佛造像卷（上） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京出版社

作者:本 会

出品人:

页数:284

译者:

出版时间:2001-10

价格:286.00元

装帧:

isbn号码:9787200043235

丛书系列:

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• 佛教美术
• 文物与考古
• 艺术史
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瀚海拾珠：中国古代工艺美术史探微 一卷跨越千年的艺术史诗，一次对匠心独运的深度回溯。 本书并非专注于某一门类的宗教造像艺术，而是以宏大的视角，系统梳理了自新石器时代至晚清时期，中国古代工艺美术的演变脉络、风格特征及其背后的文化意涵。全书分为上下两卷，力求构建一座涵盖玉器、青铜器、陶瓷、漆器、金银器、纺织品及少数民族工艺等多个维度的工艺美术通史。 第一部分：源起与奠基（史前至秦汉） 本部分深入探究中国工艺美术的初始阶段。从新石器时代的红山文化玉器所展现的神秘主义与早期审美，到良渚文化玉琮、玉璧所蕴含的权力象征与宇宙观念，我们细致剖析了早期材质的自然属性如何被赋予社会意义。 在青铜时代，商周礼器的铸造工艺达到了一个高峰。我们不仅关注鼎、簋等重器上繁复的饕餮纹饰所揭示的宗教信仰与等级制度，更侧重于对失蜡法、范铸法的技术细节进行还原性分析。例如，商代晚期青铜器上细密如毛的云雷纹与工匠对模范精度的掌控，如何体现了当时社会组织能力与技术积累的紧密关系。 秦汉时期，工艺美术开始走向实用化与世俗化。汉代画像砖上的生活场景描绘，为我们提供了了解当时服饰、车马及家具形态的珍贵图像资料。同时，鎏金铜器、漆器的成熟，标志着色彩运用和材料复合技术的显著进步。书中所附录的考古发掘报告节选，展示了马王堆汉墓中出土的素纱禅衣以及精美木胎漆器的保存状况，为研究汉代丝织业与髹漆工艺提供了直接证据。我们特别辟出章节，讨论了汉代“丝绸之路”开辟后，外来工艺元素（如拜占庭风格的纹饰）如何被本土化，融入到本土的审美体系之中。 第二部分：融合与成熟（魏晋南北朝至隋唐） 这是一个充满冲突与融合的时代，也是中国工艺美术风格发生深刻转型的关键时期。 魏晋南北朝时期，佛教的传入对工艺美术产生了颠覆性的影响。然而，本书的关注点并不局限于宗教雕塑，而是聚焦于世俗生活用品中的风格变化。如竹木牙雕的兴盛，尤其是竹刻笔筒、印章上所体现的“文人趣味”，开始强调线条的灵动与意境的表达，这预示着后世文人画风对工艺装饰的影响。同时，南朝与北朝在审美上的差异，例如南朝对“秀美”的追求与北朝对“雄健”风格的偏好，如何在家具、金银器设计中留下各自的印记，成为本部分重点探讨的内容。 隋唐时期，大唐盛世的开放与包容，使工艺美术达到了前所未有的辉煌。我们详述了唐代陶瓷业的技术飞跃，特别是长沙窑和邢窑白瓷的成熟，它们如何开始模仿金银器和玉器的造型，体现了工艺门类之间的相互渗透。唐代金银器的制作工艺，如錾刻、打起、镶嵌等技术达到极致，器物造型饱满圆润，纹饰富丽堂皇，既有中原传统的宝相花纹，也有明显受中亚文化影响的联珠纹和卷草纹。书中所收录的唐代海州窑瓷枕的纹饰分析，揭示了民间审美对“贵族气”的模仿与转化。 第三部分：精细化与审美高峰（宋元时期） 宋代，是极简主义与极致精细化并存的时代。工艺美术的焦点从宏大的叙事转向对物象的精准捕捉和对材质本身的赞美。 汝窑、官窑、哥窑、定窑、钧窑五大名窑的分析，将重点放在了釉色的科学解析上。例如，汝窑“雨过天青”的烧制条件，至今仍是陶瓷史上的未解之谜，本书尝试从胎土配方、窑温控制和气氛调节等多个角度进行科学推测。在玉器方面，宋代玉雕摆脱了汉唐的厚重感，转向精巧的薄雕和镂空技法，题材上更偏爱花鸟、山水等文人画主题。 元代，蒙古帝国的版图带来了工艺上的新变。景德镇的青花瓷在元代达到第一个高峰，其钴料来源、绘画风格的异域影响，以及大型器物（如元青花大罐）的生产组织形式，是本部分着重论述的重点。同时，我们探讨了元代金属工艺中，中亚和波斯风格在器皿造型和几何图案中的体现。 第四部分：集大成与世俗转型（明清时期） 明清两代，是中国工艺美术的集大成阶段，也是其走向精雕细琢和世俗化的重要时期。 明代早期，制瓷业承袭元代遗风，但逐步形成了稳定、规范化的官窑体系。永乐、宣德时期的永乐甜白釉与宣德青花，代表了明代制瓷的最高标准。我们详尽对比了官窑与民窑在纹饰题材选择上的区别——官窑注重“典雅正统”，民窑则更倾向于民间故事和吉祥符号的表达。明代家具，特别是黄花梨和紫檀家具的出现，标志着木器工艺的独立成科。这些家具的设计，强调结构与造型的完美统一，其线条的简洁与韵味，体现了极高的哲学思辨。 清代，工艺美术进入了繁缛与精细的巅峰。康熙、雍正、乾隆三朝的宫廷造办处，汇集了全国乃至全国的顶尖工匠。本书详细剖析了清代珐琅彩瓷器的复杂烧制工艺，以及“鬼工”般的多层堆塑、转心、镂空等“百宝嵌”技术在漆器、竹木器上的应用。乾隆时期，玉雕工艺达到了空前的精细化，利用玉石天然的皮色进行巧雕，创造出“俏色”的奇景。然而，我们也指出了过度追求装饰性可能带来的审美疲劳，以及在技术主导下，部分工艺品丧失了早期作品所蕴含的内在精神性这一现象。 结语：工艺的语境与时代的镜鉴 全书最终总结了中国古代工艺美术的发展规律：从神权到王权，再到文人趣味与世俗审美的不断渗透；从单一材质的探索到多材料的复合运用；从追求“气势”到追求“精微”。每一件器物，都是特定时代社会结构、技术水平、宗教信仰和主流审美的物质载体。本书旨在提供一个全面的、多角度的观察框架，让读者能通过这些精妙绝伦的工艺品，窥见中国古代文明的深层结构与不朽的匠人精神。书中包含大量高清的器物细节图和科学分析图表，旨在为工艺史研究者和爱好者提供一本扎实可靠的参考资料。

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作为一名业余爱好者，我必须承认，这本书的专业性之高，远超我的预期，但正因如此，才让我感到醍醐灌顶。它完全没有那种为了迎合大众而刻意“简化”内容的倾向，这非常难得。尤其是在涉及到造像的纪年和流派归属问题时，作者的论证过程严谨到近乎“吹毛求疵”，但正是这种较真，才保证了资料的可靠性。我特别喜欢它对不同时期造像“面相”的系列对比分析。从汉传佛教的早期那种略带异域风情的面孔，到盛唐时期那种雍容华贵、充满世俗魅力的“丰腴之美”，这种跨越时空的对比，像是一场视觉的盛宴，让人感叹艺术风格的巨大变迁。书中对一些现存早期造像的残损情况以及修复历史的记录，也让这本书增添了一层“文物档案”的价值。读罢此卷，我再去看博物馆里的佛像时，眼神会完全不一样，不再仅仅是膜拜，更多的是一种对匠心和历史沉淀的敬意。它拓宽了我对中国艺术史的认知边界，让我体会到，即便是宗教题材，也能在不同文化土壤上开出形态各异的花朵。

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读完《佛造像卷（上）》后，我最大的感受是，我们常常低估了古代匠人的智慧和创造力。这本书详尽地展示了中国佛教造像艺术如何从一个外来的宗教符号，一步步内化、本土化，最终发展出具有强大生命力的本土美学体系的过程。书中对隋代“秀骨清像”到唐代“健硕圆融”的过渡阶段的分析，简直是教科书级别的示范。作者没有简单地罗列作品，而是通过对“体积感”和“光影表现”的深入剖析，阐释了这种风格转变背后的审美取向变化。更让我佩服的是，作者在讨论某些重要造像的风格来源时，敢于提出自己独到的见解，并辅以详实的图像证据进行论证，而不是人云亦云。整本书的气质是沉稳、内敛而又充满力量的，它像是一位博学的老师，用最精良的“教材”在引导你进行一场深刻的文化考古。看完之后，我感觉自己对“中国美学”的理解又增加了一个极为重要的维度。这绝不是随便翻翻就能了解其精髓的，它需要的是专注和投入，而这份投入绝对是值得的。

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这本书的叙述方式，老实说，一开始让我有些措手不及，它不像我预想中那样是那种通俗易懂的导览手册，反而更像是一部深度访谈录，充满了对细节的执着和对历史语境的关怀。我特别欣赏作者在描述造像背后的文化冲突与融合时所展现出的洞察力。比如，书中对早期佛教传入中原后，如何吸收本土审美、逐渐“中国化”的过程，描绘得淋漓尽致。我以前总觉得佛像是单一同质的，看完这本书才明白，每一尊造像都是那个特定时代、特定地域、特定信仰群体的复杂心路历程的物化体现。书中对一些早期石窟造像的“气韵”的探讨，真是妙不可言，那种“气韵生动”绝非空泛的赞美，而是通过对五官比例、体态微小的调整，最终达成的精神高度。阅读过程中，我经常需要停下来，对照图版，反复揣摩作者提到的那些微妙之处。它迫使读者慢下来，用一种近乎冥想的状态去接近这些艺术品，而不是走马观花。这本书对学术界的影响力，我想是毋庸置疑的，因为它提供的不仅仅是“是什么”，更是“为什么是这样”的深度解读。

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这本书，简直是艺术史爱好者的一场盛宴！我拿到《佛造像卷（上）》的时候，那种沉甸甸的质感就让人爱不释手。一翻开，立刻被那些精美绝伦的佛像图片所吸引。说实话，在翻阅这本书之前，我对佛教造像的认识还停留在非常表层的阶段，无非就是知道有佛陀、菩萨这些形象。但是这本书，它用极其详尽的文字和无可挑剔的图像资料，为我揭开了一个全新的世界。它不仅仅是图片的堆砌，更像是一部严谨的学术著作，对不同时期、不同地域的造像风格演变进行了深入的剖析。比如，对于早期犍陀罗艺术和笈多艺术的比较，作者的论述细致入微，从面部表情的刻画到衣纹的处理，甚至连材质的差异都分析得头头是道。我印象最深的是关于北魏时期“褒衣博带式”造像的章节，那种飘逸、灵动的感觉，仅仅通过文字和图片就能让人感受到，仿佛隔着千年时光与那些工匠对话一般。这本书的装帧也极为考究，纸张的质感和印刷的清晰度，都极大地提升了阅读体验，让每一尊造像的细节都纤毫毕现，这对研究者和普通爱好者来说都是极大的福音。它绝对不是那种快消式的图册，而是值得反复品读、时常翻阅的珍品。

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这本书的编辑和排版风格，简直是艺术品中的艺术品。从整体布局上看，它并没有采用那种传统的左右分栏或者纯粹的编年体叙事，而是巧妙地将主题内容与高度聚焦的局部特写图穿插在一起，形成了一种张弛有度的阅读节奏。我特别欣赏它在处理“地域性差异”时的细致考量。比如，书中专门辟出章节来讨论关中地区造像与巴蜀地区造像在审美趣味上的显著区别，这种区分不仅仅停留在表面特征，更深入到当地的社会结构和宗教实践对造像风格的具体影响上。那些关于菩萨项饰、手印（Mudra）细节的图解和文字说明，清晰到令人惊叹，一下子就解决了困扰我很久的一些辨识难题。我感觉这本书的作者一定是一位对图像学有深刻理解的专家，他知道哪些细节是区分不同时代和流派的关键。这本书的体量虽然不小，但因为逻辑清晰，导读性强，即使是初学者，只要愿意投入时间去消化，也能从中受益匪浅。它不仅是一本关于佛像的书，更是一本关于“如何观察和理解艺术”的教科书。

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