具体描述
《图说中国雕塑史（精）》是《图解中国艺术史丛书》之一，中国雕塑艺术的发展史，是中华民族发展历程的一个小小的缩影，也是个体自我意识从觉醒走向自觉的缩影。书中介绍了雕塑的起源、夏商周雕塑、秦俑、汉代雕塑、六朝雕塑、隋唐雕塑、宋代雕塑和元明清雕塑的有关知识。《图说中国雕塑史（精）》发扬艺术的形象实证的优长，努力以图、说兼有的形式，遴选富于审美与历史价值的艺术精品，特别重视近年来艺术与文物考古的新发掘和新发现，以丰富遗存的珍品，图、说并重地传递着中国艺术源远流长的文化信息，剖析它们各具特色的深邃独创的魅力，阐释艺术的审美及其历史的发展，以点带面地把艺术史从作品史引申到它所生存的自然环境与人文空间，有助于读者从形象鲜明的感受中，理解艺术内涵及其形式的美的发展规律与历程。
雕刻时光：世界艺术殿堂中的群像剪影 一卷流动的历史，一堂无声的艺术课。 本书并非聚焦于东方古国的岩石与泥土，而是将目光投向广袤的全球艺术疆域，探寻人类文明进程中，不同地域、不同时代雕塑艺术的勃发与传承。我们致力于描绘一幅宏大而细腻的“世界雕塑群像图”，从史前巨石的神秘低语，到文艺复兴的完美人体，再到现当代观念艺术的颠覆与解构，力求展现雕塑作为一种凝固了时间、承载了精神的独特艺术形式，是如何跨越地理与文化，映照人类共同的情感与思考。 第一部分：原始的悸动与神性的具象（约300字） 我们将从雕塑艺术的源头开始，追溯那些刻在岩石、骨骼、象牙上的最初的表达。欧洲旧石器时代的“维纳斯”造型，并非简单的生殖崇拜，而是人类早期对生命力、繁衍的原始敬畏与力量的抽象捕捉。 随后，我们将深入美索不达米亚平原和尼罗河流域。在这里，雕塑首次成为国家权力与宗教信仰的有力工具。苏美尔人的“蹲像”系列，其巨大的眼睛似乎永远凝视着神祇；埃及的法老雕像，以其恒久不变的姿态和对“永恒”的执着追求，塑造了僵硬而威严的审美范式。我们会详细分析这些作品中比例的象征意义，以及它们如何服务于统治阶层的意识形态。 中石器时代的巨石阵（Stonehenge）虽然形式简洁，但其天文、祭祀功能的复杂性，展示了早期人类对秩序和宇宙的初步认知。我们不会止步于描述外观，而是试图挖掘其背后的社会组织结构与宇宙观。 第二部分：古典的辉煌与理想的追逐（约400字） 本篇将聚焦于人类艺术史上两个璀璨的巅峰：古希腊与古罗马。 古希腊雕塑的发展线索是一部对“完美人体”的探索史。从早期的古拙（Archaic Style）的“库洛斯”（Kouros）到古典时期（Classical Period）米隆的《掷铁饼者》和波留克列特斯的《法则》（Canon），雕塑家们如何通过数学比例和对人体解剖学的精确掌握，实现了“动感中的静止”这一哲学命题？我们将重点剖析“湿衣褶”技巧的运用及其对情感表达的提升。 希腊化时期，雕塑开始转向戏剧性、情感的爆发。《拉奥孔群像》的痛苦与挣扎，标志着理想主义向现实主义的过渡。 古罗马雕塑继承了希腊的技艺，但注入了强烈的现实政治诉求。罗马元老院的半身像，以其毫不留情的写实主义，记录了权力者的衰老与威严。万神殿前的君主雕像，以及叙事性极强的图拉真纪念柱浮雕，是研究罗马帝国宣传机器如何运用视觉艺术的绝佳案例。我们将探讨罗马工匠如何将希腊的“理想美”转化为“历史的真实记录”。 第三部分：信仰的重塑与艺术的转型（约450字） 中世纪的欧洲，雕塑的主旋律是基督教的叙事与教化。随着基督教成为主导，雕塑的个体性退居次要，它被彻底融入到宏大的建筑体系中，成为“建筑的仆人”。我们将研究罗马式（Romanesque）雕塑的平面化、程式化特征，它们如何以扭曲和夸张的形式，向文盲大众传达末日审判、圣徒事迹等复杂教义。 哥特式艺术（Gothic Art）的出现是雕塑史上一次重要的解放。从巴黎圣母院到沙特尔大教堂的门楣雕刻，人物造型开始脱离岩石的束缚，逐渐变得修长、优雅，并开始展现出初步的个性化情感——这种“温柔的写实”预示着文艺复兴的到来。 与此同时，世界的另一端也在书写着雕塑的史诗。拜占庭的象牙雕刻和圣像画浮雕，体现了对神圣光辉的极致追求；伊斯兰艺术则在几何装饰和书法艺术的抽象表达中，达到了令人惊叹的工艺高度，本部分会进行必要的比较和对比分析。 第四部分：文艺复兴到现代的变革（约350字） 文艺复兴时期，雕塑重拾对人体和世俗人性的关注。多那太罗的《大卫》（青铜版）标志着中世纪束缚的彻底瓦解；米开朗基罗则将雕塑推向了“雕刻家对抗大理石”的极致境界。《大卫》（大理石版）中蕴含的内在紧张感，《摩西》中近乎喷薄而出的力量，是对人文主义精神的最高礼赞。巴洛克时期的贝尼尼，则以其对动态、光影和瞬间情感的捕捉，将雕塑的戏剧性推向了顶峰——他赋予了石头以血液和呼吸。 进入近现代，雕塑面临了前所未有的挑战。印象派、后印象派对光影的关注，使得雕塑家如罗丹开始探讨内在精神的波动，而非仅仅是外部形态的再现。 二十世纪，随着工业材料（钢、铁、混凝土）的引入和对传统“美”的批判，雕塑彻底“解构”了自身。立体主义（如毕加索对形体的分解）、达达主义的现成品（Found Objects），以及后来的极简主义（Minimalism）和装置艺术，共同探讨了“什么是雕塑？”这一核心问题。从布朗库西对形式的提纯，到考尔德对动态的引入，我们看到雕塑从依附于特定空间的实体，演变为一种可以介入并定义空间的观念载体。 结语： 本书旨在提供一个多维度的观察视角，让读者得以在不同的文化背景下，理解雕塑艺术如何成为人类精神和历史的立体见证者。每一块被雕刻的材料，都凝聚着一个时代最深沉的思考与最热烈的想象。
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脉络清晰，便于图文结合，对中国古代雕塑的源流派别形成整体印象。唯资料背后的艺术观念还有些时代旧痕
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