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出版者:天津人民美术出版社

作者:王庆功

出品人:

页数:30

译者:

出版时间:2000-7

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787530512593

丛书系列:

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建筑摄影的艺术与技术 一、 捕捉凝固的诗篇：建筑摄影的核心理念 建筑，作为人类文明的物质载体，是凝固的时间与空间的艺术品。建筑摄影，不仅仅是对一座房屋、一座桥梁或一个复杂结构进行记录的技术操作，它更是一门深刻理解空间、光影、材质与人文精神的艺术实践。本书将带你深入探索如何通过镜头语言，解读建筑师的意图，重塑观者对结构的感知。 我们不谈论服装的褶皱、面料的垂坠或色彩的搭配，本书专注于解析那些由钢筋、混凝土、玻璃和砖石构筑起来的宏大叙事。建筑摄影的核心在于“精确性”与“诠释性”的平衡。它要求摄影师既要忠实于建筑的几何形态、比例关系以及结构的逻辑性，又要能在瞬间捕捉到光线赋予建筑的独特情绪与氛围。 1. 光影的雕塑：建筑的生命线 光线是建筑摄影的灵魂。不同的时间、不同的天气条件，都会赋予同一座建筑截然不同的面貌。本书将详尽剖析自然光与人工光在建筑表现中的作用。 黄金时段与蓝色时段的运用： 探讨清晨和黄昏时分，光线如何以低角度掠过立面，凸显纹理与深度，营造出戏剧性的阴影对比。蓝色时段（Blue Hour）的拍摄技巧，如何利用天空的冷色调与室内暖光形成和谐的色彩交响。 顶光与侧光的解析： 侧光如何强调体块感和材质的粗粝或光滑；顶光（正午）的挑战与应对策略，以及如何通过曝光补偿和后期处理来避免“死白”的高光和“死黑”的阴影。 室内光线的控制： 面对复杂的室内照明环境，如何平衡窗外自然光与室内人造光源的色温和亮度差异，确保画面的通透性和氛围感。 2. 几何与透视的魔术 建筑学是几何学的具体体现。成功的建筑照片必须尊重并有效利用建筑的线条、平面和体量。 垂直线的保持： 为什么在建筑摄影中，保持垂直线绝对的垂直至关重要。我们将深入探讨使用移轴镜头（Tilt-Shift Lens）的原理与实际操作，以及在后期软件中进行“镜头校正”的精确流程，确保摩天大楼不会“向后倾倒”。 构图的法则与打破： 学习如何运用三分法、对称性、引导线（如走廊、楼梯、重复的窗格）来引导观众的视线，深入建筑的内部空间。同时，探讨在现代主义建筑中，如何通过抽象的构图，将建筑分解为纯粹的形状与线条的组合。 视点的选择： 不同的拍摄高度和角度会彻底改变建筑的解读方式。是从地面仰视的震撼，还是从对面楼宇俯瞰的全景，每一种选择都承载着特定的叙事意图。 二、 深入现场的技术精修 建筑摄影对技术的要求极为严苛，任何微小的失误都可能破坏建筑的严谨美感。本书将提供一套从前期准备到后期精修的系统化技术流程。 1. 器材的选择与优化 镜头群的配置： 广角镜头（用于捕捉宏大场景和环境肖像）、中焦段镜头（用于局部细节的特写和透视的修正）的重要性。移轴镜头在校正变形方面的不可替代性。 三脚架的必要性： 解释为何在绝大多数建筑摄影中，使用稳定可靠的三脚架是保证画质锐度和精确构图的基石。 滤镜的魔力： 偏振镜（CPL）在减弱玻璃反光、饱和天空色彩和增强材质对比度上的应用；中灰渐变滤镜（GND）在平衡天空和地面的曝光上的实战技巧。 2. 曝光与动态范围的挑战 建筑摄影常常面临巨大的动态范围挑战——明亮的天空与深邃的阴影并存。 包围曝光（Bracketing）与高动态范围（HDR）处理： 详细讲解如何通过多张不同曝光的照片合成出细节丰富的图像，避免高光溢出或阴影死黑。这包括曝光合成的软件选择与工作流程。 曝光的取舍： 在无法使用HDR的情况下，如何根据主体的重要性，做出牺牲天空或牺牲地面的曝光决定，以及如何通过后期弥补。 三、 风格的塑形：从记录到诠释 优秀的建筑摄影师不仅仅是记录者，更是建筑的“第二位诠释者”。 1. 材质的触感：纹理的呈现 如何通过聚焦和景深控制，让粗粝的清水混凝土、温润的木材、冰冷的反光玻璃，乃至锈蚀的金属，都具有强烈的“触感”。探讨对材质细节的捕捉，是表达建筑“性格”的关键。 2. 环境与文脉的融合 一座建筑不应孤立存在。本书强调将建筑置于其社会、历史和自然环境之中进行考量。 环境人像的融入： 适度地加入人物剪影或活动场景，可以有效地赋予静态的建筑以“尺度感”和“生命力”。但必须把握好人物与建筑的主次关系。 文脉的对比与和谐： 探讨如何拍摄新旧建筑的并置，突出历史的对话感，或者如何强调现代建筑与自然景观的有机融合。 3. 后期处理的“不动声色” 建筑摄影的后期目标是“还原真实感受，而非创造虚假场景”。我们将讨论专业的后期工作流程，包括：色彩校正、锐化、降噪、镜头畸变和透视校正的精确操作，以及如何避免过度处理导致的“数码感”。 四、 专题案例剖析 本书将通过对不同风格建筑（古典主义、现代主义、解构主义、高科技建筑）的实战案例分析，展示如何根据建筑的内在逻辑，定制专属的拍摄方案。从历史悠久的博物馆到前卫的住宅设计，每一次拍摄都是一次对空间语言的解码之旅。 通过对光线、几何、技术与人文的系统学习，读者将能够超越简单的记录，创作出能够与建筑师进行深度对话，并打动人心的建筑摄影作品。

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这本书的语言风格，用一个词来形容就是“过度学院化”和“自我封闭”。作者似乎习惯于在一个只有少数专业人士才能理解的圈子里进行对话，大量使用了只有精通特定设计流派的人才能领会的行话和晦涩的术语，却没有提供任何有助于理解的上下文解释或脚注。例如，书中反复提及某个“后结构主义的解构手法”，但对这种手法的具体操作步骤或者其美学内核的阐释却非常含糊其辞，仿佛我们都应该心领神会。这种写作方式，对于想要踏入这个领域的新人来说，是极其不友好的，它建立了一堵高高的知识壁垒，把门外的学习者拒之门外。我不得不频繁地暂停阅读，去查阅那些术语的定义，这严重打断了阅读的连贯性和思考的流畅性。一个好的教学性作品，应当是知识的传递者，它应该努力去弥合专业知识与大众理解之间的鸿沟，而不是通过故作高深的语言来彰显自身的“深度”。这本书更像是一份写给同行、用来自我标榜的内部研讨报告，而非一本面向更广泛受众的、旨在普及和启迪的设计读物。

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这本书的封面设计得非常大胆，那种强烈的色彩对比和抽象的几何图形，一下子就抓住了我的眼球。我一直对视觉艺术和色彩理论有些研究，所以忍不住翻开第一页。然而，读进去之后，我发现这本书似乎更侧重于某种非常特定的、偏向于建筑学或者结构工程学的角度来探讨“形态”的构建，而不是我期待的那种面料的垂坠感、人体的曲线美或者历史服饰的演变。里面充斥着大量的图表和复杂的数学模型，详细分析了不同张力下的结构稳定性，以及如何通过精确的切割线来控制一个平面如何在三维空间中展开。说实话，对于一个热衷于手工缝纫和寻找灵感的爱好者来说，这些内容显得有些枯燥和晦涩。我本来希望找到一些关于如何挑选合适的衬里、如何处理领口的弧度、或者不同时代女性裙撑的社会文化背景解读，但这本书里提供的更多是关于如何计算一个结构支撑点如何承受外部荷载的理论分析。我甚至在其中一章看到了关于“仿生结构在可穿戴艺术中的应用”的讨论，虽然这个主题本身很有趣，但作者的阐述方式太过学术化，缺乏实例支撑和视觉引导，让人很难将那些冰冷的公式与我们日常所见的那些灵动的服装联系起来。最后，我带着对结构力学更深的理解，但对如何设计出一件美丽的裙子却依然感到迷茫。

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这本书的印刷质量和排版设计简直是一种灾难，这对于一本探讨“美学”的书籍来说，简直是致命的疏忽。纸张的选择非常粗糙，有一种廉价的再生纸质感，光线一照，反射出刺眼的白光，这使得原本可能具有层次感的图片变得平板而失真。更令人不解的是，很多关键的图例——那些本应清晰展示剪裁走向或者面料纹理的插画——都被处理成了低分辨率的黑白墨线稿，细节模糊不清，让人完全无法分辨出它试图表达的细微差别。我记得有一页专门讲解“褶裥的塑形技术”，但图示中那些本应精确到毫米的折痕，在印刷品上看起来就像是随意画上去的几道弯曲的线条。作为读者，我依赖视觉信息来理解复杂的工艺，但这本书提供的视觉支持，非但没有帮助，反而成为了理解内容的障碍。我不得不频繁地在文本和那些模糊的图像之间来回比对，试图脑补出作者想要展示的那个精妙之处，这极大地消耗了我的阅读耐心。如果设计者在制作过程中能对视觉材料给予哪怕是中等水平的重视，这本书的体验都会提升一个档次。

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我是一位对可持续发展和环保材料抱有极大热情的初学者，我期待这本书能深入探讨当前时尚界面临的伦理困境，以及设计师如何在材料选择上做出更负责任的决策。我很想知道关于新型生物基纤维的性能分析，或者关于“零浪费”剪裁技术在工业化生产中的可行性报告。然而，这本书似乎完全生活在一个与现实脱节的理想国度里。它对材料的讨论停留在上个世纪，主要集中在羊毛、棉布和基础的合成纤维上，对于近十年快速发展的再生聚酯、蘑菇皮革等前沿材料，只是一笔带过，像是在清单的末尾添加了几个时髦的标签，却没有任何实质性的数据或应用案例来支撑。书中关于“设计寿命”的讨论也流于表面，仅仅停留在“衣服应该耐穿”这种非常朴素的道德呼吁上，而没有给出任何关于如何通过结构设计来延长产品生命周期、或者如何设计易于拆解和回收的服装的实用指南。读完之后，我感觉作者对当代时尚产业所面临的环境压力和技术革新趋势是麻木不仁的，它提供的是一种过时的、甚至可以说是有些不负责任的“设计观”。

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我当初购买这本书，是抱着一种探寻“风格”起源的期待，希望能理解那些T台上令人惊艳的作品是如何从概念一步步落地成实体的。我尤其关注的是那些定义了一个时代审美的东西——比如“新风貌”的廓形革命，或是极简主义如何通过面料的质感来传达精神力量。这本书的叙事结构非常跳跃，它似乎更热衷于罗列一系列不相关的案例，从文艺复兴时期的盔甲到20世纪中叶的工业制服，然后用非常简短的篇幅去概括它们之间的“联系”。这种“点状”的叙述方式，让我感到非常碎片化。我希望看到的是一种清晰的脉络，一个设计师是如何思考，如何将灵感转化为可量化的设计语言的。例如，书中有一段描述了“功能性”在设计中的地位，但它只是泛泛而谈，没有深入剖析某位大师是如何将实用性与艺术性完美融合的，比如如何巧妙地将口袋隐藏在不破坏线条的前提下，或者如何通过拉链的设置来重塑身体的视觉效果。整本书读下来，给我的感觉就像是在看一本非常详尽的、但缺乏主旨的博物馆导览手册，每一页都有信息，但它们之间缺乏一种有机的连接，更没有提供给我一个可以套用的设计思考框架。

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