潘天寿研究 第二集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:中国美术学院出版社

作者:

出品人:

页数:472

译者:

出版时间:1997-03

价格:29.00

装帧:平装

isbn号码:9787810195980

丛书系列:

图书标签:

• 潘天寿
• 中国美术史
• 艺术史
• 书画
• 绘画
• 篆刻
• 艺术理论
• 美术研究
• 文化艺术
• 艺术传记

翰墨丹青觅知音：中国近现代艺术史料选读与鉴赏 图书信息： 本书并非《潘天寿研究 第二集》，而是专注于中国近现代（大致涵盖1840年至20世纪末）视觉艺术、书画理论及艺术社会史脉络的深度考察与史料梳理。 内容概述： 《翰墨丹青觅知音》是一部旨在为艺术史研究者、资深爱好者乃至专业策展人提供坚实文献基础与多维分析视角的学术专著。本书突破单一艺术家个案研究的局限，致力于构建一个宏大而精微的中国近现代艺术图景，着重探讨在剧烈社会变革背景下，传统艺术如何应对“西风东渐”的挑战，并最终实现自我转型与现代性重塑的过程。全书约1500页，分为六大部分，辅以大量的图像、档案资料及外文译注。 --- 第一部分：晚清图式与“三千年未有之大变局”的艺术回应（约300页） 本部分聚焦于19世纪后半叶至辛亥革命前夕的艺术生态。核心议题是“中西之辨”在视觉文化领域的早期体现。 1. 传统士人画的“保守”与“革新”： 详细分析了清末遗民画家和早期学院派在面临西方透视学、解剖学冲击时的复杂心态。我们梳理了包括“四王”余绪在不同地域的延续情况，并对比了如吴昌硕等海派巨匠如何将金石入画，通过对“古意”的极端强调来抵御外来影响的文化策略。重点剖析了其作品中蕴含的民族情绪与文人阶层的身份焦虑。 2. 图像与宣传的兴起： 考察了印刷术普及对民间美术和政治宣传画的影响。本书收录并分析了大量晚清的年画、牌匾、以及早期刊物（如《点石斋画报》）中的图像叙事。研究了这些图像如何建构新的“中国形象”以适应内政外交的需求，以及它们对传统“笔墨”观念的侵蚀与重塑。 3. 早期美术教育机构的萌芽： 详细考察了洋务运动时期设立的工艺学堂、图画讲习所的早期章程和教学大纲。通过比较分析京师同文馆、上海格致书院等机构的课程设置，揭示了官方对“实用艺术”与“国画”教育权衡的早期探索。 --- 第二部分：民国画坛的“双轨制”与学院派的建立（约350页） 第二部分集中探讨民国时期，中国艺术教育体系的正式建立，以及由此产生的两条并行不悖的艺术道路。 1. 官办教育的定型：中央大学与国立艺专的奠基： 本书投入巨大篇幅考察了蔡元培主导的北京大学艺术科、以及杭州艺专（后来的国美）的创立历程。我们不仅仅是罗列师资名录，更深入剖析了其“中西兼授”的教育理念在实际操作中的张力。引用了大量早期教授的信件和教学大纲，探讨诸如徐悲鸿的写实主义、林风眠的中西融合路径，以及他们如何试图在“教条主义”与“自由散漫”之间寻求平衡。 2. 画学研究会与传统派的坚守： 与学院派的现代性探索形成鲜明对比的是，一批坚守文人画传统的团体和学者。本节梳理了“中国画学研究会”的文献，分析了其对“笔墨当随时代”口号的抵制，以及他们对“古法”在现代语境下意义的重新阐释。重点分析了其在审美趣味上对元明清经典的回归倾向。 3. 艺术理论的本土化与引介： 详细梳理了中国艺术理论史上重要的翻译工作，例如对英国艺术评论家约翰·拉斯金、德国美学家黑格尔等人的早期译介。探讨了这些西方理论如何被本土化吸收，用以解释和合理化中国自身的艺术实践，而非简单地模仿。 --- 第三部分：抗战时期的艺术流散与精神图腾（约250页） 本部分着眼于战争对艺术生态的结构性影响，关注艺术家的迁徙、艺术材料的短缺，以及艺术如何承载国家民族的集体记忆。 1. 艺术家的西南大后方迁移： 通过地理信息系统（GIS）辅助分析，展示了抗战时期，艺术院校和画家具乐部从南京、北平等地向重庆、成都、昆明一带的迁移路径。研究了迁徙对地域艺术风格的影响，例如“西南少数民族题材”的兴起。 2. 艺术的政治动员：宣传画与民间动员： 考察了战时政府如何利用新兴的漫画和木刻运动作为宣传工具。收录了大量鲜为人知的抗日主题宣传画，分析其图像语言如何简化复杂的主题，以实现最大范围的社会动员。 3. 战后对“传统复兴”的呼唤： 分析了抗战胜利后，围绕“如何重建文化自信”展开的艺术思潮。探讨了部分老一辈画家在回归故土后，对战时“实用艺术”的反思，以及对“纯粹艺术”价值的重新强调。 --- 第四部分：新中国成立初期的“为人民服务”转向（约300页） 本部分是关于国家意识形态确立对艺术实践的决定性影响，以及传统国画如何被纳入新的政治框架。 1. 1949年前后的清洗与整合： 详细梳理了1950年代初期，对被认定为“封建残余”或“资产阶级唯美主义”艺术家的改造过程。分析了“三反五反”运动对艺术品市场的冲击，以及大量私人收藏的流散与登记情况。 2. 社会主义现实主义的中国语境： 研究了中国共产党如何借鉴苏联的艺术经验，并将其“本土化”为具有中国特色的现实主义。重点分析了“国画”这一门类如何被要求“改革”，以便更好地描绘“工农兵”形象，如“山水人物相结合”的探索。收录了大量早期水墨人物画的案例研究。 3. 1950年代的写生与写实传统： 对比分析了早期美术学院的写生教学与传统中国画教学的融合尝试。探讨了油画对中国画色彩和光影观念带来的长期影响，这一影响甚至渗透到后来水墨实践的用笔和皴法之中。 --- 第五部分：文革前夜的艺术“断裂”与“熔炉”效应（约150页） 本部分考察了1957年至1966年间，艺术领域的思想控制如何加剧，以及传统艺术面对的空前压力。 1. “向资产阶级唯美主义开战”： 分析了1950年代末期，对某些被认为是“脱离群众”的艺术风格（如徐悲鸿的早期人物画部分风格、某些抽象倾向的探索）的批判。研究了“大跃进”时期艺术作品中夸张、变形的视觉语言，探讨其与传统民间艺术的复杂关系。 2. 传统题材的“革命化”： 考察了传统题材（如花鸟、山水）如何在意识形态的指导下被“革命化”。例如，牡丹被赋予了“革命红花”的意义，山水画的意境被改造为展现“祖国富饶的社会主义建设图景”。 --- 第六部分：艺术史写作的变迁与史料的再发现（约100页） 本书的收尾部分回归到艺术史的“方法论”层面。 1. 建国后艺术史著述的范式转移： 梳理了建国后艺术史教学和研究的主要采用的马克思主义唯物史观的框架，以及其对传统“士人精英史观”的颠覆与重构。探讨了这种新范式下，某些艺术流派和艺术家（如被贴上“资产阶级”标签的）如何被边缘化或重写。 2. 档案与物证的再评估： 本书强调了对原始文献的重视。本章提供了大量未曾充分利用的拍卖记录、私人信函、早年期刊的影印件，鼓励读者超越既有的官方叙事，重新审视近现代中国艺术的复杂面貌。 --- 结语： 《翰墨丹青觅知音》意在提供一个结构化的、证据充分的知识体系，帮助读者理解近现代中国艺术是如何在“继承”与“革命”的两极拉扯中，完成了其艰难而深刻的“现代性”蜕变。本书力求以严谨的史料考据和敏锐的文化洞察，为理解当代中国艺术的根源提供必要的历史纵深感。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度令人印象深刻，它绝非泛泛而谈的艺术家传记，而是一次对潘天寿艺术思想核心的深层挖掘。作者在梳理潘先生的早年经历时，并没有停留在生平事迹的罗列，而是敏锐地捕捉到了那个时代背景下，他如何在中西绘画的碰撞中，艰难地寻找出一条属于自己的“骨法用笔”之路。尤其是关于他如何理解和改造传统花鸟画与山水画的论述，逻辑链条异常清晰有力，引用的文献资料旁征博引，让人不得不佩服研究者的功力。书中对“一画论”的阐释，更是独树一帜，作者并未简单复述潘先生的理论，而是结合具体的作品案例，层层剖析了“形、意、法、韵”在实践中是如何融为一体的，读起来酣畅淋漓，仿佛作者就是潘先生的知音，对其创作心境洞若观火。对于任何想深入了解中国近现代艺术史，特别是想破解潘天寿独特的艺术语言体系的读者来说，这本书无疑提供了一把极其锋利的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，更像是一场与历史细节的亲密对话。它在处理史料的严谨性上，做到了极致的考据。书中关于潘天寿在二十年代赴日学习期间的活动记录，以及他在艺术院校任教期间与同事、学生之间的交往细节，都有非常详实的记载。这些细节的还原，让潘天寿不再是高高在上的艺术大师形象，而是一个有血有肉、在特定历史洪流中坚守艺术信念的知识分子。举个例子，书中提到他如何艰难地在日伪统治时期保护自己收藏的古代书画，那种沉着与机敏，让人动容。此外，作者对一些重要展览和画作流传的考证工作也做得非常到位，对于那些过去学界争论不休的日期和归属问题，都给出了令人信服的佐证。这种对“人”和“事”的细致入微的打磨，极大地增强了作品的说服力和可读性，让读者能够更立体、更真实地走进那位艺术家的内心世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得非常高明，它并没有采用那种平铺直叙的编年体叙事，而是巧妙地将理论探讨与作品分析交织在一起，使得阅读体验张弛有度。在论述到潘先生艺术理念成熟的时期，文字的密度和抽象程度会自然提升，要求读者集中精力去理解那些深奥的哲学和美学观点；而在分析如《听泉图》这类标志性作品时，笔触又变得细腻而富有画面感，仿佛引导读者站在画前，逐笔去感受墨色的浓淡干湿。这种文风上的灵活转换，极大地避免了纯学术论著容易产生的枯燥感。特别是作者在探讨潘先生晚年创作如何体现出“悲壮”情怀时，文风转为沉郁顿挫，句式结构也变得更为凝练有力，这种与主题高度契合的表达方式，让读者在阅读时能够产生强烈的情感共鸣，阅读体验层次非常丰富，绝非单调的知识灌输。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮。封面那种深沉的墨绿色调，配上烫金的字体，透着一股老派书卷的沉稳气息，让人在书店里一眼就能被它吸引。拿到手里能感受到纸张的厚重感，明显是精挑细选过的铜版纸，印刷的色彩还原度非常高，那些画作的细节，尤其是潘先生晚期作品中那种苍劲有力的笔触和墨韵变化，几乎要从纸面上“跳”出来。内页的排版也颇具匠心，留白恰到好处，既不显得拥挤，又能让读者的视线自然地跟随文字和图像的脉络流动。特别是那些大幅作品的插页，尺寸处理得非常大气，能让人细细品味画家在不同创作阶段的风格演变。从侧面看，这本书的装订也相当扎实，看得出是下了成本的，这样的品质，即便是作为案头常备的参考书，或是放在书架上陈列，都显得格外有品味。整体而言，这本书在视觉和触觉上的体验，已经超越了一般学术出版物的范畴，更像是一件精心制作的艺术品。这种对物质载体的重视，也侧面反映了编者对于所研究对象的那份敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我个人尤其欣赏书中对于潘天寿艺术影响力的时代回溯。它不仅仅关注作品本身，更将目光投向了潘先生对后世艺术生态的深远影响。书中专门有一章，系统地梳理了在他影响下涌现出的不同流派和风格的画家们，他们如何继承、又如何发展了潘氏美学。这使得我们能跳出“潘天寿”这个孤立的点，将其放置在中国现代美术史的宏大图景中去考察其地位和意义。作者的视野非常开阔，不仅限于传统中国画领域，甚至触及到西方抽象表现主义对中国艺术的某种隐性呼应，这种跨文化、跨领域的比较分析，极大地拓宽了读者的思路，让人重新思考“民族性”与“世界性”在中国现代艺术中的辩证关系。这本书的价值在于，它不仅是研究潘天寿的权威参考，更是一部理解中国现代艺术转型期复杂精神面貌的优秀案例分析。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆