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出版者:中国劳动社会保障出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-06-01

价格:20.0

装帧:

isbn号码:9787504534170

丛书系列:

图书标签:

• 国画
• 绘画基础
• 绘画入门
• 中国画
• 艺术
• 美术
• 技法
• 临摹
• 构图
• 笔墨

书籍简介：山水之间——中国山水画的意境与技法探微 一、引言：问道自然，寄情笔端 本书并非探讨基础笔墨的入门指南，而是深入中国山水画的哲学意境、历史演变与高级审美实践的一部深度专著。我们着眼于如何透过笔墨，捕捉天地精神，实现“可行、可望、可游、可居”的理想境界。本书旨在引导有一定绘画基础的读者，跨越技法层面，直抵山水画的“道”与“气韵”。 二、历史的维度：流派的嬗变与精神的传承 山水画的发展，即是中国文人士大夫精神品格的写照。本书将细致梳理中国山水画自魏晋萌芽至清末民初的演进脉络，重点剖析以下关键时期与流派的核心思想与风格标志： 1. 唐代：青绿与金碧的辉煌：分析李思训、李昭道的“金碧山水”所体现的盛唐气象，以及王维“水墨为上”的禅宗意境对后世的深远影响。我们关注的不仅是色彩的运用，更是“格律”与“性灵”的早期冲突与融合。 2. 五代北宋：巨碑式的全景山水：深入研究范宽的“高远”、关仝的“前无古人”、李成的“雪中山水”所蕴含的宇宙观。重点探讨“斧劈皴”、“披麻皴”等程式化语言如何服务于表达山川的雄伟与崇高，以及“太虚为主体”的哲学思考。 3. 南宋与元代：从“形似”到“抒性”的转向： 南宋院体：分析马远、夏圭如何运用“边角”、“留白”等手法，创造出简洁、凝练、富于禅机的“一角之景”，探讨其如何适应帝室南迁后的内敛心境。 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）：此部分是本书的重中之重。我们着重分析“笔墨当随时代”的内涵，探讨他们如何以古人为师，用枯淡的笔墨、率性的线条来寄托对异代的隐逸情怀与士人节操。倪瓒的“折笔”、黄公望的“牛毛皴”不再是简单的技巧，而是其人格的物化体现。 4. 明清：董其昌与“南北宗论”的再审视：剖析董其昌如何构建“文人画”体系，对“南宗”的推崇与对“北宗”的贬抑，并非简单的画派划分，而是对艺术权力与文人身份认同的建构。同时，我们将探讨清初“四王”的集大成与程式化，以及石涛、八大山人对程式的反叛与“我书我法”的创立。 三、意境的构建：虚实相生的哲学 山水画的精髓在于“意”，而非单纯的“形”。本书将系统阐述中国画中“意境”的构成要素： 1. “计白当黑”与“气韵生动”：解析“气”如何通过墨色的浓淡干湿、线条的提按顿挫来“流转”。“计白当黑”不仅仅是留白，更是对空间、时间、和空气感的经营，是东方哲学的“有无相生”在视觉上的体现。 2. “可游可居”的场所营造：探讨如何在二维平面上营造出多层次的景深（高远、深远、平远），以及如何通过“点景人物”来设定观者的游览路径与精神落点，使画面成为一个可供心灵栖居的理想化空间。 3. 皴法背后的精神密码：皴法是山石的骨骼，更是画家的“心法”。本书将超越对具体皴法（如披麻、斧劈、荷叶、折带）的技法描述，深入挖掘每一种皴法所对应的山石品性（如雄强、秀润、苍劲），以及它们如何服务于整体画面的情感表达。 四、实践的深化：高级笔墨的独立运用 本书将针对已掌握基本功的专业学习者，探讨如下高阶课题： 1. 墨分五色的精微控制：墨法的最高境界并非追求色彩的丰富，而是对“枯湿浓淡”的极致调控。深入讲解如何通过墨法的变化来区分季节、时间、气候与物质的质感（如苔藓的湿润、老树皮的苍老）。 2. 线的独立性与雕塑感：探讨“十八描”等传统用线技法在现代语境下的转译。分析线条如何在不依赖皴法的情况下，单独构建出物象的结构与生命力，尤其是在界画与人物结合的山水画中。 3. 构图中的不对称美学：深入研究中国画对“中轴线”的规避，以及如何通过对角线、S形、C形等动态构图引导视线，如何在“满”与“空”之间找到永恒的平衡点。 五、结语：从“画山水”到“成山水” 山水画的终极目标是“托物言志”。本书力求展现，每一笔皴擦，每一次点苔，都是画家对生命、对自然、对宇宙的独特回应。阅读本书，将是一次对中国文人艺术精神的深度朝圣，帮助学习者最终实现将个人学养、哲学思考与笔墨技艺融为一体的艺术追求。 --- （注：本书适合具有扎实素描基础和初步中国画笔墨经验的进阶学习者与研究者。）

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这本书的装帧设计倒是挺不错的，纸张的质感摸起来很舒服，油墨印刷的清晰度也很高，这一点对于看图学画的书来说至关重要。我最欣赏它的一点是，它对“墨分五色”的讲解部分，处理得非常直观。它用一系列对比鲜明的图例，展示了如何通过控制水量和研磨时间，在一张纸上调出从焦墨到宿墨的层次感。这比我以前看过的其他教材，仅仅用文字描述要有效得多。我尝试着做了一次书中介绍的“泼墨晕染”练习，发现控制水在宣纸上的扩散速度，确实需要大量的练习和对纸性的了解。这本书把这种经验性的知识转化成了可以被量化和模仿的步骤，这对于自学者来说，极大地减少了试错成本。不过，有一点小小的遗憾，书中关于印章和款识的介绍部分有些过于简略，对于如何安排题跋位置，以及不同书体的选择，只有一页纸的篇幅带过，这对于一个想完整学习国画艺术的人来说，是个不小的遗漏。

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说实话，我刚开始接触国画，对“气韵生动”这些词汇一头雾水。这本书给我的最大感受就是“务实”——它几乎没有陷入那些高深的玄学讨论中，而是直接切入到具体的物象描摹上。比如画石头，它会告诉你哪种皴法适合表现斧劈皴的坚硬，哪种晕染适合表现太湖石的圆润孔洞。我特别喜欢它介绍“花鸟画”的章节，特别是对几组常见花卉的结构分析。它不是简单地让你去临摹，而是先拆解花朵的结构，例如牡丹花的层叠关系、菊花的花瓣走向，然后才组合起来。这种解构和重组的学习方法，极大地培养了我的观察能力。读完这本书，我感觉自己对自然界物体的观察视角都有了微妙的变化，走路时会不自觉地分析树枝的生长逻辑。虽然这本书对于高级技巧如“没骨画法”的探讨不够深入，但作为入门级的“看图说话”指南，它无疑是非常称职和实用的，它成功地将“艺术”拉回到了“手艺”的层面，让人敢于下手。

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我原本是想找一本偏重于写意山水理论的书籍，想了解一下古代画家是如何通过留白来表达“计白当黑”的哲理。然而，当我翻开这本《国画基础》时，发现它的侧重点似乎完全不同。这本书更像是一本操作手册，非常注重技法层面的实操训练。例如，在论述“树法”时，它详细拆解了松树的针叶画法、梅花的枝干处理，甚至连不同季节树木的形态变化都做了细致的描绘。书中的范例图虽然清晰，但总体来说，艺术表现力上略显保守和刻板，更偏向于工笔和工整的写生范式，缺乏那种令人眼前一亮的、充满个性的笔墨趣味。对于我这种已经有一些基础，追求在传统技法上寻求突破和个体表达的读者来说，这本书提供的框架性指导略显单薄，它教会你“怎么画”，但没有太多引导你思考“为什么这样画”以及“如何画出自己的东西”。如果目的是想快速掌握一些基础的绘画元素，它足够用了，但若想深入探讨国画的哲学意境或流派差异，恐怕需要另寻他书。

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这本《国画基础》真是让我这个初学者醍醐灌顶。我一直觉得国画是那种高不可攀的艺术，线条、墨色的运用玄妙得很，自己动手肯定做不好。可是这本书的讲解方式却非常平易近人。它没有一开始就抛出复杂的理论，而是从最基础的“笔墨纸砚”的认识讲起，细致到毛笔如何握持，宣纸的吸墨特性，甚至墨的浓淡干湿如何通过研磨程度来控制。我印象最深的是关于“用线”的章节，它用大量的图例，清晰地展示了什么是“铁线描”，什么是“兰叶描”，每一种线条的提按顿挫都配有动图（或者说是分解步骤图），让我明白了，原来看似随意的几笔，背后是蕴含着极强的控制力和意境的。这本书的结构安排很合理，从基础的工具认知，到最简单的点、皴、擦，再到植物、山石的结构，层层递进，每学完一个单元，都会有一个小练习来巩固。我照着书上的方法试着画了几笔竹叶，虽然离大师水平还差得远，但那种“画出了感觉”的喜悦是实实在在的。对于想入门的朋友来说，这本书提供了非常扎实的第一步，它让你知道该从哪里开始，而不是被浩瀚的国画世界吓退。

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这本书的优点和缺点都非常明显，它的市场定位似乎是面向那些完全没有绘画经验，甚至可能没有美术背景的社会人士。它非常注重“模仿”，强调“眼到、手到、心到”的同步训练，通过大量的步骤分解图，试图在读者心中建立一个清晰的“标准范式”。我特别欣赏它对“写意”的初步界定时，并没有直接要求读者去领悟“禅意”，而是通过控制笔触的速度和力度，来模拟出一种“意在笔先”的状态，这是一种非常聪明的教学策略。然而，正因为它的全面性和基础性，导致在深入探究某些特定主题时显得力不从心。例如，在表现人物画中的衣纹动态时，书中给出的参考图例略显僵硬，缺乏流动感，这让我不得不去寻找其他更专业的资料来补足这方面的知识。总的来说，这是一本优秀的“敲门砖”，它能帮你扫清对国画艺术的恐惧感，提供一套行之有效的练习路径，但想要在这条路上走得更远，这本书所能提供的营养会很快被消化完毕，需要后续的拓展阅读和大量的独立实践来填充其间的空缺。

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