世界现代广告设计设计经典

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出版者:江苏美术出版社
作者:
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1998-11
价格:78.00
装帧:平装
isbn号码:9787534406089
丛书系列:
图书标签:
  • 广告设计
  • 现代广告
  • 设计经典
  • 平面设计
  • 视觉传达
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具体描述

好的,这里有一份关于一本假想的图书的详细简介,它不包含“世界现代广告设计设计经典”中的任何内容。 --- 图书名称:《光影流转:电影叙事与视觉语言的百年探索》 作者: 艾略特·范德堡 (Elliot Vanderbilt) 出版信息: 晨星文化出版社,2024年春季版 书籍概述: 《光影流转:电影叙事与视觉语言的百年探索》是一部深入剖析电影艺术发展脉络的学术专著。本书以时间为轴,系统梳理了自卢米埃尔兄弟的早期实验到当代数字影像革命以来,电影叙事结构如何演变,以及视觉语言(包括摄影机运动、场面调度、剪辑节奏和布景设计)如何随之革新与深化。本书旨在为电影学者、导演系学生以及所有热爱电影艺术的观众提供一个全面而深刻的视角,理解光影如何构建意义,声音如何塑造情感,以及镜头如何捕捉时代精神。 核心内容详述: 第一部分:默片时代的开端与形式的奠基 (1895-1927) 本部分聚焦于电影从单纯记录现实到发展出复杂叙事手法的关键时期。 视觉的萌芽: 探讨乔治·梅里爱(Georges Méliès)如何利用特效和蒙太奇(Montage)的概念,将电影从“戏法”提升至“幻觉艺术”。详细分析了《月球旅行记》等作品中对早期视觉奇观的营造。 叙事的成熟: 深入研究D.W.格里菲斯(D.W. Griffith)对平行剪辑(Cross-Cutting)和特写镜头(Close-up)的系统性运用,论证这些技术如何为现代电影语言奠定了基础。特别分析了《一个国家的诞生》中复杂叙事结构的构建及其引发的争议。 欧洲先锋派的影响: 考察了德国表现主义(German Expressionism)如何通过非自然主义的布景和光影对比来表达角色的内心世界,分析了《卡里加利博士的小屋》中对主观视角的开创性表达。同时,也分析了苏联蒙太奇学派,特别是爱森斯坦(Sergei Eisenstein)的“冲突蒙太奇”理论,及其对叙事节奏和意识形态表达的革命性影响。 第二部分:有声时代的挑战与风格的多元化 (1927-1950) 随着同期声技术的引入,电影叙事面临了新的挑战与机遇。 声音的整合: 本章探讨了从最初对有声技术的笨拙运用到如何将对话、音效和音乐有机地融入叙事结构的过程。分析了朗(Fritz Lang)在《M》中如何巧妙地利用声音的心理暗示性来塑造悬念。 好莱坞的经典模式: 详尽剖析了20世纪30年代至40年代好莱坞黄金时期的“经典叙事模式”(Classical Hollywood Narrative),包括其严谨的结构、清晰的角色弧光和对三幕剧的推崇。重点分析了奥森·威尔斯(Orson Welles)的《公民凯恩》对景深镜头(Deep Focus)和低角度拍摄的革新性运用,如何挑战并拓展了经典模式的边界。 现实主义的回响: 讨论了意大利新现实主义(Italian Neorealism)的兴起,及其如何通过在真实外景地拍摄、使用非专业演员和关注普通人的日常困境,来重塑电影对现实世界的描绘,强调了纪实美学对后世独立电影的影响。 第三部分:战后语境下的叙事解构与视觉实验 (1950-1980) 二战后的社会动荡和哲学思潮深刻地影响了电影的表达方式。 作者论的崛起: 深入探讨法国新浪潮(Nouvelle Vague)的导演,如戈达尔(Jean-Luc Godard)和特吕弗(François Truffaut),如何通过“跳切”(Jump Cuts)、即兴表演和打破第四面墙(Breaking the Fourth Wall)等手法,解构传统线性叙事,强调导演的主体性和个人风格。 类型片的革新: 分析了第五代日本导演(如小津安二郎)对家庭结构和时间流逝的静默表达,以及赫尔穆特·克劳斯(Helmut Krausser)对德国“新德国电影”中疏离美学的探索。本章还讨论了美国新好莱坞(New Hollywood)对人物道德模糊性的呈现。 视觉奇观与技术飞跃: 探讨了宽银幕、立体声的普及对电影场面调度带来的改变,以及科幻和史诗电影(如库布里克作品)中对空间感和远景镜头的极端追求。 第四部分:数字革命、后现代与全球化视野 (1980至今) 本部分关注计算机图形学(CGI)的普及和全球文化交流对电影语言带来的根本性转变。 数字时代的叙事挑战: 讨论了CGI技术如何模糊了真实与虚构的界限,以及如何利用数字后期制作来创造超越物理限制的视觉体验。分析了后现代主义叙事中对互文性(Intertextuality)和多重时间线的偏爱。 全球电影的对话: 考察了非西方电影(如香港武侠片、伊朗新电影)如何将本土文化符号与国际化的视觉技巧相结合,丰富了全球电影的表达工具箱。 沉浸式体验的未来: 展望了VR/AR技术对传统“框内”叙事模式的潜在颠覆,以及流媒体平台对观影习惯和叙事节奏长短的影响。 本书特色: 《光影流转》并非一本简单的影史回顾录,它更是一本关于“如何观看”的指南。书中包含了大量的电影截图分析、镜头运动轨迹图解,并首次引入了“视觉信息密度”模型,用以量化不同时期电影画面的信息承载量。作者凭借其深厚的电影理论功底,将复杂的剪辑理论(如“情感蒙太奇”和“逻辑蒙太奇”的区别)以清晰易懂的方式呈现给读者,确保了学术的严谨性和阅读的愉悦性。本书是理解电影艺术如何作为一种动态的、不断演进的视觉语言,来反映和塑造人类经验的权威读本。 ---

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读后感

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用户评价

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我抱着极大的兴趣去探究这本书中对于“时代精神捕捉”的论述,但坦白说,它在深入剖析特定历史背景对设计思潮的影响时,显得有些力度不足。我期待能看到更多关于战后欧洲的社会重建与美国消费主义崛起如何共同催生出不同设计流派的深度分析,比如包豪斯对功能主义的强调,是如何在不同国家被政治和经济力量重新诠释的。这本书更多地像是罗列了一系列重要的作品和设计师的成就,而关于“为什么”这些作品能够成为里程碑的内在驱动力,挖掘得不够透彻。例如,某个特定的字体选择背后是否隐藏着某种哲学观念的转变,或是某个大胆的色彩搭配是否回应了当时大众的某种集体情绪,这些深层次的文化语境的解读,似乎被轻描淡写地带过了。对于一个寻求理解设计发展脉络的深度学习者来说,这本书提供的“是什么”远多于“为什么”。

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这本书的装帧设计实在是令人眼前一亮,那种厚重却又不失精致的质感,初拿到手的时候就让人有一种“这是本好书”的预感。内页的纸张选择也十分考究,印刷的色彩饱和度很高,即便是那些跨越了半个世纪的经典作品,在当下看来依然色彩鲜明、细节毕现。我特别留意了排版布局,作者(或编者)显然在视觉平衡上下了大功夫,文字和图片的留白处理得恰到好处,没有那种信息爆炸的拥挤感,读起来非常舒心。这种对“阅读体验”本身的重视,使得翻阅过程本身就成了一种享受,仿佛在欣赏一幅精心策划的画廊展览,而不是简单地吸收知识。而且,很多跨页的大图展示,极具冲击力,让人能真切感受到当年设计师在创作时的那种大胆与创新。从纯粹的工艺角度来评价,这绝对是业界顶尖水准的范本,值得所有注重视觉呈现的从业者收藏。

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在阅读过程中,我发现这本书的叙事节奏非常跳跃,缺乏一个平滑的过渡。它似乎倾向于将不同的设计运动和风格割裂开来介绍,使得读者很难构建起一个连贯的、清晰的演变时间线。举个例子,从信息时代的早期极简主义,一下子跳跃到波普艺术对商业符号的戏仿,中间关于媒介技术革新(比如胶印技术的成熟或彩色印刷的普及)如何充当催化剂的作用,阐述得不够详尽。我希望看到更多关于风格之间如何相互继承、相互对抗的辩证关系,而不是仅仅将它们并置展示。这种碎片化的叙事方式,虽然能让每一章节的内容看起来都很“精彩”,但对于想要把握设计史宏观脉络的初学者而言,可能会感到有些迷失方向,需要读者自己耗费大量的精力去梳理它们之间潜藏的逻辑联系。

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这本书的选材范围之广,确实超出了我的预期,它不仅仅聚焦于我们熟知的那些平面海报和杂志广告,更令人惊喜的是,它囊括了大量包装设计、公共标识系统乃至早期电视广告的视觉元素分析。这让整本书的立体感增强了不少,拓宽了我对“现代广告设计”这个概念的边界认知。比如,关于工业产品说明书的版式设计那一部分,我以前从未从设计史的角度去审视过这些日常用品的视觉传达效率,书中通过几个经典的案例,清晰地展示了如何用最简洁的图形语言解决复杂的沟通问题,这种对“实用美学”的强调,非常具有启发性。这种跨媒介、跨应用领域的包容性,使得它不仅仅是一本设计师的工具书,更像是一部设计思想的通史,展现了设计如何渗透到现代生活的方方面面,并试图去影响和规范人们的行为。

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最让我欣赏的,是这本书后半部分收录的几篇关于“设计伦理与未来趋势”的专题访谈录。这些访谈对象显然是当今设计界那些具有前瞻性思维的领军人物,他们讨论的问题已经超越了纯粹的视觉技巧层面,深入到了可持续性、数据隐私以及人工智能对创意工作流程的颠覆性影响。这些对话非常大胆且具有批判性,它们没有提供标准答案,而是抛出了许多尖锐的问题,迫使读者——尤其是年轻的设计师——去重新定义“设计”在未来社会中的角色和责任。比起那些回顾历史的章节,这部分内容更具生命力和时效性,它让人意识到,设计史的撰写从未停止,我们正身处其中,而设计本身就是一个不断自我审视和迭代的动态过程。这为这本书增添了超越一般教科书的价值深度。

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