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出版者:故宫出版社

作者:故宫博物院 编

出品人:

页数:324

译者:

出版时间:2012-4

价格:360.00元

装帧:

isbn号码:9787513402149

丛书系列:故宫经典

图书标签:

• 艺术
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• 观音文化
• 艺术、设计&画册
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《敦煌壁画中的菩萨形象演变》 导言 敦煌莫高窟，这座矗立于戈壁深处的艺术宝库，以其跨越千年的壁画和彩塑，成为世界艺术史上不可磨灭的丰碑。这些壁画不仅是佛教艺术的集大成者，更是研究中国古代历史、服饰、音乐、舞蹈乃至社会风俗的珍贵史料。在浩如烟海的敦煌艺术中，菩萨形象占据着至关重要的地位。他们慈悲为怀，法相庄严，承载着信仰的力量与世俗的审美变迁。本书旨在深入剖析敦煌壁画中菩萨形象自北魏至元代近千年的演变轨迹，探究不同历史时期社会思潮、绘画技法与外来文化交流对菩萨造像风格的影响与重塑。 第一章：北魏——犍陀罗影响下的雏形与本土化探索 敦煌艺术的开端，正值佛教在北朝蓬勃发展之际。北魏早期的壁画深受犍陀罗艺术和中亚文化的影响，菩萨形象呈现出一种独特的“褒衣博带”式样。 本章将细致考察敦煌第275窟、第254窟等早期洞窟中的菩萨造像。这些菩萨面容相对瘦削，高鼻深目，体态修长，衣纹如同水流般自然下垂，具有明显的“褒衣博带”特征。这并非完全本土化的表达，而是中原士大夫阶层审美与西域艺术风格相互碰撞的结果。我们将分析菩萨头戴的宝冠样式，其上常饰有莲花、火焰或摩尼宝珠，这些元素不仅是身份的象征，也预示着未来复杂化装饰的趋势。 同时，本章也关注北魏晚期（孝文帝迁都洛阳之后）风格的变化。随着汉化进程的加速，菩萨面相逐渐变得圆润丰满，神态趋于宁静内敛，衣纹的处理开始简化，为隋唐盛期的“吴带当风”奠定了基础。 第二章：隋代——圆润丰腴的过渡与“秀骨清像”的消融 隋朝虽然短暂，却是承上启下的关键时期。佛教艺术从北魏的清峻超脱，转向更具世俗亲和力的圆润与饱满。 隋代壁画中的菩萨，其面部轮廓更为柔和，额头饱满，嘴角微扬，流露出一种“悲悯之相”。衣饰虽然不如唐代华丽，但已显现出繁复的趋势，如璎珞和臂钏的雕琢更为精细。本章重点分析了隋代菩萨造像中“双眉如柳叶”的描法，以及对肢体结构的处理——即便身体被袈裟覆盖，其下肌肉的体积感也开始被 subtly 地表达出来。 我们还将对比隋代与北魏造像，探究菩萨在服饰简化和形体饱满化过程中，如何更好地契合了隋代统一天下后，民众对安定与慈悲力量的集体期盼。 第三章：初唐——盛世气象的奠基与“秀逸”之美 唐代是敦煌艺术的黄金时代，初唐时期（约618年至7世纪中叶）的菩萨形象，集中体现了盛世初启的恢弘气象，其风格承接了隋代的圆润，并注入了初唐特有的清新与秀逸。 本章详细研究了初唐时期“曹衣带水”画风的初步展现。菩萨的面容端庄大气，眼睑低垂，神思内敛，体现出一种雍容不迫的贵族气质。在色彩运用上，初唐的菩萨造像开始大量使用朱砂、石青等矿物颜料，使得色泽更加鲜亮、饱和度更高。 重点分析了菩萨璎珞、头饰以及帔帛的处理技巧。帔帛的飘带，开始展现出动态的美感，它们不再是僵硬的线条，而是仿佛被微风吹拂，灵动地环绕在菩萨身侧，预示着盛唐“吴带当风”的巅峰。 第四章：盛唐——雍容华贵与“吴带当风”的极致 盛唐时期，国力鼎盛，文化自信达到顶峰，敦煌壁画中的菩萨形象也达到了其艺术表达的最高峰——雍容、丰满、健硕且充满生命力。 本章聚焦于盛唐菩萨的“健美”与“华丽”。菩萨的面相丰圆，额头宽阔，体态丰腴，这反映了当时以杨贵妃为代表的以“胖为美”的审美风尚。璎珞变得异常繁复和厚重，宝冠高耸，珠宝累累，金碧辉煌，彰显着“宝相庄严”的宗教权威与世俗财富的结合。 “吴带当风”的画法在此时被推向极致。菩萨的帔帛如同流动的丝绸，从肩部、手臂自然垂落，线条流畅而富有弹性，充满了向心力与动感，仿佛空气流动都能被清晰感知。我们将通过对第158窟等典型洞窟的分析，阐释盛唐艺术家如何通过精湛的晕染（如“凹凸法”）技巧，赋予菩萨形象以三维的立体感和强烈的感染力。 第五章：中晚唐至五代——多元融合与地方特色 安史之乱后，唐朝由盛转衰，敦煌艺术风格也开始出现地域化、多元化的倾向。中晚唐至五代时期，敦煌壁画经历了风格的调整与回归。 本章关注地方政权（如归义军、西夏）统治下的敦煌艺术。菩萨形象开始出现“面目模糊化”的倾向，即精致的写实技巧有所减弱，转而强调程式化的图案美和装饰性。部分壁画中，菩萨的服饰吸收了吐蕃、回鹘等周边民族的元素，如头巾样式的变化，使得菩萨的异域风情再次增强。 此外，中晚唐时期，密宗（金刚乘）的影响逐渐深入，一些忿怒相的护法神和密宗本尊开始进入壁画主流，这使得原本以慈悲救赎为主的菩萨群体，在整体视觉效果上增添了一层神秘与威严的色彩。 第六章：宋元时期——“文人化”与宗教图式的定型 宋代以后，随着中原审美向内收敛，敦煌艺术也受到宋代“尚理学”和“文人画”风气的影响。 宋元时期的菩萨形象，相较于盛唐的丰腴，趋于清瘦和内敛。面部表情趋于平淡、宁静，少了盛唐那种外放的热情，多了文人士大夫般的疏离感和禅意。璎珞的描绘趋向于图案化、扁平化，失去了盛唐的厚重质感。 本章也将分析元代（蒙古统治时期）的艺术特征。此时的壁画，在一定程度上恢复了对西域风格的吸收，但整体笔触更为简练，色彩过渡趋于柔和。这标志着敦煌菩萨形象千余年演变历程的尾声，它最终定格为一个稳定、程式化的宗教符号，等待后世的重新解读。 结语 敦煌壁画中的菩萨形象，是特定历史时期社会心理、审美趣味、宗教哲思以及艺术技法相互作用的产物。从北魏的清癯，到隋唐的丰腴，再到宋元的内敛，这一演变过程清晰地映照出中华文明在不同阶段对“完美”与“慈悲”的理解与表达。本书通过对具体造像的细致辨识和对比分析，试图揭示敦煌艺术背后深沉的历史脉络与不朽的艺术生命力。

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**第五段评价：** 这本书的学术体系构建非常扎实，展现了编纂团队深厚的专业功底和严谨的治学态度。它不仅仅是简单地罗列图片和文字说明，更重要的是，它建立了一个清晰的知识框架，让初学者也能沿着这条主线深入学习，而资深研究者也能从中找到新的交叉研究的线索。我注意到，在一些关键概念的界定时，书中采用了非常规范的术语，但又巧妙地在脚注或旁白中对这些术语进行了通俗的解释，这种平衡处理，极大地提升了它的受众广度。它成功地架设了一座连接专业领域与大众兴趣的桥梁，没有因为追求易读性而牺牲专业深度，也没有因为追求学术严谨而变得门槛过高，这种难得的平衡感，绝对是它区别于市面上其他同类出版物的关键所在。

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**第三段评价：** 这本书的影像资料质量达到了博物馆级别的标准，这一点非常难得。很多我们以往在网上或者其他出版物中看到的文物照片，往往失真严重，要么曝光过度，要么色彩偏暗。但这里收录的大部分高清照片，尤其是那些特写镜头，简直是令人惊叹。我特别对比了其中几件标志性器物的局部图，光影的捕捉非常到位，材质的肌理感、釉面的温润度甚至是一处微小的修复痕迹，都展现得淋漓尽致。这对于艺术研究者或者高级爱好者来说，是不可替代的第一手视觉资料。它提供的不仅仅是“看到”文物，而是“理解”文物制作工艺和年代特征的能力。这种超高的清晰度和对细节的忠实还原，让原本高高在上的古代艺术品，仿佛触手可及，这才是真正有价值的图典价值所在。

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**第四段评价：** 如果让我用一个词来形容阅读这本书的感受，那会是“震撼与沉静”的交织。整部书的编排节奏把握得极好，它不是简单地按时间顺序堆砌，而是将主题和风格相近的器物巧妙地组织在一起，形成了一种视觉上的对话。这种结构性的安排，引导着读者的目光在不同时期、不同地域的艺术风格之间进行穿梭和比较，从而更好地把握了某个历史阶段的审美风尚是如何演变的。阅读过程中，我常常会陷入一种沉思的状态，那些流传千年的静物，似乎在无声地诉说着那个时代人们的喜怒哀乐和对永恒的向往。它成功地打破了文物与现代人之间的隔阂，让人感受到一种跨越时空的共鸣，读完后内心有一种被洗涤过的澄澈感，非常适合在安静的午后，细细品味。

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**第一段评价：** 这本书的装帧设计简直是匠心独运，拿到手里沉甸甸的，那种触感就让人心生敬畏。封面那张插图的印刷色彩饱和度极高，细节处理得一丝不苟，即便是用放大镜去看，那些细微的笔触和纹理依然清晰可见，看得出在纸张选择和工艺上是下了大功夫的。我特别留意了内页的排版，文字与图像的留白处理得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又充分突出了那些精美的艺术品。装订方式也十分考究，平摊性很好，翻阅起来毫不费力，这对于一本需要反复查阅的图册来说，绝对是一个巨大的加分项。这种对实体书品质的极致追求，让人在翻开它之前，就已经感受到了一种对所收录艺术品的郑重对待，光是捧着它，就已经像是在进行一场庄严的文化朝圣之旅。我甚至会花很多时间去摩挲那些加印的纹路，感受那种纸张特有的油墨香气，这远比电子阅读带来的体验要丰富和立体得多，它本身就是一件值得收藏的艺术品。

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**第二段评价：** 我原本以为这只是一本普通的文物图集，但深入阅读后才发现，它更像是一部深入浅出的文化解读史。作者对每一件文物的背景介绍，都不仅仅是简单的年代和材质罗列，而是融入了深厚的历史语境和宗教哲思。比如，关于某几尊造像的断代考证，资料的严谨性令人称奇，文中引用了多方学者的观点进行比对和阐述，这种多角度的论证方式，极大地拓宽了我的认知边界。叙述的语言风格非常灵动，没有那种传统学术著作的枯燥和晦涩，而是用了一种娓娓道来的亲切感，仿佛一位经验丰富的学者正站在我身边，为我一一指点迷津。特别欣赏其中关于造型寓意部分的分析，很多我过去视而不见的细节，在作者的引导下，突然就有了生命和故事，原来那些看似随意的雕刻，背后都蕴含着深邃的信仰密码，读完后感觉自己的“古物雷达”都升级了。

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非常好的一本书。

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之前在这套书里没见过，去院里图书馆第一次见，难得单出一本。很好的基础工作。

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珍贵的资料……