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出版者:浙江人民美术出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-01

价格:19.50

装帧:平装

isbn号码:9787534006005

丛书系列:

图书标签:

• 时装广告
• 时尚广告
• 广告设计
• 时装史
• 视觉文化
• 平面设计
• 流行文化
• 品牌营销
• 艺术设计
• 图像传播
• 文化研究

《都市霓虹下的衣橱变迁：二十世纪都市女性服饰流变考》 书籍简介 本书深入剖析了二十世纪以来，随着城市化进程的加速与社会结构的深刻变革，西方乃至全球都市女性服饰风格所经历的波澜壮阔的演变历程。它并非一部单纯的服饰图册，而是一部融合了社会学、历史学、性别研究以及艺术史视角的宏大叙事，旨在揭示服装作为一种无声的语言，如何记录、反映并推动了女性身份的重塑与解放。 全书以时间为轴线，辅以城市空间的地理变化为参照，将二十世纪划分为数个关键的服饰“断代史”。从二十世纪初“新艺术运动”影响下的优雅束腰到一战后“摩登女性”对自由剪裁的渴望；从咆哮的二十年代的短裙与波波头，到大萧条时期服饰的内敛与实用主义；再到二战期间军装风格对女性力量的强调，直至战后“新风貌”（New Look）对传统女性气质的回归与挑战，每一步转型都与宏观历史事件紧密交织。 第一部分：旧秩序的崩塌与新身份的萌芽（1900-1929） 本部分聚焦于爱德华七世时代末期至爵士时代的剧变。我们首先考察了十九世纪末维多利亚时代遗留下来的繁复与禁锢，分析了波斯奈特（Poiret）等设计先驱如何通过解放女性的腰线，象征性地挑战了僵化的社会规范。一战的爆发成为一个关键的催化剂，女性大规模进入工厂与公共领域，促使功能性服装的兴起，如更短的裙摆和更实用的套装。 随后的二十年代，美国与欧洲的“都市摩登”概念达到高潮。本书详尽描绘了“Flapper”文化的兴起——她们对爵士乐的热爱、对烟酒的接纳，以及最为显著的服饰特征：低腰线、箱型剪裁、对直线美学的偏爱。我们深入分析了香奈儿（Chanel）如何以平纹针织面料、小黑裙等单品，成功地将“轻松奢华”的概念植入都市精英阶层，使服装从“装饰”转变为表达独立精神的工具。 第二部分：经济低谷、战争阴影与实用主义的胜利（1930-1945） 本章探讨了经济大萧条对服饰美学的影响。消费能力的下降迫使设计趋向于更修长、更注重面料垂感的剪裁，强调“优雅的节俭”。好莱坞电影工业在这一时期扮演了至关重要的角色，它输出了一种逃避现实的魅力，如斯卡拉（Schiapparelli）的超现实主义设计，为相对沉闷的年代增添了艺术色彩。 二战的爆发则使时尚进入了绝对的实用主义时期。各国政府实施了布料配给制度，这直接导致了裙长标准化、肩部加垫、以及军装元素的广泛渗透。我们探讨了这种“战时时尚”如何不仅是物资短缺的产物，更是女性作为社会生产力核心参与者的形象投射。美国设计师如克莱因（Claire McCardell）开始倡导“美式运动风”，强调服装的舒适性与多功能性，为战后休闲装的兴起埋下了伏笔。 第三部分：回归与反叛：战后消费主义与青年文化（1946-1970） 战后，以迪奥（Dior）“新风貌”为代表的对奢华与极致女性化的回归，成为对战时实用主义的强烈反弹。本书分析了这种现象背后的心理需求——渴望稳定与重建传统家庭价值观。然而，这种主流审美很快遭到了新兴青年文化的挑战。 五十年代末到六十年代初，随着战后婴儿潮一代进入成年，都市不再是老一代的专属领地。迷你裙的出现被视为一场彻底的社会革命，它不仅仅是裙子变短了，更是对既定道德标准和父权制审美的公开挑战。我们详细分析了伦敦“青年文化”中心——卡纳比街（Carnaby Street）的崛起，以及马里切拉（Mary Quant）如何将设计民主化，使时尚的创造力从高级定制沙龙流向街头。非主流服饰如太空时代（Space Age）美学，预示着科技乐观主义对未来形态的想象。 第四部分：多元化、解构与全球化的浪潮（1971-2000） 最后一部分聚焦于时尚进入“后现代”阶段的复杂性。七十年代，女性解放运动（第二波女权主义）的深化，使得“权力套装”（Power Suit）成为职场女性的标志，模糊了传统性别界限。波西米亚风格、迪斯科的闪耀与朋克的粗粝并存，标志着“不再有单一的主流时尚”。 八十年代，华尔街文化与强势女性形象相结合，宽肩、亮色和Logo崇拜构成了“极繁主义”的视觉符号。紧接着，九十年代的“反时尚”运动，以极简主义和颓废美学（Grunge）对前一个十年的过度消费进行了批判性反思。本书着重探讨了全球化背景下，服装生产链条的拉长如何影响了“快时尚”的雏形，以及都市设计如何开始吸收来自亚洲、非洲等地的非西方元素，使二十世纪的服饰史以一种前所未有的多元面貌收官。 结语：空间、身体与社会代码 全书的最终论点在于，都市环境（无论是巴黎的沙龙、纽约的华尔街还是伦敦的街头）一直是服饰创新的孵化器。服装的每一次改变，都是女性在特定历史时刻，对其所处社会空间和身体自主权进行谈判的结果。本书为读者提供了一个观察现代性如何通过“穿戴”这一日常行为得以具体体现的深刻视角。

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坦白讲，我原本以为《世界时装广告》会是一本充满异域风情和文化碰撞的视觉盛宴。毕竟“世界”二字，意味着跨越国界、融合多元文化的可能性。我设想中，这本书应该会有一块专门介绍日本原宿街头文化的夸张表达如何影响了欧美高级时装的配饰设计，或者探讨中东地区对于色彩和奢华的独特理解如何被西方品牌所借鉴和再创造。然而，翻开书本，我发现它更像是对北美和西欧市场几十年间主流广告策略的编年史。叙述逻辑清晰，时间线索完整，从二战后的‘新面貌’（New Look）如何通过报纸广告迅速普及，到七十年代的个人主义兴起，再到九十年代的‘反时尚’（Anti-Fashion）浪潮的商业化，内容详实得近乎枯燥。书中对非西方市场的讨论，往往只是作为对西方主体叙事的一种补充，缺乏真正的深入剖析和文化平等视角。举例来说，对于中国市场潜力的分析，也多是基于西方品牌进入该市场的营销报告，而不是本土创意力量的崛起。这种以欧美为中心的叙事结构，使得“世界”这个词汇显得有些名不副实，更像是一个披着全球化外衣的区域研究报告，让期待多元文化的读者感到略微的失落。

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这本《世界时装广告》的书名听起来就充满了迷人的光影和光怪陆离的想象空间，我原本期待它能像翻开一本高级定制的时尚杂志，每一页都闪耀着历史的沉淀与当代的张力。然而，真正翻阅后，我发现它更像是一部厚重的学术论文集，或者说是一本关于市场营销策略的教科书，而非我预想中那种充满视觉冲击力的艺术画册。书中对广告媒介的演变、目标受众的心理分析、以及不同地区文化背景下品牌定位的细微差异，进行了极其详尽的梳理和论证。比如，有一章专门探讨了上世纪八十年代日本泡沫经济时期，奢侈品牌如何利用极简主义和符号学来重塑其在西方消费者心中的高端形象，分析深入到每一个设计元素背后的商业逻辑。读到这里，我不得不承认作者的专业性毋庸置疑，他对数据和案例的引用非常扎实，但对于一个纯粹热爱时装美学的人来说，这种过于理性的解构，无疑是抽离了服装本身那份转瞬即逝的、感性的魅力。我更希望看到的是那些被载入史册的经典广告大片背后的创意火花，是摄影师与缪斯之间灵光乍现的瞬间，而不是洋洋洒洒的SWOT分析和市场占有率图表。这本书的知识密度非常高，需要读者具备一定的商业背景知识才能完全消化，对于仅仅想领略时尚光芒的读者来说，可能会感到有些枯燥和晦涩难懂。

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我本来希望《世界时装广告》能像一部精心策划的时装展目录，里面收录了那些引领潮流、定义时代的创意作品。我期望能看到不同年代设计师如何通过广告来确立自己的艺术宣言，比如YSL如何用中性化服饰挑战性别规范，或者Versace如何将希腊神话的奢华感直接投射到杂志页面上。然而，这本书的重点似乎全然不在于“展示”和“欣赏”这些伟大的作品本身。它更像是一个广告“制作流程”的内部手册。书中花了很多笔墨描述从创意简报（Brief）的撰写、预算的分配、模特选角的标准（例如，对特定种族比例的硬性要求），到后期制作中对于图像版权和道德审查的流程。这些内容对于想进入广告行业内部工作的人来说，或许具有操作层面的价值。但对于一个对时尚视觉艺术抱有浪漫情怀的旁观者而言，这本书将光鲜亮丽的“结果”——那些出现在街头巷尾的精美广告——还原成了乏味的“过程”。它拆解了魔法的结构，却没能留下任何魔法的余韵，让人在读完后，对广告艺术的敬畏感，被对复杂流程的疲惫感所取代。

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拿到这本厚实的《世界时装广告》，我最初的冲动是寻找那些令人过目难忘的、具有颠覆性的视觉叙事。我期待的是能够重温像Avedon镜头下那些充满戏剧张力的瞬间，或是Helmut Newton作品中那种游走在边缘的性感与权力游戏。但这本书的侧重点似乎完全跑偏了，它更像是一部关于“传播学如何服务于时尚产业”的工具书。内容大多聚焦于广告的结构、投放渠道的变迁，以及法律法规对“美”的界定是如何影响创意边界的。书中花了大量篇幅讨论社交媒体兴起后，传统平面广告的衰落，并详细对比了InstagramStories与传统杂志插页在用户停留时间和转化率上的差异。我甚至看到了一份关于“可持续时尚”运动中，品牌如何利用‘绿色清洗’（Greenwashing）进行公关策略调整的案例分析。这种对商业操作层面的深度挖掘，虽然展现了作者对行业运作机制的深刻理解，却让我感觉自己像是被拉进了一间高层的董事会议室，而不是置身于光鲜亮丽的T台后台。那些充满诗意、能够引发大众情感共鸣的视觉语言，在这本书里被分解成了可量化的KPI和可预测的行为模型，实在是大大削弱了时装广告本该具备的那种令人心驰神往的魔力。

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这本书的文笔，说实话，与它所描绘的主题——时装广告——那种追求极致美感和简洁有力的风格形成了鲜明的对比。它的语言风格极其学术化，充满了大量的专有名词和复杂的句式结构，仿佛是为了通过某个严格的学术评审委员会。例如，书中在讨论‘后现代主义对品牌认同的解构’时，使用了诸如‘能指与所指的能动性漂移’、‘符号消费的异化逻辑’这类晦涩的术语，读者需要频繁地查阅注释才能跟上作者的思路。这种写作方式，无疑会筛选掉大部分非专业人士。我期待的，是那种能够用一句精炼的口号就抓住人心的广告文案的魅力，这本书却用了一整页的篇幅去剖析一句广告语背后的社会学意义。如果你想了解广告界如何进行学术研究，这本绝对是宝藏；但如果你只是想沉浸在那些由顶级创意人打造的、令人惊叹的、用最少的文字表达最多情感的时尚画面中，这本书的阅读体验更像是啃一块干燥但营养丰富的全麦面包，你需要极大的毅力才能将其吞咽下去。

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