杨飞云油画艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津杨柳青画社

作者:杨飞云

出品人:

页数:36

译者:

出版时间:2000年01月

价格:45.0

装帧:平装

isbn号码:9787805035260

丛书系列:

图书标签:

• 杨飞云
• 艺术
• 画册
• 油画
• 内蒙的画家
• [3]
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• 中国油画
• 当代艺术
• 艺术史
• 艺术教育

飞羽之歌：新世纪中国水墨的探索与实践 本书并非对杨飞云油画艺术的任何分析或记录。 本书聚焦于二十一世纪初以来，中国水墨画领域涌现出的创新思潮与个体实践，旨在梳理和呈现一批具有前瞻性和实验精神的艺术家群体，他们如何在继承传统笔墨精髓的基础上，大胆地引入当代观念、拓宽媒材边界，并构建起与时代精神对话的新水墨图景。 第一部分：笔墨的当代语境——从传统范式到观念转向 本部分深入探讨了二十世纪末至新世纪初期，中国传统水墨画遭遇现代化冲击后的内在危机与外在转型。我们考察了“学院派”对传统笔墨语言的规范化处理，以及“先锋水墨”在八十年代对文人画精神的颠覆性批判，并以此为背景，分析了当代水墨如何从对“似与不似之间”的哲学探讨，转向对社会现实、个体经验和本体论问题的哲学追问。 重点案例分析了三组核心议题： 1. 空间重构与多维视角： 许多艺术家开始质疑传统山水画中“散点透视”的局限性。他们借鉴西方现代主义绘画中的平面化处理、拼贴技法，甚至建筑学原理，试图在二维的宣纸上构建出复杂、多层次、非线性的视觉空间。我们分析了如“碎片化景观”的表达，如何反映了当代城市化进程中人们对环境的疏离感和重塑感。 2. “留白”的意义深化： 传统水墨中的“留白”是计白当黑、气韵生动的关键。然而，在新水墨的实践中，“白”不再仅仅是未画之处，而是成为了具有强烈主体性的构成元素。它可能是时间的断层、记忆的缺失，甚至是观念的缺席。本书细致研究了几位艺术家如何利用宣纸本身的肌理和“未完成性”，使“空”本身成为承载信息和情绪的载体。 3. 材料的边界拓展： 面对油画、丙烯等西方媒材的冲击，新水墨并未固步自封于“笔墨即本体”的传统认知。本部分详细记录了艺术家们如何探索性地使用矿物颜料的粗粝质感、将树脂、砂纸、甚至电子元件融入水墨创作。这种对材料的解放，旨在打破水墨长期以来被标签化的“清雅”或“文弱”的刻板印象，使其具备与当代公共空间对话的物质力量。 第二部分：个体叙事与文化身份的再定位 新世纪以来，随着全球化进程的加速和身份认同议题的凸显，水墨画不再仅仅是描绘自然山川或古典意境的工具，它成为了艺术家表达复杂个人史诗和文化焦虑的载体。 城市经验与“在场”： 本章节重点关注那些将创作现场从传统山野转向当代都市的实践者。他们放弃了古典山水的程式化描绘，转而捕捉高架桥下的光影、霓虹灯下的湿气、以及密集人群中的个体肖像。水墨的晕化、渗化特质，被用来表现现代都市生活中的疏离感、速度感和瞬时性。例如，有艺术家通过极度精微的工笔勾勒结合大面积的墨晕，表现出高速信息流中个体记忆的凝固与消融。 文人精神的现代性回响： 传统文人画强调“诗、书、画、印”的四绝合一。在当代，这种精神性被转化成了对“人文精神”的坚守。我们分析了几位艺术家如何将书法性——不仅仅是笔画的书写，而是“书写行为”本身——融入画面结构。他们的线条不再追求古人所谓的“骨法用笔”，而是更注重线条在表达情绪张力、节奏变化以及自身存在的力度。有些作品甚至模糊了绘画与装置、水墨与行为之间的界限。 女性视角下的水墨实验： 随着女性艺术家的崛起，水墨领域对身体、性别权力与私密空间的探讨日益深入。本部分关注那些利用水墨的柔性、渗透性和可塑性，来表达女性经验的艺术家。她们的作品常常涉及对身体痕迹的记录、对传统闺阁题材的解构与重构，以及水墨作为一种“身体延伸”的媒介探索。 第三部分：技术迭代与未来展望 本书的最后部分，超越了传统平面水墨的范畴，探讨了数字技术与水墨的交汇点，以及水墨艺术在当代艺术生态中的未来定位。 我们探讨了数字扫描、高分辨率打印技术如何反作用于水墨创作本身，催生出“后水墨”的观念图像。艺术家们利用数字技术对传统笔触进行无限的放大、扭曲和重组，反过来再以传统水墨的方式进行二次创作，形成一种“数字母题，水墨再现”的循环。 最后，本书对新世纪水墨的整体发展趋势进行了总结：它正在完成从“对古典的模仿与继承”到“对当代现实的介入与批判”的深刻转变。新水墨不再固守宣纸上的传统边界，它成为了一种开放的、具有极强适应性的创作方法论，它在国际当代艺术语境中，持续地证明着中国传统艺术语言的生命力与可能性。 本书旨在为研究新世纪中国视觉文化、当代艺术史以及水墨本体语言转型的学者、策展人和爱好者，提供一个立足于实践前沿的、多维度的观察视角。

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我本以为这是一本偏学术性的画册，没想到它在理论探讨上也做得如此深入且富有启发性。书中对于光影、构图、色彩哲学的论述，简直是一堂生动的现代艺术大师课。作者的分析角度非常刁钻而独到，常常能从一个看似不起眼的细节中，引申出宏大的艺术观念。比如，书中对于“留白”的解读，彻底颠覆了我以往的认知，让我开始用一种全新的、更具禅意的眼光去看待画面空间的处理。对我这样业余爱好者来说，这些理论指导无疑是及时雨，它不仅教会了我“看”画，更教会了我如何去“思考”艺术。每一次阅读，都能提炼出新的感悟，这本书的价值在于，它提供了一个思考艺术的框架，而不是简单的答案。

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这本书的叙事方式非常独特，它没有采用那种枯燥的编年史式的罗列，而是像一位老朋友在娓娓道来，分享着艺术家的创作心路历程。作者的文字功底深厚，笔触细腻而又不失洞察力，总能在不经意间揭示出作品背后的深层含义。我尤其欣赏它对艺术家创作背景的深入挖掘，那些历史的变迁、个人际遇的起伏，都巧妙地融入到对画作的解析中，使得每一幅作品都拥有了鲜活的生命力。读完之后，我感觉自己不仅仅是欣赏了一批画作，更是与那位艺术家进行了一次跨越时空的对话，理解了艺术是如何在特定的时代背景下，成为个体情感的载体和精神的寄托。这种有温度的叙述，让严肃的艺术理论变得平易近人，引人入胜。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面那充满力量感的笔触到内页的纸张选择，都透着一股对艺术的敬畏。拿到手里沉甸甸的感觉，让人仿佛触摸到了艺术家本人创作时的温度。我尤其喜欢它在细节上的处理，比如那些对画作细节的高清放大，色彩的过渡和光影的捕捉都纤毫毕现，仿佛能透过纸张直接感受到画布上的肌理。这种精心的排版和印刷，不仅仅是技术的体现，更是一种对艺术品的致敬。阅读过程中，我常常会停下来，只是静静地欣赏那些作品，感受画家是如何用色彩来构建情感的，那种沉浸式的体验是其他媒介难以替代的。每一次翻页，都像是在进行一次私密的艺术朝圣之旅，让我对艺术的理解又深入了一层。

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坦白说，这本书的重量和厚度一度让我望而却步，但一旦真正沉浸进去，时间仿佛就静止了。我发现它最吸引我的地方，在于它对艺术品“生命力”的捕捉。书中的文字有一种魔力，能够将那些沉睡在画廊深处的作品唤醒，让它们重新在我眼前“呼吸”。无论是描绘市井百态的场景，还是对人物内心世界的刻画，都显得那么真实可感，仿佛能听到空气中流动的声音。这种极具画面感的文字，配合高质量的插图，构建了一个立体且充满情感的艺术世界。读完后，我发现自己看待周遭事物的眼光都变得不一样了，多了一份对细节的敏感和对美学的敬畏，这是一次由内而外的精神滋养。

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这本书最让我震撼的，是它所展现的那种跨越媒介的融合实验精神。我看到了作者是如何巧妙地将不同艺术形式的精髓融入到对绘画的探讨之中，比如提及音乐的韵律感如何影响了笔触的节奏，或者建筑的结构如何决定了画面的稳定与张力。这种多维度的解读，极大地拓宽了我的艺术视野，让我意识到艺术创作的本质是相通的，是人类感知世界的不同侧面。特别是关于材料媒介的探讨部分，对不同时期油彩特性的分析细致入微，那种对材料的尊重和探索精神，让我感受到了真正的匠人风范。这本书不仅仅是一部艺术史，更像是一本关于如何看待和理解“创造力”本身的指南。

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可以说是爱情的表达么？

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