荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:黄永玉 绘

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2000-5

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787500304920

丛书系列:

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笔墨丹青，雅韵传承：探寻中国传统绘画的艺术脉络 本书旨在带领读者踏上一场穿越时空的中国传统绘画之旅，深入探寻其博大精深的艺术内涵与发展脉络。不同于专注于某一位大师或某一特定画派的论著，本书以一种宏观而细致的视角，梳理了中国传统绘画从萌芽、发展至繁荣的各个重要时期，重点解读其核心的审美理念、独特的笔墨技法、丰富的题材表现以及由此形成的深厚文化底蕴。 一、 笔墨为魂，意境为上：中国绘画的哲学基石 中国传统绘画，其核心灵魂在于“笔墨”。这不仅仅是描绘物象的工具，更是承载情感、传达精神的媒介。本书将深入剖析“笔”与“墨”在中国绘画中的双重意义。 笔的法度与变化： 书法艺术在中国绘画中的影响深远。笔画的起承转合、提按顿挫，皆蕴含着丰富的表现力。本书将从勾、勒、皴、擦等基本用笔技法出发，解析不同时代、不同流派画家如何通过对笔的巧妙运用，来塑造物象的骨骼、肌理与神韵。我们将探讨如“十八描”等经典笔法的内涵，以及画家们如何在遵循法度的同时，挥洒出个性化的笔墨风采。例如，魏晋时期顾恺之对“高古游丝描”的运用，线条的流畅与精致，赋予了人物画飘逸出尘的仙气；唐代吴道子“吴带当风”的笔法，则以其遒劲洒脱的线条，展现了人物的动感与力量。 墨的浓淡枯湿： 墨在中国绘画中的变化万千，是表现光影、质感与空间层次的关键。本书将深入研究墨法的运用，包括“墨分五色”的理论，即通过浓、淡、干、湿、润的微妙变化，来表现物体的立体感、体积感和丰富的层次。我们将解析如何运用焦墨、淡墨、涨墨等不同的墨色效果，来刻画山石的嶙峋、树木的苍劲、水墨的灵动。例如，宋代山水画大师范宽在《溪山行旅图》中，对墨色的层层叠加与晕染，使得山峰巍峨耸立，云雾缥缈，极具空间纵深感。 “意”的至高追求： 与西方绘画注重对客观物象的精确再现不同，中国传统绘画更强调“写意”。“意”是中国绘画的灵魂所在，它包含了画家的主观情感、精神寄托以及对事物内在规律的理解。本书将重点阐述“写意”在中国绘画中的重要地位，以及“得意忘形”的艺术境界。我们将分析画家如何通过笔墨的象征性表达，将内心的感受与对自然的感悟融入作品之中，从而达到“气韵生动”的艺术效果。北宋文同的墨竹，并非对真实竹子的逐一描摹，而是借竹抒情，以竹的清高品格寄托自身情操。 二、 历史的长河：各个时期的艺术风貌 本书将按照历史发展的脉络，系统梳理中国传统绘画的各个重要时期，呈现不同时代背景下绘画艺术的演变与特点。 早期萌芽与发展（史前至秦汉）： 从岩画的粗犷朴拙，到商周青铜器上的纹饰，再到战国帛画的初步成熟，中国绘画的早期形态已经显露出对自然万物的观察与表现的渴望。秦汉时期，墓室壁画的兴起，如《列女传图》、《汉画像石》，开始出现人物叙事，线条逐渐成熟，对现实生活的描绘也更加具体。本书将解读这些早期作品的艺术特征及其文化意义。 士人画的崛起与成熟（魏晋南北朝至唐代）： 魏晋时期，玄学盛行，士人阶层开始介入绘画创作，绘画不再仅仅是服务于宗教或皇室的工具，而成为文人表达个人情志的载体。顾恺之、陆探微等大师的出现，奠定了人物画发展的基础。唐代是中国绘画的黄金时期，山水、人物、花鸟等画科都取得了辉煌的成就。吴道子、阎立本、张萱、周昉等大师的作品，以其雄浑、飘逸、细腻、秀丽等不同风格，展现了唐代绘画的博大胸襟与盛世气象。本书将深入分析这一时期绘画的社会背景、哲学思潮对绘画的影响，以及各大画种的代表性作品。 写实与写意的并存（五代至宋代）： 五代至宋代是中国绘画由盛转衰，但又在新的方向上蓬勃发展的时期。山水画的成熟是这一时期的重要标志，巨然、董源开创了“南北宗”的先河，而范宽、郭熙、李唐等更是将山水画推向了新的高峰。花鸟画也取得了极高的成就，黄筌的工笔富丽，徐熙的写意自然，形成了鲜明的对比。本书将重点探讨宋代绘画在写实技巧上的精进，以及文人画理论的兴起，如苏轼、米芾等人对绘画的哲学思考，为后世文人画的发展奠定了理论基础。 文人画的巅峰与转型（元明清）： 元代，赵孟頫倡导复古，文人画的地位进一步提升，强调诗、书、画的结合。他的画风对后世产生了深远影响。明代，沈周、文徵明、唐寅、仇英等“吴门画派”的代表人物，在继承传统的基础上，发展出各具特色的艺术风格。清代，董其昌的“南北宗论”在理论上进一步巩固了文人画的地位，而“扬州八怪”则以其奔放不羁、极具个性的创作，打破了传统的窠臼，为中国画注入了新的活力。本书将分析元明清时期文人画的演变，及其如何与市井文化、西方绘画思潮产生互动。 三、 题材万象，寓意无穷：绘画内容的解读 中国传统绘画题材广泛，山水、人物、花鸟、走兽等，每一个题材都承载着丰富的文化信息与审美情趣。 山水画：自然的颂歌与心灵的寄托： 山水画是中国绘画的重镇。从魏晋的“以形写形”，到唐代的“山水初成”，再到宋代的“山水极盛”，山水画的创作经历了从对自然景物的描摹，到对自然精神的体悟的转变。本书将解读山水画的审美特征，如“可行、可望、可游、可居”的理论，以及画家如何借山水来寄托情怀、表达哲思。我们将分析不同时期山水画的构图特点、皴法运用，以及其所蕴含的道家“天人合一”的思想。 人物画：历史的镜子与精神的写照： 人物画是中国绘画最早出现的画种之一。从记录历史事件、人物事迹，到表现社会风俗、人物内心，人物画始终扮演着记录与批判的角色。本书将解析人物画中不同类型的题材，如肖像画、历史故事画、宗教画、仕女画等，以及各时期人物画在造型、线条、色彩、情感表达上的特点。我们将探讨如《步辇图》、《韩熙载夜宴图》等经典作品，如何通过人物的姿态、表情、服饰，生动地再现历史场景与人物命运。 花鸟画：生命的赞歌与人格的象征： 花鸟画以其对自然生命的细腻观察与生动表现，在中国绘画中独树一帜。本书将探讨花鸟画的创作理念，如“写意”在花鸟画中的具体体现，以及花鸟画作为一种人格象征的意义。我们将分析如梅、兰、竹、菊“四君子”等题材所蕴含的品格寄托，以及松、鹤、鱼、鸟等题材所象征的吉祥寓意。从黄荃的工笔富丽，到徐熙的写意疏淡，再到明清时期陈淳、徐渭、八大山人等大家的作品，花鸟画展现了生命的多姿多彩与画家丰富的内心世界。 四、 技法精妙，韵味悠长：绘画工具与表现手法 本书还将深入浅出地介绍中国传统绘画的独特技法与工具。 工具的演变与选择： 纸、墨、笔、砚，这“文房四宝”是中国绘画的基础。本书将介绍这些工具的起源、发展以及在绘画创作中的具体运用。例如，不同宣纸的特性如何影响墨色的晕染，不同毛笔的硬度和弹性如何决定线条的粗细与力度。 色彩的运用与象征： 中国传统绘画在色彩的运用上，既有对自然色彩的模拟，也有对色彩象征意义的发挥。本书将介绍中国画中常用的颜料，如矿物颜料和植物颜料，以及它们在画面中起到的烘托氛围、表现情感的作用。同时，也将探讨不同颜色在中国文化中的象征意义，如红色代表喜庆，黄色代表皇权，绿色代表生机等。 构图的章法与留白： 构图是中国画中至关重要的环节，它直接影响着画面的整体美感与意境的传达。“计白当黑”是中国画独特的构图原则，留白之处往往蕴含着无穷的想象空间。本书将分析中国画中常见的构图法则，如“疏密聚散”、“虚实相生”，以及画家如何通过对构图的精妙安排，来营造画面的节奏感、韵律感与无限意境。 五、 文化传承，时代回响 本书不仅仅是对绘画技法与历史的回顾，更是对中国传统文化精神的探寻。中国绘画是中华民族审美意识、哲学思想、道德观念的集中体现。每一幅作品，都是那个时代留下的印记，都承载着前人的智慧与情感。通过对中国传统绘画的深入理解，读者不仅能欣赏到笔墨丹青之美，更能感受到中华文化的独特魅力与深厚底蕴。本书旨在为读者搭建一座通往中国传统绘画艺术的桥梁，引领大家在墨海中遨游，领略中国画的博大精深，感受那份穿越古今的雅韵传承。

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我收藏了很多画册和技法书，但不得不说，这套书在内容深度和广度上都做到了一个极高的平衡。它的分类体系非常科学合理，无论是对初学者入门感兴趣的“点、线、面”基础训练，还是对资深研究者探讨的“金石入画”等跨界融合，都有详尽的论述和范例支撑。我个人特别关注它关于“用印”的章节。在很多地方，钤印常常被简化为最后一步的装饰，但在这本书里，印章被提升到了与笔墨同等重要的地位，被视为是作品布局和气势收尾的关键一环。它详细分析了不同时期、不同材质的印泥对画面整体氛围的影响，甚至提到了不同位置的钤印如何与画面的主体结构形成呼应或对比关系。这种对细节的极致追求，体现了编纂者对中国艺术整体观念的深刻理解。它教导的不是技巧的拼凑，而是一种完整的、有秩序的艺术构建思维，让我对中国传统艺术的严谨性有了全新的认识。

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这套书的装帧实在是太精美了，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的历史厚重感。我最欣赏的是它对于中国传统绘画技法的梳理和呈现方式。不同于市面上那些零散的技法讲解，它更像是一部系统性的“武功秘籍”，从基础的笔墨运用到高阶的意境营造，层层递进，逻辑清晰得让人惊叹。我尤其喜欢其中对于“气韵生动”的阐释部分，作者不仅仅停留在理论层面，而是通过大量的名家范例，配以细致入微的局部放大图，让你真切地体会到那种看不见却能感受到的生命力是如何通过线条和墨色的微妙变化被注入到画面之中的。比如讲到画竹的“节”与“枝”，它会引用不同流派大师的画作进行对比，你会发现同样是画竹，有的是刚劲挺拔，有的是潇洒飘逸，这种对比学习法极大地拓宽了我的视野，让我明白技法是为表达服务的，而不是束缚。每次翻阅，都像进行了一次与古代艺术大师的无声对话，那种收获是即时而深刻的，对提升个人审美和绘画实践的帮助，简直是无可替代的。

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这本书的另一个亮点，在于它对材料和工具的考究达到了近乎苛刻的程度。市面上的很多教程往往一笔带过，告诉你用“狼毫笔”或“熟宣纸”，但在这里，你会了解到，即便是同为“狼毫”，也有“兼毫”与“纯毫”的区别，以及它们在吸墨性和弹性上对表现“飞白”或“润笔”效果的影响。关于墨的论述也极为精妙，它不仅区分了徽墨、松烟墨的特性，还探讨了如何根据不同的气候湿度来调整研墨的水量，以达到最佳的墨色层次感。这种对物质载体的精微把控，让我深刻体会到中国传统艺术的“慢工细活”哲学。它教会我们，要真正掌握一门技艺，必须先与你手中的工具建立起最亲密、最深刻的理解。这种对“物料哲学”的探讨，极大地提升了阅读体验的厚度和真实感，让我对待手中的每一支笔、每一张纸都怀有了敬畏之心。

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从收藏价值和艺术史的角度来看，这本书的价值也是毋庸置疑的。它汇集了不同历史时期、不同地域流派的代表性作品，并对这些作品的风格演变进行了清晰的脉络梳理。我不是一个科班出身的艺术史学者，但通过阅读这本书，我能很直观地理解“北派雄浑，南派秀逸”的差异是如何在历史长河中形成和发展的。更难得的是，它并非简单地罗列作品，而是深入到不同时代背景下，探讨艺术创作的社会土壤和文人精神追求是如何影响绘画风格的转变。比如，在某个朝代，由于士大夫阶层对隐逸生活的推崇，山水画中便出现了大量疏朗空灵的意境表达，这本书将这种文化现象与具体的笔法变化联系起来，使得学习过程充满了历史的趣味性。这使得它不仅仅是一本绘画工具书，更是一部浓缩的中国文人艺术史的导读，具有极高的文献参考价值。

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说实话，我本来以为这种偏向专业的画谱会读起来枯燥乏味，但事实完全出乎我的意料。这本书的叙述语言有一种老派文人的雅致和幽默感，读起来非常舒服，完全没有那种教科书式的板面孔。特别是对那些古代画家创作心境的描绘，简直是栩栩如生。比如讲到某位画家在创作山水画时，如何捕捉雨后初晴的那一瞬间天地间的光影变化，作者用了非常诗意的笔法来描述，让我仿佛身临其境，体会到了古人“外师造化，中得心源”的真谛。它没有直接告诉你“你应该怎么画”，而是引导你去“感受这个世界应该被如何描绘”。这种由内而外的启发，远比机械地模仿步骤有效得多。对于一个业余爱好者来说，它提供的不仅仅是技巧，更是一种看待和融入自然的全新视角。每看完一章，我都会忍不住放下笔，出去走走，试图捕捉那些被我忽略已久的美好瞬间，这种对生活的积极影响，是我最意想不到的收获。

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此公性灵。

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终于买回一本全新的。孔夫子旧书网是个好app。

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极好 荣宝斋有未出版的一些荷原作

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此公性灵。

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极好 荣宝斋有未出版的一些荷原作