具体描述
我国钢琴教学体系——如要可能这样说的话——比较重视手指技术训练。国外已承认我们这一特点，这和我们在教学中较多采用练习曲有关。但是在是进行技术训练的同时，我们初不可钻单纯技术的死胡同，不要忘记训练技术是为了更好地表现音乐、声音的优美，旋律的歌唱性与手指灵活性都同等重要。 《车尔尼钢琴练习曲选集》和《车尔尼少年钢琴家基训手册》为钢琴教师提供了更加丰富的教材，以便因材施教。但如何应用这些素材，还有待于钢琴教师去发挥。进行技术训练时，多次重复虽然是必要的，但正确的科学的弹奏方法更为重要，否则技术训练会走到斜路上去。作者从车尔尼其他14册练习曲集内的一千余首练习曲里，选出了初、中级练习曲187首，基本功练习曲152首以及强化世练习18首，分别编成《车尔尼钢琴练习曲选集》和《少年钢琴家基训手册》并为全部选曲注明了课题要点，以作为我国现行车尔尼钢琴练习曲教材之补充。 两册初、中级练习曲按教学程度作顺序编排，教师在教学中应根据因材施教的原则视学生实际条件做适当删增。其中有不少曲目是为双音、和弦、复节奏、左手技巧和歌唱性弹奏等课题而设置的，为了培养学生歌唱性弹奏能力，本选集尤为重视选用旋律优美、富有高品位艺术特征的小品练习曲，其曲目来源主要取自作品823、748以及用欧洲民间音调和一些著名作家的特性曲调编写成的作品750。 《少年钢琴家基训手册》是供进入中级程度的学生使用的。这类被称作“练习”的曲目，属于单一的钢琴技术素材，即“钢琴语汇”。车尔尼有许多属于“练习”类的专集，本手册主要选自他的作品261、821、337和365。这些练习都具有某种音乐表现特点，有别于“哈农”、“什密特”一类的机械式练指法。
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用户评价
这本选集最让我感到“受用”的地方，在于它对不同演奏技巧的覆盖面极为全面和深入。它不是那种只侧重于某一方面炫技的教材，而是像一个全能的健身教练，针对性地为你补足身体（手指）的短板。我过去一直对分解和弦的均匀性感到头疼，手指总有“打架”的时候，尤其是在需要跨越八度的快速琶音中，总感觉哪里不对劲。而这本书中收录的那些专门练习，用一种近乎“折磨人”的方式，强迫你去找到那个完美的平衡点。当你终于攻克了那些看似不可能的段落后，你会发现，不仅是那个练习曲变得流畅了，而是你弹奏其他所有曲目时，那种“心里有底”的感觉也随之而来。这套教材的精妙之处在于，它通过技术上的刻意训练，最终导向的是艺术上的自由表达。你只有把所有的技术壁垒都扫清了，你的思想才能真正从手指的束缚中解放出来，去专注于音乐本身的色彩和情感表达。那种感觉，就像是学会了所有语法规则之后，你才能真正开始写出属于自己的诗篇。
评分这本厚厚的乐谱集，光是拿到手里就能感受到它沉甸甸的分量，翻开扉页，映入眼帘的是一排排工整的五线谱，每一个音符都像是被精心雕琢过一般，清晰、准确地排列着，让人忍不住想要立刻投入到指尖的律动之中。我记得我第一次尝试里面的某个练习曲时，那种感觉就像是面对一座巍峨的高山，心中既有征服的渴望，又有一丝面对未知挑战的敬畏。初学者的我，手指在琴键上磕磕绊绊，勉强能把旋律弹出来，但速度和力度总是难以控制，听起来断断续续，毫无美感可言。然而，正是这种初期的挫败感，反而激发了我更深层次的钻研精神。我开始逐句、逐小节地拆解乐谱，研究指法标记，试图理解作曲家在每一个音符背后所蕴含的情感和技术要求。那些看似简单的琶音和音阶，在不同的调性和速度下，对指尖的独立性和均匀度提出了近乎苛刻的要求，每一次练习都像是在打磨一块璞玉，需要极大的耐心和持之以恒的毅力。光是某个特定的练习，我可能就要重复上百遍，直到手指的肌肉记忆能够完全替代思考，让双手自然而然地流淌出流畅的乐句。这套教材的选编无疑是非常有远见的，它不是简单地堆砌难度，而是循序渐进地构建起一个完整的技术体系框架，每往后翻一页，都能感受到技术层面的提升和视野的开阔。
评分经过长时间的反复研习，我对这本教材的感受已经从最初的“畏惧”转变为一种深厚的“敬意”。它更像是一位沉默而严苛的导师，从不吝啬指出你的弱点，但又总是为你铺设好通往更高境界的阶梯。我特别欣赏它在节奏处理上的精妙设计。某些段落要求极其严格的等时性，要求所有音符的间隔必须像钟表一样精准；而另一些段落则要求极富弹性和呼吸感，让你去探索弹性速度（Tempo Rubato）的边界。这种对立统一的训练，极大地丰富了我对节奏的理解。很多时候，弹完一个技术性极强的练习后，我会发现自己的心跳和呼吸都变得更加有规律，这不仅仅是手指的运动，更是一种身心合一的训练。这本书的价值不在于你弹得多快或者多响亮，而在于你通过它，对音乐的内在规律、对手指的控制力以及对自我耐心的挑战上，取得了多大的进步。它要求你慢下来，才能跑得更快，这种“反直觉”的教学哲学，才是它能够经久不衰，成为经典的原因所在。
评分说实话，我最初接触这类练习曲时，主要还是抱着“完成任务”的心态去应付老师布置的作业，目标仅仅是能“弹过去”而已。但随着练习的深入，我逐渐发现，这不仅仅是机械性的手指训练，它更像是一门关于“音乐内在逻辑”的解剖课。比如，在某些需要快速跑动的段落中，如果仅仅追求速度而忽略了触键的重量和释放的精准度，那么最终听起来只会是一堆杂乱无章的音符噪音，缺乏灵魂。这本书里对力度变化的细致要求，教会了我如何用手指的“轻重缓急”来描绘画面感。有时，一个突如其来的强音，能如同闪电般划破宁静；而紧接着的一个弱音的连奏，又能温柔地抚慰人心。我开始把注意力从“把音弹对”转移到“把音弹好听”上来。这种转变是潜移默化的，它要求你不仅要成为一个好的演奏者，更要成为一个细致的聆听者和思考者。我记得有一次，为了解决一个连奏的黏滞问题，我甚至花了一个下午的时间，只是在慢到极致的速度下，反复感受手指抬起和落下的那个“瞬间”，那种对细节的苛求，如果不是面对如此经典的教材，或许我早就放弃了。
评分坦白说，初次接触这套选集时，我并没有完全领会到它的深层价值，只是觉得里面的曲子听起来很“古典”、很“枯燥”，充满了各种音阶和琶音的堆砌，似乎缺乏那种直击人心的旋律。那时候，我的欣赏水平还停留在对流行音乐简单直白的情感共鸣上。然而，随着我阅读了更多关于音乐史和和声学的知识，再回过头来审视这些练习曲时，我发现自己完全错了。这些练习曲并非孤立的技术片段，它们是那个时代伟大作曲家音乐语言的“骨架”和“语法结构”。每一个练习曲的背景，都蕴含着复杂的和声进行和对位思想的萌芽。它们是那些宏大奏鸣曲和协奏曲中技术难点的提纯和浓缩。当你理解了为什么某个特定的音程关系需要那样处理时，你会对整个音乐体系产生一种敬畏感。这本书就像是一把钥匙，它不仅打开了钢琴演奏技巧的大门，更让我窥见了古典音乐创作思维的宏大蓝图。它教育我，真正的艺术深度，往往隐藏在看似最基础的结构之中。
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