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出版者:第1版 (2001年5月1日)

作者:蔡毅

出品人:

页数:45

译者:

出版时间:2001-5

价格:10.0

装帧:平装

isbn号码:9787800473456

丛书系列:故宫知识丛书

图书标签:

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华夏瑰宝：宋代定窑白瓷的艺术与技术探微 （图书简介） 本书聚焦于中国陶瓷史上一个至关重要且极具艺术魅力的篇章——宋代定窑白瓷。定窑，作为宋代五大名窑之首，其成就代表了当时制瓷工艺的巅峰水平。本书并非简单地罗列器物图录，而是深入剖析了定窑白瓷从原料选择、成型工艺、独特的“覆烧法”技术，到釉色、刻花、划花、印花等装饰技法的形成、发展及其审美风格的演变历程。 第一部分：定州大地与窑火的交融——定窑的历史地理与兴衰 本部分首先追溯了定窑的历史渊源。定窑的创烧地位于今河北省保定市的曲阳、望都等地，优越的地理位置使其能够充分利用当地丰富的瓷土资源和成熟的制瓷经验。我们详细考证了唐代晚期至五代时期定州地区制瓷业的雏形与过渡阶段，并着重分析了北宋定窑的鼎盛时期。通过对历代文献记载（如《图经》、《郡志》）和考古发掘报告的交叉比对，梳理了定窑的兴衰脉络，探讨了靖康之变对定窑生产体系，特别是宫廷用瓷供应的毁灭性打击，以及其后期的艰难转型。 第二部分：白玉之韵——定窑白瓷的材质特性与烧成奥秘 定窑白瓷的魅力，首在于其“类雪似玉”的釉色与质地。本书用科学的视角解读了定窑胎体的特点，它区别于其他同时期青瓷和黑釉瓷的独到之处。我们详细分析了定窑所用高岭土的矿物学成分，探讨了其高白度与细腻程度如何为最终的釉色效果奠定基础。 核心部分在于对定窑标志性烧制技术的深入研究——“覆烧法”。传统的瓷器烧制多采用垫圈或支钉支撑，而定窑为了追求器物口沿的洁白无瑕，创新性地采用了口朝下覆置于匣钵内烧制的方法。本书通过对出土的窑具、匣钵残片以及器物底足的实物考察，重构了覆烧法的具体操作流程，探讨了这种技术对器型、釉水流淌、以及口沿“泪痕”和“金口”现象形成的关键影响。此外，我们还对比研究了定窑印花瓷的垫圈烧成法，揭示了不同工艺在满足不同审美需求下的合理性选择。 第三部分：刀光影动——装饰技法的大成与风格流变 定窑的装饰艺术是其登上名窑之列的关键。本书将定窑的装饰技法分为三大体系，并探讨了它们在北宋中晚期至南宋初期的风格演变： 1. 刻花（Carving）： 早期定窑以刻花为主，线条流畅而犀利。本书通过拓片技术，系统梳理了早期刻花纹饰的母题，如莲枝、草龙、缠枝牡丹等，分析了刻花如何体现出宋人对自然生命力的简洁捕捉。 2. 划花（Incising）： 随着技术成熟，划花逐渐取代了部分刻花的地位。划花线条更细劲，常用于表现精细的几何纹或水波纹。书中特别分析了双鱼戏水纹、折枝花卉纹等划花母题的布局艺术。 3. 印花（Molding）： 印花是定窑最具代表性的装饰手法，其工艺的成熟标志着定窑大规模生产能力的提升。本书详尽记录了各种印花模具的风格——从早期规整的几何图案，到中期繁缛精美的花卉和动物纹饰（如联珠纹狮子、龙凤纹等）。我们特别关注了印花纹饰的“繁密式”布局，探讨了这种布局如何与白瓷的素雅形成一种强烈的视觉张力，并对比了院藏品与民间出土印花瓷在纹饰精细度上的差异。 第四部分：宫廷审美与民间需求——定窑的器型谱系与功能定位 定窑的产品线极为丰富，涵盖了从日常饮食器到宗教供器，再到宫廷典藏的各类形制。本书根据考古发现和传世品，系统梳理了定窑的主要器型：盘、碗、洗、盏托、梅瓶、胆瓶乃至仿古礼器。 重点解析了定窑对青铜器和玉器的模仿，如仿制的簋、鼎式炉等，这反映了宋代文人士大夫追求“雅”与“复古”的审美潮流。同时，本书也探讨了定窑对其他窑口的影响，特别是其白瓷技术对南方磁州窑白地黑花等装饰手法产生的技术溢出效应，以及其“金口铁足”的特点如何被后世瓷工反复借鉴。 本书旨在为读者提供一个全面、深入、具有学术深度的定窑白瓷研究范本，它不仅是艺术史的记录，更是中国古代精湛技术与高雅审美的完美结合的物证。通过对这一“天下无双”的白瓷艺术的细致审视，读者将能更真切地体会到宋代士人阶层内敛而精致的文化情怀。

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我花了整整一个下午的时间，沉浸在那些清代官窑精品的花纹之中，那种细密到令人发指的描绘功力，简直让人怀疑是否真的出自人力。那些繁复的“万寿无疆”纹饰，每一个蝙蝠的翅膀边缘、每一朵莲花的脉络都勾勒得一丝不苟，色彩的堆叠和晕染技术，尤其是在某些需要表现花卉阴影和立体感的地方，处理得极其高明。我特别留意了其中几件带有山水人物故事的盘子，那些仕女的衣袂飘举，远山云雾的缭绕，完全不是简单的平面装饰，而是具有极强的叙事性和空间感。它让我开始重新审视“匠人精神”的定义，在那个没有高科技辅助的年代，仅仅依靠毛笔和矿物颜料，就能达到如此登峰造极的艺术高度，这份耐心、这份对美的执着，是现代社会急需反思和学习的。这本书清晰地记录了这种“慢”的艺术所蕴含的强大生命力。

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这本画册的装帧简直是一件艺术品，从拿到手的那一刻起，我就被它沉甸甸的质感和细腻的印刷工艺所吸引。封面采用的仿古宣纸纹理，透着一股历史的厚重感，配合那鎏金的书名，让人肃然起敬。内页的纸张选择也非常考究，光泽度适中，既能完美呈现出瓷器釉彩的温润光泽，又不会产生刺眼的反射，使得每一幅高清彩图都能细致入微地展现出器物表面的细节，无论是开片纹理的走向，还是釉色过渡的微妙变化，都清晰可见。尤其值得称赞的是，它对于器型线条的捕捉极为精准，那些精巧的圈足、流畅的瓶身曲线，在书页上得到了最忠实的复刻。我甚至能想象出工匠在拉坯时指尖留下的力度和节奏。这本书不仅仅是资料的汇集，更是一次触觉和视觉的双重盛宴，它将古代制瓷工艺的巅峰之作，以一种近乎“原物在手”的体验呈现给了我们，对于痴迷于陶瓷艺术的收藏家或爱好者来说，光是把玩这本书本身，就是一种极大的享受。

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这本书的排版设计带着一种非常克制和优雅的现代感，它没有采用传统图录那种密密麻麻的文字说明，而是采取了极简的留白策略。每件器物都占据了大量的页面空间，让观者能够完全沉浸在器物自身的语言中。在尺寸、年代、款识的标注上，用的是一种非常纤细、不易察觉的字体，像是对器物本身的低语，尊重了艺术品的主体地位。这种“少即是多”的设计理念，极大地提升了阅读的愉悦度。我欣赏它在介绍性文字上保持的学术严谨性，但又避免了过于冗长和生涩的术语堆砌，使得即便是非专业人士也能轻松进入欣赏的殿堂。这种平衡感把握得恰到好处，既满足了内行的考据需求，又兼顾了普通读者对美的直观感受，可以说是为艺术品图像资料的出版树立了一个新的标杆。

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这本书成功地营造了一种时间凝固的氛围，让我感觉自己仿佛是穿越回了清宫造办处的画坊之中。每一件器物的细节，尤其是那些精细的描金和填彩工艺，都展现出一种难以言喻的匠心独运。我尤其关注那些瓶口、足沿等边缘部位的处理，往往是最容易露出马脚的地方，但在这本书所呈现的图像中，那些线条干净利落，描金的厚度均匀一致，显示出极高的品控标准。更令人玩味的是，有些器皿上似乎还保留着微小的、不影响整体美观的“不完美”，例如一笔略微失焦的线条或一处微小的气泡，这些“瑕疵”反而成为了历史的注脚，诉说着制作过程中的真实瞬间。它提醒我们，再完美的工艺品，背后也是由有血有肉的人在特定历史条件下完成的，这种对“人”与“物”关系的关注，让这本书的价值超越了单纯的图像展示，成为了一部关于古代生活美学和制作哲学的深度文献。

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作为一名长期关注中国古代青花瓷器研究的人士，我发现这本书在色彩表现力的深度上，给我带来了全新的震撼体验。虽然主题是粉彩，但它对于不同色地与彩绘之间的关系处理，提供了一个绝佳的对比样本。例如，那些覆盖着浅色釉料的器皿，其上彩绘的层次感和通透性，是单纯观看博物馆实物在特定灯光下难以捕捉到的。书中的技术分析部分（即便很简略），也暗示了不同时期对“粉彩”定义范围的拓展与收窄，特别是对那些过渡时期的作品，它似乎在用图像语言暗示着技法上正在发生的细微革命。我甚至开始对比不同窑口（如果书中有涉及）在粉彩运用上的地域特色，那些景德镇的细腻与别处的粗犷形成了鲜明的对比，这本书提供了一个绝佳的平台来进行这种跨越式的视觉比较，让我对粉彩工艺的地域流变有了更直观的认识。

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