求你闭上眼睛去分辨不同乐器在合奏中的空间位置和音色对比。这种训练极大地提高了我的“主动聆听”能力，让我不再只是听到音乐，而是真正开始“听懂”音乐的层次结构。它成功地将技术层面的学习，提升到了审美和感知的高度，让人受益匪浅。

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