克孜尔石窟线描集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术出版社

作者:

出品人:

页数:92

译者:

出版时间:1994-11

价格:7.50元

装帧:平装

isbn号码:9787539803548

丛书系列:

图书标签:

• 壁画
• 克孜尔石窟
• 敦煌壁画
• 线描
• 艺术
• 绘画
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• 石窟艺术
• 历史
• 文化

敦煌壁画艺术赏析与技法研究 图书简介 本书聚焦于敦煌莫高窟这一世界级的佛教艺术宝库，深入剖析其跨越千年的壁画艺术演变历程、丰富的题材内容以及精湛的绘画技法。它并非简单的图录汇编，而是一部结合了历史学、宗教学、艺术史学和材料科学的综合性研究专著。 第一章：敦煌艺术的地理与历史坐标 敦煌，古称沙州，地扼丝绸之路的咽喉。本章首先勾勒出敦煌在古代中西文化交流中的独特区位优势。我们将探讨石窟开凿的历史背景——从十六国时期佛教的传入与兴盛，到北魏、西魏、北周、隋、唐、五代、宋、元乃至明清各个朝代的更迭对敦煌艺术风格产生的深刻影响。 重点分析了不同历史阶段的政治、经济、宗教氛围如何映射到壁画内容的选择和创作手法上。例如，唐代盛世气象下壁画所呈现出的恢宏大气与世俗化倾向，与早期洞窟的朴拙古拙形成鲜明对比。通过对历代碑刻、文书的考证，还原了敦煌艺术赞助人（供养人）群体的社会构成及其在艺术发展中的推动作用。 第二章：壁画内容体系的宏大叙事 敦煌壁画的内容包罗万象，是研究古代宗教信仰、社会生活和民间风俗的百科全书。本章将系统梳理和解读壁画中的核心叙事单元： 2.1 佛传与本生故事： 详细解析“佛本行集经变”、“弥勒变”等经典题材。通过对比不同朝代对同一故事的叙述方式和视觉语言，揭示佛教教义在传播过程中的本土化适应。特别关注“本生故事”中对古代印度和中原地区风俗的生动描绘。 2.2 经变画的戏剧张力： 经变画是敦煌艺术的精髓所在，它将晦涩的佛经义理转化为视觉化的宏大场景。本书重点剖析了“说法图”、“净土变”（如极乐世界、弥陀经变）的构图规律、空间处理和人物塑造。分析了唐代变相画中“叙事性”与“装饰性”的完美结合，例如《观无量寿经变》中对宫廷生活的细腻描摹。 2.3 供养人与世俗生活： 供养人画像是研究古代服饰、礼仪、建筑和生活习俗的第一手资料。本章将细致辨识不同时期供养人的服饰特征（如唐代丰腴的襦裙、五代回鹘式的装束），分析其在画面中的身份标识和等级秩序。此外，对描绘的世俗场景，如宴饮、狩猎、农耕等，进行社会学层面的解读。 2.4 装饰母题与符号系统： 敦煌壁画的装饰图案——飞天、宝相花、火焰纹、水波纹等，不仅具有强烈的装饰美感，更蕴含着丰富的文化意义。本章将追溯这些母题的艺术源流（如犍陀罗艺术、中原传统纹样），并解析它们在佛教语境下的象征意义。 第三章：技法解析：从颜料到笔触的秘密 敦煌壁画的持久生命力得益于其独特的材料和高超的绘制技巧。本章结合现代考古学和材料科学的检测成果，深入探讨敦煌壁画的制作工艺。 3.1 壁画的基底处理： 详细描述敦煌石窟的“泥墙”——基层（草泥层）、中层（灰泥层）的配方与涂抹技术。分析不同朝代对基层厚度和韧性的掌握差异，以及这对壁画保存状态的影响。 3.2 设色与颜料矿物学： 系统分类敦煌壁画所使用的矿物颜料，如铅丹（红）、石青（蓝）、孔雀石（绿）、石绿、朱砂等。通过对颜料的化学成分分析，探讨不同时期对特定颜色的偏好（例如唐代对青绿色的偏爱），以及颜料的来源（本土开采或丝绸之路输入）。 3.3 勾线与晕染的笔法： 深入剖析“白描”在线描中的应用。敦煌的线描（白描）被誉为“中国画的活化石”。本书将对比唐代“兰叶描”的圆润流畅与五代“铁线描”的劲健有力。着重分析晕染（敷彩）技法的运用，特别是“罩染法”和“平涂法”如何塑造佛像的体积感和神圣性。 3.4 晕白与破墨技法： 探讨敦煌画师在面部和衣纹处理中使用的特殊技巧，如“晕白”（提亮高光）以增强立体感，以及在某些区域出现的、类似水墨画的“破墨”或“积染”效果，揭示中原绘画技法在西域的变异与融合。 第四章：艺术风格的流变与跨文化影响 敦煌艺术的价值在于其兼收并蓄的特性。本章侧重于分析敦煌壁画风格的“交流”与“嬗变”。 4.1 犍陀罗与笈多艺术的印记： 考察早期洞窟中受印度笈多王朝和犍陀罗艺术影响的佛像造型，如“高鼻深目”、“褒衣博带”的特征，以及这些外来元素如何被本土化改造。 4.2 隋唐盛世的融合与创新： 重点分析唐代壁画如何将印度艺术的健硕、中原艺术的秀美、西域艺术的色彩大胆熔铸一炉，形成“丰满圆润、气韵生动”的盛唐气象。分析飞天形象从早期飘带的西域风格向唐代优雅、舒展姿态的转变。 4.3 晚期风格的地域性： 研究五代、宋、元时期，尤其是在西夏、吐蕃统治下的壁画所呈现出的独特面貌，包括对密宗题材的增加、人物造型趋于程式化和线条趋于瘦硬的现象。 结语：当代保护与研究的挑战 最后，本书简要探讨了敦煌壁画在当代面临的自然侵蚀、病害防治和数字化保护的紧迫性，并展望了未来敦煌艺术研究可能深入的方向。本书旨在为艺术史学者、美术研究者以及对丝绸之路文化感兴趣的读者，提供一个全面而精深的敦煌壁画艺术研究指南。

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这本《古代青铜器铭文的断代研究》对于考古学爱好者来说，无疑是一本里程碑式的著作。它完全不同于那些侧重于器物造型和纹饰的普及读物，而是专注于那些被忽视的、刻在器物内壁或底部的文字符号。作者以严谨的考据方法，对比了西周早期、中期和晚期铭文中常见词汇、句式以及某些特殊字体的演变规律，清晰地勾勒出不同历史时段的政治、军事和家族传承信息。对我这种对金文拓片有兴趣的人来说，书中提供的清晰的高清拓片对比图，简直是无价之宝。特别是关于如何根据铭文内容推断器物流向和使用者身份的案例分析，逻辑链条清晰，论证有力，让人信服。这本书要求读者具备一定的古文字基础，但即便是初学者，也能从中感受到文字作为历史活化石的震撼力量。

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这本《敦煌壁画艺术赏析》简直是一场视觉的盛宴，让我仿佛穿越回了那个辉煌的佛教艺术时代。书中的选材极其精妙，囊括了敦煌不同时期的代表性壁画，从早期的朴拙雄浑到中晚期的精细繁复，每幅作品都配有详尽的文字解读。我尤其欣赏作者对于色彩运用和线条表现力的分析，那些原本在图片上难以察觉的微妙之处，通过文字的引导变得清晰可见。例如，对飞天形象的刻画，书中不仅展示了她们曼妙的舞姿，更深入探讨了不同朝代对“天人合一”理解的演变，让人在欣赏美的同时，也能感受到深厚的文化底蕴。装帧设计也十分考究，纸张的质感和印刷的清晰度，都极大地提升了阅读体验，即便是那些色彩斑斓的场景，也最大限度地还原了原作的细腻层次。这不仅仅是一本画册，更像是一部关于敦煌佛教艺术精神流变的深度研究报告，非常值得反复品味。

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我最近迷上了一套关于中国传统服饰图案的研究丛书，这本《明清锦缎纹样精粹》就是其中之一。它聚焦于那个时期贵族服饰上那些极其复杂的织物纹样，详尽地描绘了“万字纹”、“卍字不到头”以及各种吉祥动植物图案的结构和寓意。书中的插图精度高得惊人，很多细节即便是原件实物也难以看得如此透彻。作者没有停留在简单的图谱展示，而是将纹样与当时的社会等级、礼仪制度紧密结合起来解读，比如某一特定龙纹的爪数代表的身份差异，或是特定花卉在不同场合下的象征意义。这对于我进行传统手工艺的复原工作来说，提供了极其宝贵的参考资料。翻阅时，我能想象出当年织工们在织机前，如何一针一线地将这些蕴含了美好祝愿和森严秩序的图案编织进华贵的锦缎之中，那种对工艺的敬畏感油然而生。

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说实话，我买这本《宋代山水画的意境探微》时，原本是抱着试一试的心态，因为我对宋代文人画的理解一直停留在“留白”这个概念上。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它巧妙地将哲学思想——特别是宋代理学对“虚实相生”的探讨——融入到对画作的分析中。作者对李唐、范宽等大师作品的解析，不是单纯地描述“树如何画、山如何皴”，而是深入探讨了画家如何在有限的宣纸上构建一个无限的精神世界。书中用了大量篇幅来分析“气”的流动，如何通过墨色的浓淡干湿变化来体现宇宙的呼吸和生命的张力。阅读过程中，我常常需要停下来，看着书中的图例，试着去感受那种“可游、可居、可赏”的立体空间感，它迫使我放慢呼吸，真正进入到画家的心境中去体会那种淡泊而深沉的审美追求。

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我一直觉得中国传统戏曲的脸谱是极具视觉冲击力的艺术形式，而这本《京剧人物脸谱的色彩心理学》则提供了一个全新的、科学的解读视角。它没有过多叙述脸谱的绘制步骤，而是将每种色彩——红、黑、白、蓝、金、银——与其所代表的性格特质（如忠诚、奸诈、刚烈、多疑）进行系统的对应分析，并辅以大量的经典剧目角色案例。例如，书中详细对比了“张飞”和“曹操”脸谱中红色和白色的比例和分布，解释了这种视觉差异如何引导观众在潜意识中快速建立对角色的情感预判。更妙的是，作者还探讨了在不同历史时期，这种色彩符号的社会接受度变化，展现了艺术符号的动态演进过程。阅读后，下次再看戏时，眼神会不自觉地被那些色彩所吸引，理解远比单纯的“好人坏人”划分要深刻得多。

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