全国画院双年展首届中国画展作品集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:陕西人民美术出版社

作者:

出品人:

页数:316

译者:

出版时间:2001-10

价格:428.00元

装帧:

isbn号码:9787536814240

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• 艺术展
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• 作品集
• 绘画
• 美术
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• 文化
• 当代艺术

好的，这是一份关于“全国画院双年展首届中国画展作品集”以外的书籍的详细简介，旨在避免提及该作品集本身的任何内容，同时保持自然流畅的风格和深度。 --- 《山河入画：二十世纪中国山水画的演变与观念革新》 导言：时代的笔墨与精神的跋涉 本书深入剖析了二十世纪，特别是新文化运动至改革开放后数十年间，中国山水画在面对西方现代思潮冲击、社会结构巨变以及民族身份重塑过程中所经历的深刻的观念革新与技法探索历程。它并非仅仅是简单地罗列画家及其作品，而是力图构建一个宏大的历史叙事框架，探讨艺术本体论如何与时代精神紧密交织，以及水墨语言如何承担起记录、反思与构建“新中国山水”的艰巨使命。 我们相信，二十世纪的山水画，是中国知识分子群体在“救亡图存”与“个体觉醒”的二元张力下，对传统文人画的终极追问与重塑。这种追问，既是对“何为中国画”的形而上学探讨，也是对“中国人应如何看待自然与自身”的哲学辩证。 第一部分：传统的断裂与接续——民国时期的“挽救”与“出走” 本卷聚焦于民国时期，传统书画教育体系的瓦解与现代美术教育的引入所带来的阵痛与机遇。 一、传统根基的再确认： 这一时期，以黄宾虹、齐白石等为代表的“后海派”与“岭南画派”的巨擘们，在新的历史语境下，对明清以来的程式化倾向进行了强有力的反拨。黄宾虹晚年对“黑、密、厚、重”的极致追求，被视为对元四家笔墨精神的回归，实则蕴含着在动荡中寻求文化本体论稳固性的努力。我们详细考察了他们如何通过强化笔墨的本体性（如皴法的内化、墨色的层次变化），来对抗西方写实主义在视觉上的绝对主导地位。 二、面向现代的探索： 与此同时，部分画家开始主动吸纳西方绘画的元素，试图拓宽山水画的视觉疆域。徐悲鸿倡导的写实主义思潮，虽然主要影响人物画，但其对“科学写生”和“结构准确性”的强调，间接影响了部分山水画家对空间处理和体量感的关注。潘天寿则走上了另一条极端——他将传统斧劈皴、点苔的力度推向了极致，创造出一种极具张力与现代构成感的“纪念碑式”山水，这实际上是通过抽象化和几何化的处理，来回应现代性对传统空间透视的挑战。 第二部分：新中国成立后的“时代景观”塑造（1949-1976） 这一阶段，山水画被赋予了前所未有的意识形态功能。艺术不再仅仅是个体心灵的抒发，更成为集体意志的表达和新国家形象的建构工具。 一、写生革命与“社会主义的自然”： 1950年代初期，以傅抱石、李可染为代表的一批重要画家响应“走出去”的号召，深入生活、深入工厂和矿区。李可燃的“向江南学写生”系列，以及傅抱石的“金陵十二题”的延续，标志着山水画题材从传统的隐逸山水向“人民江山”的转型。然而，这种转型并非简单的题材替换，而是艺术家在如何在保持水墨韵味的同时，表现出新时代的热情与磅礴气象的艰巨平衡。 二、宏大叙事与笔墨语言的张力： 60年代后，随着政治环境的收紧，山水画的创作更倾向于歌颂性的、宏大的叙事。部分作品在追求“高、大、全”的构图时，出现了笔墨趋于僵硬、色彩趋于装饰化的现象。本书将重点分析这种创作倾向对水墨语言纯粹性的潜在侵蚀，以及老一辈艺术家如何通过含蓄的笔墨处理，在遵守主流规范的同时，保留对传统文人精神的微弱坚守。 第三部分：观念的复苏与笔墨的自觉——改革开放以来的转向（1978年至今） 改革开放不仅带来了社会经济的飞速发展，更触发了艺术领域的深刻反思与“回归本体”的浪潮。 一、对“四王”传统的重新审视： 随着美术史研究的深入，画家们开始重新认识到传统“四王”在笔墨技法上的精妙之处，并将其视为抵抗过度写实或过度政治化的有效武器。出现了对“元四家”的“逸气”的重新推崇，强调水墨的自我指向性。 二、水墨的现代性试验场： 这一时期，许多中青年画家开始大胆地将抽象表现主义、后现代的解构观念融入山水创作。他们不再追求“可识”的地理景观，而是将山水视为表达内在冲突、焦虑与个体存在感（Existentialism）的媒介。笔墨的干湿浓淡被用作纯粹的媒介语言，探讨“笔墨精神”在当代语境下的物质性与观念性。例如，一些画家开始有意识地运用宣纸的“渗化”效果，甚至结合装置或影像的观念，挑战传统山水画的壁垒。 三、地域性的回归与身份焦虑： 伴随着全球化的进程，地域性的文化记忆和身份焦虑成为新的创作母题。画家们开始有意识地挖掘自己家乡的独特山水特征或地方性文化符号，试图在高度同质化的现代景观中，重新锚定文化根基。 结论：永恒的追问——自然、笔墨与人 《山河入画》总结道，二十世纪中国山水画的全部历程，是一场关于“如何看自然”、“如何使用笔墨”、“如何安放自我”的永恒追问。它成功地在保持了水墨作为“中国精神载体”这一核心地位的同时，完成了对现代性挑战的深刻回应。本书旨在为读者提供一个脉络清晰、视角多维度的深度解读，理解山水画如何在剧烈的时代洪流中，完成了自我革新与生命力的延续。它不再仅仅是“画风景”，而是成为了“画时代精神的载体”与“中国知识分子精神史的缩影”。 --- 本书特色： 史料扎实： 引用大量未公开的艺术家书信、日记及同期美术批评文章。 跨学科视野： 结合了哲学、社会学和艺术史的理论工具，避免了单一的美学评判。 聚焦转换点： 重点分析了两次重大的历史转折期（1949年与1978年）对艺术观念的重塑作用。

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阅读体验上，编辑排版所展现出的细腻心思，值得称赞。在处理不同尺幅、不同风格的作品时，版式设计展现出了极高的灵活性与克制性。对于大幅面的作品，编辑并未一味追求占满整页，而是懂得利用周边的空间来烘托主体，使得画面的气势能够得到有效的铺陈，避免了因尺寸过大而产生的压迫感。而在一些篇幅较小的精品，比如小品式的写意花卉或人物速写，它们被精心安排在相邻或对开页上，形成一种微妙的对话关系，增强了读者的联想和对比性。更值得一提的是，作品的说明文字部分，虽然篇幅不多，但信息量很足，包括了作者、创作时间、材质等关键信息，且字体选择和间距处理都非常舒适，阅读起来毫不费力。这种对阅读节奏的精准把控，让整个翻阅过程成为一种享受，而不是一份任务。好的作品集，应该像一本优秀的乐谱，引导听者/观者进入创作者设定的情绪流动中去，这部画册无疑是做到了这一点。

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这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，从封面材质的选择到内页纸张的触感，都透露着一种沉稳而又不失精致的艺术气息。封面的排版简洁有力，留白的处理恰到好处，使得“首届中国画展作品集”这几个字在视觉上有了足够的呼吸空间，没有丝毫的拥挤感。当我翻开扉页时，首先感受到的就是印刷色彩的精准还原度，对于中国画这种对墨色层次和晕染效果要求极高的艺术形式来说，这一点尤为重要。很多画册在复制水墨画时，往往会出现“脏”或“灰”的现象，但这部作品集似乎在这方面下了大功夫，无论是浓重的泼墨，还是细腻的淡彩晕染，都保持了原作的韵味和神采。尤其是一些工笔重彩的作品，那种丝丝入扣的线条和矿物颜料的质感，通过这本画册呈现出来，依然能感受到画家的笔触和心力。装订方面也十分考究，平摊效果很好，即便是大开幅的作品，也能完整地展现，这对于深度研究或欣赏细节的读者来说，无疑是一个极大的便利。整体来看，这本画册的制作水准，完全配得上“全国画院双年展”这一国家级艺术盛事的规格，体现了出版方对艺术原作的尊重与敬畏。

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从收藏的角度来看，我必须强调这部作品集所蕴含的长期价值潜力。它记录的是一次具有里程碑意义的艺术事件——“首届”往往意味着开创性和规范性的确立。这意味着，今天刊登在册的这些画家和作品，在未来很可能被视为某一特定艺术潮流的早期标志或重要节点。对于艺术品收藏爱好者来说，拥有一本记录了重要展览的官方作品集，等同于拥有了一张关于艺术史节点的重要“门票”。这本画册本身就构成了一个微型的艺术史切片，其收藏价值不仅仅体现在印刷品的物理形态上，更在于它所承载的历史信息和学术地位。随着时间的推移，这些入选作品的作者可能声名鹊起，或者某些流派的发展路径发生重大变化，届时，这本“首届”的作品集，便会成为研究和判断艺术市场演变的重要实证资料。因此，对于注重艺术品收藏体系构建的人士来说，这无疑是一本值得郑重购入并妥善珍藏的案头必备之作。

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如果说艺术作品是精神的载体，那么这本作品集的文献价值，则体现在它对一个特定历史时期中国画发展脉络的精微捕捉上。它不仅仅是几百幅优秀作品的简单堆砌，更像是一份沉甸甸的时代速写。从入选作品的题材分布、技法倾向，到整体呈现出的审美趣味，都清晰地折射出当代社会思潮对艺术家的影响。比如，可以看到一些对传统文人画的“内向性”表达的回归，对个体精神世界的挖掘愈发深入；同时，也有一些作品明显受到了西方现代艺术理论的启发，在形式语言上进行了大胆的切割与重组。对我而言，它提供了一个研究当代艺术史的宝贵样本，通过这些“入选”的作品，可以反向推导出当年评委会关注的焦点、推崇的价值取向。这种文献性的深度，远超出了普通欣赏画册的范畴，它成为了一个观察中国画坛生态、学术风向的有效工具，对于未来的研究者或策展人来说，其参考价值是不可估量的。

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深入品读其中的作品，我最大的感受是当代中国画在继承传统与探索创新之间所展现出的那种张力与平衡。这里收录的作品并非是对传统范式的简单重复，而是能清晰地看到不同地域、不同师承的画家们，如何将各自的生命体验和时代精神融入到笔墨之中。比如，有些作品在传统山水的宏大叙事结构下，融入了现代摄影般的精确构图和光影处理，使得山川河流仿佛获得了新的呼吸；而另一些花鸟题材的作品，则大胆地采用了抽象的笔法来解构物象，墨色的流动感甚至超越了具象描绘本身所能承载的情感深度。这种多元化的探索，让读者在翻阅时始终保持着一种新鲜感和探索欲。它不像某些作品集那样，可能因为风格过于统一而显得单调，这里的每一页都像是一个独立的窗口，通向一个独一无二的艺术世界。它提供了一个极好的横向比较的平台，让我们得以观察当下中国画坛在“何去何从”这个宏大命题下的集体应答。

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