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出版者:浙江人美

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:222

译者:

出版时间:2000-6

价格:380.00元

装帧:

isbn号码:9787534010323

丛书系列:中国绘画全集

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《世界建筑史纲》 一部跨越时空的宏伟叙事，探索人类文明的基石与梦想 本书简介： 《世界建筑史纲》并非一本罗列古今建筑名录的简单图册，而是一部深度剖析人类文明演进脉络的宏大学术著作。它以建筑为核心的媒介，深入探讨了技术、信仰、社会结构、政治权力乃至日常生活美学是如何在不同历史时期和地理空间中塑造人类聚居形态与精神世界的。全书结构严谨，论证细致入微，旨在为读者构建一个清晰、全面且充满洞察力的世界建筑知识体系。 第一部分：远古的起源与早期文明的奠基（公元前3000年以前至公元前500年） 本部分追溯建筑的“零点”——从原始洞穴居所到早期定居点的转变。我们不再将这一时期的建筑视为简单的庇护所，而是将其视为人类心智成熟的标志。 史前建筑的社会意义： 重点分析巨石阵（Stonehenge）等史前遗迹，探讨其在天文观测、宗教仪式和社会组织中的核心作用。我们通过对材料选择（如花岗岩、石灰石）及其运输方式的考证，揭示早期社群的组织能力和对宇宙秩序的初探。 美索不达米亚的权杖与泥土： 详细考察苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述文明的城市规划与宗教建筑。重点阐述了神塔（Ziggurat）作为连接天地的宇宙轴心的功能与象征意义。泥砖作为主要材料，如何影响了建筑的耐久性和风格特征，以及宫殿建筑中浮雕叙事的政治宣传作用。 尼罗河的永恒之梦： 埃及部分将深入剖析金字塔的建造技术、几何精度及其背后的宗教哲学——对永生和“卡（Ka）”的信仰体系。同时，对卡尔纳克神庙群的轴线布局、多柱厅的柱式演变，以及帝王谷的岩石墓室进行了建筑学上的细致解构，说明其如何反映了法老集权与太阳崇拜的紧密结合。 第二部分：古典的理性与秩序的建立（公元前500年—公元476年） 本卷聚焦于古希腊的民主理想与古罗马的工程实践如何共同奠定了西方建筑的理性基础。 古希腊的比例与和谐： 本章侧重于雅典卫城建筑群的精妙设计。详细解析多立克、爱奥尼和科林斯柱式的结构逻辑、三段式（柱基、柱身、楣梁）的严格比例，以及“视错觉矫正”技术（如帕特农神庙的微小曲率）如何体现了古希腊人对完美形式的追求。建筑不再只是实用，更是哲学思考的外化。 罗马的征服与实用主义的胜利： 罗马建筑的核心在于其对混凝土（Opus Caementicium）的革命性应用。我们将探讨拱、券和穹顶如何使罗马人能够以前所未有的规模和复杂性建造公共设施——从宏伟的万神殿（Pantheon）的完美穹顶结构，到公共浴场、引水渠和斗兽场的工程奇迹。重点分析了巴西利卡（Basilica）形制向早期基督教教堂的过渡作用。 第三部分：信仰的疆域与地域的分化（公元476年—1450年） 中世纪的建筑史是一部宗教与地方文化激烈碰撞的编年史，它体现了从东西方分裂到重新整合的复杂过程。 拜占庭的黄金穹庐： 圣索菲亚大教堂是本章的焦点。我们将分析其革命性的结构技术——半穹顶与拱肩（Pendentive）的完美结合，如何实现了大跨度空间内的光线漫射效果，创造出“漂浮”的宗教幻境，以对抗西方的朴素实用主义。 西欧的黑暗与光明： 考察早期基督教和罗马式（Romanesque）建筑的厚重与防御性特征，特别是其对拱廊和厚墙的依赖。随后，深入剖析哥特式（Gothic）建筑的“技术解放”——肋拱、飞扶壁和尖拱的组合，如何使得墙体退居次要地位，建筑得以向天空无限拔高，实现“向上帝的攀登”的建筑意图。 东方世界的空间哲思： 关注伊斯兰建筑的独特美学，特别是对几何镶嵌图案（Tessellation）、书法装饰、马赛克工艺以及庭院空间的运用。分析大马士革清真寺和阿尔罕布拉宫如何通过水景、光影和高度复杂的非具象装饰来表达“真主独一”的抽象概念。 第四部分：文艺复兴的觉醒与古典的回归（1450年—1830年） 文艺复兴标志着人本主义的回归，建筑师们重新将目光投向古典遗产，寻求理性的秩序与人文的尺度。 意大利的“复兴”与“理想之城”： 解析布鲁内莱斯基（Brunelleschi）对古典比例的再发现，以及他对佛罗伦萨大教堂穹顶的工程突破。重点分析阿尔伯蒂（Alberti）和帕拉第奥（Palladio）如何将古罗马的建筑理论系统化，并将其应用于别墅和教堂设计，形成影响深远的“帕拉第奥主义”。 巴洛克与洛可可的戏剧性： 探讨17世纪欧洲建筑如何从古典的克制中解放出来，转而追求运动感、情感冲击和光影的强烈对比。以贝尼尼和博罗米尼的作品为例，分析曲线、椭圆和夸张的装饰如何服务于反宗教改革的传播需要。洛可可则体现了贵族阶层对精致享乐的追求。 新古典主义的理性回归： 分析启蒙运动对建筑的影响，以及对古希腊罗马原型的重新“考古学式”的忠诚。考察其在欧洲各国（如法国的雅克-杰尔曼·苏弗洛、美国的杰斐逊）如何作为新政权或新思想的官方语言被采用。 第五部分：工业革命的冲击与现代性的探索（1830年—20世纪初） 工业革命以前所未有的速度和材料（钢铁、玻璃）改变了建筑的物质基础和功能需求。 材料的革命与风格的回归： 探讨铸铁和钢结构在桥梁、火车站和水晶宫等工程中的早期应用。分析“折衷主义”的盛行，即建筑师如何在新的结构体系上贴附历史性的装饰风格（如新哥特式、新文艺复兴式）。 芝加哥学派与摩天大楼的诞生： 重点解析美国工程师和建筑师（如威廉·勒巴伦·詹尼）如何在高层结构中解决结构稳定性与空间划分的矛盾，从而催生了现代都市的垂直景观。 艺术与工艺的抗争： 考察对过度工业化装饰的反叛，如英国的“工艺美术运动”（Arts and Crafts）和欧洲大陆的“新艺术运动”（Art Nouveau），它们试图恢复手工价值和有机形态。 第六部分：现代主义的宣言与世界性语境的构建（20世纪至今） 现代主义是一场全球性的结构与美学革命，旨在摒弃历史包袱，为功能、技术和新的社会理想服务。 功能至上与“光线、空间、绿地”： 深入分析勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”和密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的“少即是多”哲学。探讨包豪斯（Bauhaus）如何将设计教育系统化，推动现代主义在世界范围内的传播。 地域主义与批判性地区主义： 考察现代主义在不同文化背景下如何被本土化和“驯服”。讨论阿尔瓦罗·阿尔托（Alvar Aalto）的木材运用、路易斯·康（Louis Kahn）对光线和材料的诗意处理，以及巴西、印度等地的现代建筑实践如何融入自身的气候和材料传统。 后现代的解构与当代语境： 分析后现代主义对现代主义“宏大叙事”的质疑，强调符号、历史引用和地方感的回归。最后，展望解构主义、参数化设计和可持续性建筑等前沿趋势，探讨在气候变化和数字化浪潮下，建筑师如何重新定义“居所”和“公共空间”的意义。 总结： 《世界建筑史纲》通过对建筑材料、结构逻辑、社会功能和精神象征的交叉分析，揭示了建筑是如何成为人类文明最坚实、最持久的文化文本。它不仅是艺术史的延伸，更是理解人类历史、政治和哲学的钥匙。本书力求以严谨的学术态度和生动的叙事风格，带领读者完成一次跨越数千年的建筑学田野考察。

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我是一个对“触感”要求比较高的读者，传统的铜版纸印刷对我来说常常显得过于冰冷和平面化。然而，这部《中国绘画全集》在纸张的选择上，似乎下了一番功夫，它有一种恰到好处的哑光质感，既保证了色彩的还原度，又模拟出了一些传统宣纸或绢本的温润感，拿在手里，有一种与古代媒介进行对话的错觉。我甚至试着用手轻轻拂过那些墨色浓重的地方，虽然知道是隔着纸张，但那种心理上的连接感是其他印刷品难以比拟的。此外，它在装帧上体现的“耐用性”也很出色，厚重的锁线胶装，即便是像我这样喜欢将书本摊平在画案上仔细研究的人，也完全不用担心书脊会损坏。总而言之，这是一次全方位的、令人满意的阅读体验，它成功地将古代艺术的精髓，通过现代工艺，以一种尊重历史又不失现代审美的姿态呈现了出来，值得每一个热爱中国传统艺术的人拥有。

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老实说，我购买这类大部头时，最担心的就是内容上的“灌水”和“拼凑感”，但这部作品的编排逻辑和深度，完全超出了我的预期。它不像市面上很多画册那样，只是简单地罗列作品，而是似乎在试图构建一条完整的中国绘画审美演变的时间线。当我看到唐代的浑厚与雍容，过渡到五代十国的雄浑壮阔，再到明清市民趣味的兴起时，那种脉络的清晰感，让人对中国艺术史的理解立刻清晰立体起来。比如，对于文人画和院体画之间的分野，书中通过精选的对比如图，做出了非常直观且有力的阐释，这种教学层面的用心，是我非常看重的。它不是那种只供人“看热闹”的图册，它更像是一部带着图例的教科书，只不过它的“教材”是那些穿越了千年的杰作。唯一的遗憾是，某些地方的导读文字稍微显得有些学术化，对于纯粹的门外汉来说，可能需要多查阅一些背景资料才能完全领会其中深意，但瑕不掩瑜，这种对深度的坚持，恰恰是其价值所在。

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这部厚重的画册，我拿到手的时候，首先被它压手的分量和那精美的装帧所吸引。翻开扉页，扑面而来的是一排排历代名家的真迹高清复刻，那种色彩的饱和度、笔触的细腻程度，即便是隔着纸张，仿佛也能感受到古人作画时的心境与呼吸。我记得我花了整整一个下午，仅仅沉浸在宋元山水的细节里，那些皴法和点苔，简直是活的哲学。尤其是对几幅界画的展示，那真是令人叹为观止，亭台楼阁的结构之严谨，线条之精准，让人不禁怀疑这究竟是笔墨的魔力，还是匠心的极致。当然，对于初学者来说，这些海量的图像信息可能会有些不知所措，但对于一个资深的爱好者或者研究者而言，这无疑是一座取之不尽的宝库，每一页都值得反复摩挲，揣摩其中的“气韵生动”。我尤其欣赏它在版式设计上的用心，留白得当，既不显得拥挤，又能让每一幅作品都拥有足够的展示空间，让观者能够真正进入到画作的意境之中，而不是被其他无关的元素所干扰。这本书的装帧质量也极其可靠，看得出出版方在选材上的讲究，即便是经常翻阅，也不担心纸张的磨损，这对于珍藏价值也很重要。

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我最近刚搬了新家，想要为书房添置一些能镇得住场面的艺术书籍，这款画册的出现简直是雪中送炭。它的开本非常大气，即便是远观，那封面上的墨色晕染也透露出一种低调的奢华感。但抛开外在的包装不谈，真正让我震撼的是它对于不同画科的覆盖广度。我原本以为它会更侧重于山水或人物，但惊喜地发现，花鸟画的部分同样精彩绝伦，从黄筌的富贵妍丽到写意花卉的洒脱奔放，各种流派的代表作都被悉心收录，这对于一个需要全面了解中国绘画体系的读者来说，简直是福音。我尤其喜欢它对细节的捕捉，有些画作的局部放大图，清晰到连画家的用笔习惯都能一览无余，这对于正在学习传统笔墨技法的爱好者来说，简直是无价之宝。我甚至带着它去请教了一位国画老师，老师也对它的图像质量和收录的稀有度表示了高度认可，这更坚定了我的购买价值判断。

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说实话，这本书的定价并不低，我犹豫了很久才决定入手，但现在看来，这笔投资绝对是值得的。它带来的体验，远超出了单纯的“看画”范畴。每一次翻阅，都像是在进行一场沉浸式的艺术之旅。我发现它在选材上非常注重“历史的必然性”，比如，在表现明代中晚期的画派纷争时，它没有偏袒任何一方，而是将董其昌的理论与实际作品相结合，让读者能够直观地感受到当时艺术思潮的碰撞。更绝妙的是，它在介绍某些偏远地区或特定时期（比如敦煌壁画风格对后世的影响）的作品时，收录了一些我在线下实体书店中从未见过的珍贵图像，这极大地拓宽了我对中国绘画版图的认知。这种挖掘和呈现的深度，体现了编者团队的专业素养和对艺术史的敬畏之心。它不仅仅是一本“画册”，更像是浓缩了数百年艺术精华的“思想载体”。

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13，明4， 那种大红牡丹花原来是从明代开始绘画出来的...

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