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出版者:复旦大学出版社

作者:赫伯特.泽特尔(美)

出品人:

页数:348

译者:陈犀禾

出版时间:1998-09

价格:33.00元

装帧:平装

isbn号码:9787309021004

丛书系列:

图书标签:

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• 后期制作
• 摄像技术
• 灯光音响
• 编导技巧

影视叙事与剧本结构深度解析 本书旨在为志在深入理解影视叙事精髓与剧本结构底层逻辑的创作者提供一套系统、严谨且富有洞察力的理论框架与实践指导。 它不是一部关于设备操作或拍摄流程的实用手册，而是一部专注于“故事如何被讲述”的理论探源与结构解构之作。 本书从人类叙事学的源头出发，探讨了故事作为一种信息载体和情感连接器的本质。我们首先将镜头拉回到古代神话、民间传说乃至早期的戏剧形式，分析这些经典叙事模式中蕴含的普世人性主题和情节驱动力。这部分内容将深入剖析“英雄之旅”等经典框架的变体与局限性，强调其作为一种可供参考的蓝图，而非僵硬的教条。 第一章：叙事底层逻辑的构建 本章的核心在于挖掘故事的“骨架”——驱动情节向前发展的内在机制。我们将细致拆解“冲突”的层次性：外在冲突（人物与环境、人物与人物的对抗）与内在冲突（人物自我认知的挣扎与道德困境）。特别地，本书会用大量篇幅讨论“主题（Theme）”在剧本中的隐形作用。主题并非一句口号，而是故事所有元素最终要汇聚的意义焦点。如何通过人物的选择、环境的设置以及情节的转折，将抽象的主题具象化为观众可感知的体验，是本章探讨的重点。 我们还将探讨“语境”对叙事的影响力。一个事件的意义完全取决于其所处的叙事环境。书中将引入叙事学中的“焦点”（Focalization）概念，区分何为“人称视角”（如第一人称、第三人称全知）与“焦点视角”（谁在观察和感知事件），以及这些选择对观众情感投入的精确调控。 第二章：经典剧本结构的解构与重塑 本书对传统三幕剧结构进行批判性继承。我们不满足于简单地划分“开端、发展、高潮”，而是深入探究每一幕内部承载的“情节点（Plot Points）”在结构力学上的精确功能。例如，第一幕末的“激励事件”如何不可逆转地将主角推入新的世界；第二幕中段的“中点（Midpoint）”如何从根本上改变主角的策略或认知，而非仅仅增加一个事件。 针对当代影视作品越来越复杂的叙事需求，本章引入了“非线性叙事”的结构分析工具。我们研究“闪回/闪前”、“嵌套故事”（Story-within-a-story）以及多线叙事（Multiple Storylines）的有效运用。如何在一个复杂的时间线上保持观众的清晰度与情感连接，需要精密的“时间锚点”设计。本书将提供一套分析工具，帮助作者识别并修复多线叙事中常见的“平衡失调”问题，确保所有支线最终能有效地服务于主线的主题表达。 第三章：人物塑造：行动、动机与弧光 人物是承载故事的容器。本章拒绝空泛地描述人物性格标签，而着重于“人物的行动逻辑”。一个真实可信的角色，其所有行为都必须根植于其内在的恐惧、欲望和核心信念。我们将分析“人物需求”（Want）与“人物真相”（Need）之间的张力如何构建角色的成长或堕落。 “人物弧光（Character Arc）”的构建被视为剧本结构中最微妙的部分。我们区分“积极弧光”（成长与自我发现）、“消极弧光”（堕落与幻灭）以及“扁平弧光”（作为催化剂稳定故事核心）。书中会通过对大量经典角色的案例分析，展示如何通过一系列具有“代价”的艰难抉择，自然而然地导演出角色的转变，而非生硬的台词宣告。 此外，本章也详细讨论了“对立角色”（Antagonist）的复杂性。一个优秀的对立面不应是纯粹的邪恶符号，而应是主角“需求”的另一种极端体现，他们的存在是为了挑战主角的核心信念系统。 第四章：场景构建与节奏控制 场景是故事发生的最小单元，但其设计至关重要。本章侧重于“场景的内在目标（Scene Objective）”。每一个场景都必须包含一个清晰的意图：推进情节、揭示人物或深化主题。我们将分析如何设计场景的“开端、冲突、转折/结果”的微观结构。 “节奏（Pacing）”被视为叙事的呼吸。本书探讨了如何通过场景的长度、对话的密度、动作场面的频率以及信息揭示的速率来精确控制观众的情绪体验。高潮前的“慢炖”如何积蓄张力，而关键转折后的“爆发”如何做到水到渠成。我们不会涉及剪辑技巧，而是专注于如何通过剧本文字本身，预设出精确的节奏感。 第五章：类型片叙事的潜规则与创新 不同影视类型（如惊悚、喜剧、科幻、浪漫）拥有其约定俗成的“观众契约”。本章将深入剖析这些类型背后的叙事惯例。例如，惊悚片对“信息不对称”的运用，喜剧片对“预期违背”的依赖。 然而，本书强调创新的必要性。我们探讨如何“解构”既有的类型框架，通过将A类型的情节驱动力植入B类型的背景设定中，创造出既熟悉又耳目一新的叙事体验。这要求作者对类型学的核心机制了如指掌，方能进行有效的颠覆与融合。 结语：写作的纪律与远见 最后，本书总结了剧本创作的内在纪律——保持对故事逻辑的一致性、对人物动机的忠诚度，以及对最终主题的敬畏心。它鼓励创作者超越单纯的“情节堆砌”，追求一种能与观众建立深刻情感共鸣的、结构严谨的叙事艺术。本书是一份邀请，邀请读者进入叙事艺术的深水区，打磨讲述故事的能力。

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这本书不仅仅是关于“怎么做”，更重要的是关于“为什么这么做”。在内容策划的部分，作者深入探讨了观众心理学在电视节目制作中的重要性。他分析了不同年龄层、不同兴趣群体的观众的收视习惯和偏好，以及如何通过精准的定位和内容设计来吸引和留住他们。这种对观众需求的深入洞察，让我意识到电视制作并非是单方面的输出，而是一个与观众互动、满足观众需求的过程。我还对书中关于节目节奏的控制印象深刻，作者用生动的比喻解释了如何通过剪辑、音乐和画面的切换来把握节目的整体步调，避免冗长或仓促。这让我明白了为什么有些节目看下去总是让人欲罢不能，而有些则让人昏昏欲睡，原来节奏感在其中扮演了如此关键的角色。

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这本书对于音频的重要性也有着非常细致的阐述。我之前总觉得电视制作的重点在于画面，但这本书让我意识到，声音同样是不可或缺的关键要素。作者详细介绍了同期录音、后期配音、音效设计以及背景音乐在电视节目中的作用，并提供了许多实用的技巧和建议。他解释了如何通过声音来烘托气氛，如何通过音效来增强画面的冲击力，以及如何通过背景音乐来引导观众的情绪。我特别喜欢关于声音设计的章节，作者用具体的案例说明了，即使是细微的声音，比如角色呼吸声、脚步声，都能为节目增添不少真实感和感染力。这让我对电视制作的每一个细节都充满了敬意。

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阅读过程中，我发现作者非常注重理论与实践的结合。书中穿插了大量的电视节目制作的真实案例，这些案例涵盖了不同类型、不同风格的节目，从新闻报道到综艺娱乐，再到纪录片和电视剧。作者通过对这些案例的剖析，详细讲解了在实际制作过程中所遇到的问题以及解决方案，让我能够更直观地理解书中的理论知识。我特别喜欢关于纪录片拍摄的案例，作者分享了如何在有限的资源下，捕捉真实的瞬间，并如何通过剪辑来构建引人入胜的故事。这部分内容让我对纪实影像的魅力有了全新的认识。

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后期制作的部分，无疑是这本书中最具技术含量的部分之一，但作者的讲解方式却依然保持了清晰和易懂。他详细介绍了剪辑软件的操作基础，以及各种剪辑技巧的应用，例如转场、变速、色彩校正等等。我通过这本书，对“精剪细剪”有了更直观的认识，原来每一个镜头的插入时机，每一个音效的叠加顺序，都经过了精密的计算和反复的打磨。书中还提到了视觉特效（VFX）和动画在电视制作中的应用，虽然这部分内容更多是介绍性的，但足以让我对这些神奇的视觉效果背后所付出的努力有了初步的了解。这让我更加珍惜那些在屏幕上呈现的，看似轻而易举的精彩瞬间。

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总而言之，这本书是一本非常全面且深入浅出的电视制作入门指南。它不仅仅是技术手册，更是一本关于电视语言、叙事艺术、观众心理和团队协作的综合性教材。我从中学到了很多宝贵的知识和经验，也激发了我对电视制作领域更浓厚的兴趣。无论你是对电视制作充满好奇的初学者，还是希望系统学习相关知识的从业者，这本书都值得你仔细阅读和深入研究。它会帮助你从一个单纯的电视观众，转变为一个能够理解和欣赏电视制作背后复杂流程的内行。我强烈推荐这本书给所有对电视制作感兴趣的朋友们。

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在谈论到叙事结构时，这本书的深度和广度都让我感到惊喜。作者并没有局限于传统的线性叙事，而是详细介绍了多种非线性叙事手法，以及它们在不同类型电视节目中的应用。比如，蒙太奇的运用，如何通过镜头的快速切换来营造紧张感，或者如何通过不同场景的并置来形成对比和反讽。这些内容极大地拓宽了我对电视叙事的理解。此外，书中对角色塑造的探讨也十分到位，作者分析了如何通过对话、行为和背景故事来塑造立体丰满的人物形象，并强调了真实性和共鸣感在角色吸引力中的重要作用。这让我明白，优秀的电视节目不仅仅是情节的堆砌，更是通过鲜活的人物来触动观众的心灵。

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这本书的封面设计就透露着一种沉稳而专业的基调，简洁明了的书名“电视制作基础”仿佛一股清流，瞬间就能吸引到我对这个领域的好奇。我一直对幕后的故事充满向往，总觉得电视节目从一个想法变成荧幕上的精彩呈现，中间一定经历了许多不可思议的流程。翻开第一页，作者的开篇语就点明了本书的核心——并非仅仅是技术指导，更是对电视制作全貌的梳理，从策划、拍摄到后期剪辑，每一个环节都像是精密的齿轮，共同驱动着整个机器的运转。我特别喜欢作者在介绍前期策划时，那种循序渐进的讲解方式，他并没有上来就抛出复杂的理论，而是先从一个观众的角度，去剖析一个成功电视节目需要具备哪些要素，比如引人入胜的叙事、鲜明的人物设定，以及如何在高压环境下保持创意。这种以终为始的思考方式，让我立刻就能理解为何看似简单的节目背后，隐藏着如此多的思考和考量。

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这本书还有一个令我印象深刻的地方，就是作者对于电视节目传播和观众反馈的重视。他不仅仅是专注于制作过程，还探讨了电视节目如何有效地触达目标受众，以及如何通过观众的反馈来改进节目。作者分析了不同传播渠道的特点，例如传统电视、网络平台等，以及如何在不同的平台上进行内容的优化和推广。他还提到了数据分析在节目优化中的作用，例如观众的收视率、观看时长、互动数据等等，这些都为节目制作提供了宝贵的参考。这让我意识到，一档成功的电视节目，最终还是要回到观众身上，能否赢得观众的喜爱才是衡量其价值的重要标准。

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不得不说，这本书在技术层面的讲解丝毫不含糊，却又用非常易于理解的语言呈现出来。我尤其欣赏作者对于镜头语言的阐释，他不仅仅是告诉我们“应该用什么镜头”，更是深入剖析了不同景别、不同角度的镜头所能传达的情感和信息。比如，一个特写镜头如何放大人物的内心活动，一个全景镜头如何展现宏大的场景，这些都让我对“画面会说话”有了更深刻的体会。书中还配有大量的图示和案例分析，让我能够将抽象的理论与具体的实践相结合。我反复研读了关于灯光设计的章节，作者细致地讲解了不同光源的特性、色彩的运用，以及如何通过布光来营造氛围和引导观众的注意力。这部分内容对于我这样对光影艺术充满好奇的人来说，简直是如获至宝，让我开始重新审视那些在电视屏幕上闪耀的光芒，它们背后原来是如此精妙的设计。

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书中关于团队协作和项目管理的章节，则让我看到了电视制作背后所蕴含的强大执行力。作者强调了在快节奏的电视制作环境中，清晰的分工、高效的沟通和紧密的配合是至关重要的。他分析了不同岗位之间的协作关系，例如导演、摄像师、灯光师、录音师、剪辑师等，是如何紧密配合，共同完成项目的。我还对书中关于危机处理的讨论印象深刻，在电视制作过程中，总会遇到各种突发状况，学会如何冷静应对，找到解决方案，是每个制作团队都需要具备的能力。这种对项目整体运作的剖析，让我对电视制作团队的专业素养有了更深的认识。

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