具体描述
在中华民族绵延数千年的优秀文化传统中生长发育起来的中国画艺术，以其独有的面貌屹立于东方大地。它自成系统，在漫长的历史进程中，形成了一套独有的审美体系、创作观念和表现方法。中国画艺术是中华民族优秀文化传统在造型艺术方面的结晶。中国画艺术的演变和发展，倾注了历代大师们的精神和生命。中国画艺术发展到当代，走过一段不平凡的历程。在传统中探求变革，在变革中发展传统，历代宗师巨匠为中国艺术勤奋耕耘，他们在艺术和学术上的追求丰富了民族文艺术宝库，为后代留下了宝贵的遗产。整理和研究当代中国画艺术遗产，推动中国画创作和理论的发展是中国画研究的一项重要的历史任务。中国画研究院将陆续组织对当代中国发展有重大影响的大师们的研究，整理他们的艺术经验，将研究成果汇编成册，奉献读者，以期为中国艺术的发展做一点脚踏实地的工作。
作者简介
目录信息
读后感
评分
评分
评分
评分
用户评价
当我一口气读完《李可染论艺术》这本书，一种深深的敬意油然而生。李可染先生不仅仅是一位伟大的画家，更是一位深刻的思想家。他对艺术的理解，已经超越了单纯的技法层面，上升到了对生命、对民族文化、对人生哲学的探索。他对“气韵生动”的论述，让我理解了中国画的最高境界，即不仅仅是形似，更要达到神似，能够传达出对象内在的精神气质。他认为，“气韵”是无形的，需要通过笔墨的巧妙运用，以及艺术家内心的修养来体现。我对他在书中关于“黑”的独到见解，更是感到惊叹。他将“黑”视为一种丰富而有力量的色彩，是表现山水的厚重与深邃的关键。他对“黑”的运用，并非简单的涂抹，而是通过层层叠加的墨色，营造出富有生命力的视觉效果。读完这本书，我感觉自己对中国画的理解，更加系统和深入，也更加能够体会到中国画的独特魅力和文化内涵。这本书，让我对艺术的追求，也从表面的模仿，升华到了对艺术精神的探求。
评分在阅读《李可染论艺术》的过程中，我体验到了一种“重塑”。我原本对于艺术的理解，可能更多地受到西方艺术理论的影响，强调形式、色彩、透视等客观元素。然而，李可染先生的文字，让我重新认识了中国传统绘画的独特价值体系。他对于“写”的强调，并非是简单的写实，而是对对象精神气质的捕捉和表达。他认为，“写”是一种高度概括和提炼，是一种“得意忘形”的境界。我对他在书中关于“笔墨韵律”的论述印象深刻，他将笔墨的运用，比作音乐的旋律，强调了线条的节奏感、力量感和生命力。这种将抽象的笔墨，赋予如此丰富的生命力，让我对中国画的笔墨语言，产生了全新的认识。书中关于“静”与“动”的辩证关系，也让我受益匪浅。他认为，中国画的“静”，并非是死寂，而是一种内在的生命力，一种蓄势待发的动感。而“动”，也并非是杂乱无章，而是有秩序、有节奏的生命律动。这种对“动静”的深刻理解，让我重新审视了许多我曾经无法完全理解的中国画作品，并从中感受到了更深的意趣。
评分第一次翻开《李可染论艺术》这本书，我并未抱有太多预设。我是一个对中国画，尤其是山水画有着浓厚兴趣的普通读者，对李可染先生的画作早有耳闻，也曾有幸在画展中亲眼目睹其笔下的雄浑与灵动。然而，对于他本人对于艺术的深刻思考，我知之甚少。这本书的封面设计简洁而庄重，没有过多的装饰，只是用一种沉静的字体呈现书名，以及作者的名字。这种设计本身就传递了一种信息：内容为王，无需浮华。我喜欢这种务实的态度。在阅读的初期，我尝试着去理解作者的思路，他如何将自己毕生的艺术实践与理论思考融为一体，又如何将中国传统绘画的精神内核，通过文字的方式传递给后人。起初，某些论述可能略显晦涩，需要反复咀嚼，但正因如此，每一次的理解都带来一种豁然开朗的喜悦。我发现，作者并不是简单地罗列技巧，而是深入到艺术创作的源泉，探讨了“胸有成竹”的真正含义，以及“外师造化，中得心源”在中国绘画中的不朽地位。这种对艺术本质的追问，让我感受到了作者的真诚与严谨，也让我对艺术的理解，从表面的欣赏，逐渐走向了更深层次的探究。我开始意识到，艺术不仅仅是视觉的享受，更是一种精神的洗礼，一种对生命、对自然的深刻体悟。
评分《李可染论艺术》这本书，对我而言，是一次关于“学习”的全新体验。我一直认为，学习艺术，最直接的方式就是临摹和实践。然而，这本书让我明白，理论的学习同样重要，甚至可以说，是指导实践的关键。李可染先生在书中反复强调“学”“思”“行”相结合的重要性。他鼓励学习者在学习前人的经验时，要保持批判性的思维，不要全盘接受，而是要经过自己的思考和消化，形成自己的独特风格。他对“学古”的论述，让我意识到，真正意义上的“学古”，并非模仿，而是理解古人的精神，并将其融入到自己的创作中。这种“融古”的境界，需要深厚的功底和敏锐的洞察力。我特别欣赏他对于“不落俗套”的追求，以及他对于艺术创作中“真”的强调。他认为，艺术的最高境界是“真”，即真实地表达自己的情感和思想，不做作，不虚伪。这一点，在我看来，无论是在艺术领域，还是在生活中，都是一种难能可贵的品质。这本书，让我对“学习”的理解，从单一的技能获取，上升到了对智慧和精神的追求。
评分《李可染论艺术》这本书，是一本让我“受益终身”的书。它不仅仅提供了关于中国画的理论知识，更重要的是，它传递了一种学习和思考艺术的态度。李可染先生在书中，反复强调了“勤”的重要性，他认为，艺术的成就，离不开艰苦卓绝的努力。他对自己数十年如一日的坚持，以及在艺术道路上的不断探索，都给我留下了深刻的印象。他对“读万卷书，行万里路”的推崇，让我明白，艺术的创作，离不开对生活的体验和对自然的感悟。他鼓励艺术家走出画室，去深入地观察和感受自然，去汲取创作的灵感。我对他在书中提到的“师法造化”的理念，深有体会。他认为，自然是最好的老师，只有真正地深入自然，才能从中领悟到艺术的真谛。这本书，让我对“勤奋”有了更深的理解，它不仅仅是重复的练习，更是持续的探索和思考。它也让我明白，艺术的道路，是一条需要长期坚持和不断学习的道路，但正是这条道路上的付出，最终会带来丰厚的回报。
评分随着阅读的深入，《李可染论艺术》逐渐展现出其独特的魅力。我尤其对作者关于“继承与创新”的论述印象深刻。在那个时代背景下，面对西方艺术思潮的冲击，许多艺术家都在思考如何在全球化的浪潮中保持中国艺术的独立性与生命力。李可染先生并没有采取简单化的排斥或盲从，而是以一种更为辩证的眼光，去审视传统与现代的关系。他强调“创新是民族的生命”，但这种创新并非空中楼阁，而是建立在对民族文化深刻理解和吸收的基础之上。他引用古人的话，结合自己的实践，阐述了“融化”的重要性，即如何将外来艺术的营养，消化吸收，最终转化为具有中国特色的艺术语言。这让我想到，在当今社会，我们面对的信息和文化更加多元，更需要一种“融化”的能力，才能在纷繁复杂的世界中，找到自己的定位，并有所创造。书中那些关于线条、色彩、构图的细腻分析，更是让我对中国山水画的认识提升到了一个新的高度。我开始尝试去辨识画面中不同笔触所蕴含的情感，去理解留白之处的深意。这本书不仅仅是理论的集合，更是一本充满实践指导意义的教科书，引导着我去重新审视和品味那些曾经熟悉的作品。
评分《李可染论艺术》这本书，给予了我一种“顿悟”的感觉。我一直觉得，作为一名普通观者，要真正理解艺术家的创作意图，是一件很困难的事情。但李可染先生的文字，以其真诚和深刻，消弭了我与艺术家之间的隔阂。他对于“创新”与“守旧”之间平衡的探讨，让我看到了艺术家在时代洪流中，如何坚持自己的艺术理想，又如何拥抱变革。他没有回避传统中的一些局限性，而是以一种积极的态度去面对，并寻求突破。我对他在书中提出的“变而变”的观点尤为赞赏，这是一种动态的平衡，是在传承的基础上，不断地进行自我革新。书中那些关于“意境”的阐释，更是让我明白了中国画所追求的“画外之音”。他认为，一幅好的山水画，不应该仅仅停留在画面的视觉呈现，更要能够引发观者的联想，触动观者的心灵。这种“境”的营造，需要艺术家对自然、对生活、对人生有深刻的感悟，并将这种感悟，通过笔墨巧妙地传达出来。读完这本书，我感觉自己对艺术的理解，更加立体和饱满，不再局限于表面的技巧，而是能够去感受作品背后所蕴含的深层意义。
评分《李可染论艺术》这本书，就像一扇窗户，让我得以窥见中国画艺术背后那片深邃而广阔的天地。我曾一度认为，艺术是少数人才能理解的“阳春白雪”，而李可染先生的文字，以其质朴而深刻的语言，将那些看似高深莫测的艺术理念，化为触手可及的智慧。他对“笔墨”的论述，让我明白了笔墨在中国画中的核心地位，它不仅仅是线条，更是情感的载体，是精神的表达。他对于“意境”的阐释，让我理解了中国画的独特性，即不仅仅是客观景物的描绘，更是艺术家内心世界的投射。他对“写”的强调，让我看到了艺术家如何通过高度的概括和提炼，去捕捉对象的精神实质，从而达到“得意忘形”的境界。我尤其欣赏他对“创新”与“传承”之间关系的深刻见解，他认为，真正的创新，是建立在对传统的深刻理解和吸收的基础之上，是一种“融化”和“超越”。这本书，让我对艺术的理解，变得更加立体和全面，不再局限于表面的技法，而是能够去感受艺术作品背后的情感、思想和文化内涵，也让我对中国传统艺术，产生了更深的敬意和热爱。
评分我对《李可染论艺术》这本书的感受，可以用“启迪”来形容。在阅读之前，我对艺术的理解，更多停留在“好看”的层面。李可染先生的文字，则像一把钥匙，打开了我对艺术创作背后深层逻辑的探知。他对于“笔墨”的论述，让我理解了笔墨在中国画中的核心地位，它不仅仅是工具，更是承载情感、表现精神的载体。他对“写意”的阐释，让我明白，写意并非简单的“写”，而是“意”的先行，是对对象精神的捕捉和提炼，再通过笔墨的自由挥洒来表达。这种“意”的强调，让我对艺术的理解，从具象的描摹，转向了抽象的精神共鸣。书中穿插的许多个人经历和创作感悟，更是让这些理论变得生动而真实。我仿佛能看到李可染先生在创作时的专注与投入，听到他对于笔墨的细致推敲。这种“看见”和“听见”，极大地拉近了我与作者之间的距离，也让我更加信服他所提出的艺术观点。读完这本书，我发现自己看待周围的世界，尤其是自然景物，都产生了一些微妙的变化。我开始更多地去观察光影的流动，去感受山石的肌理，去体味风的轻拂。这正是艺术的魅力所在，它能够改变我们感知世界的方式。
评分当我合上《李可染论艺术》这本书时，我的脑海中涌现出无数关于中国山水画的意象。我曾以为，山水画只是对自然风光的简单描绘，然而，这本书彻底改变了我的认知。李可染先生在书中，将山水画提升到了一个哲学的高度，他认为山水画不仅仅是“山水”，更是“山水在人心”。这种“在人心”的论述，让我理解了中国画的独特之处，即它所传达的不仅仅是客观的景物，更是画家内心的感受和对世界的理解。他对“皴法”的深入剖析，让我看到了笔墨在塑造山石肌理时的微妙变化，以及不同皴法的运用所传达的不同情感。我曾对某些画作中的“黑”感到困惑，而这本书让我明白，李可染先生所追求的“黑”，并非死板的黑暗，而是“浓”和“厚”，是一种沉静而有力量的视觉冲击。书中关于“积墨”的论述，更是让我看到了画家如何通过层层叠加的墨色，来表现山水的深邃与厚重。这本书，让我对中国山水画的欣赏，从“看热闹”变成了“看门道”，更让我对艺术家所付出的心血和思考，有了更深的敬意。
评分积墨法最重要也最难，我最喜欢黑色，黑色可以和万物相合。墨团团里黑团团，墨黑丛中天地宽。——李可染
评分受益匪浅
评分积墨法最重要也最难，我最喜欢黑色，黑色可以和万物相合。墨团团里黑团团，墨黑丛中天地宽。——李可染
评分李可染深刻探讨了艺术的民族性问题，西方现代艺术观念的引进，使得中国人把本土的艺术精髓都抛弃了。现代人几乎没有人能欣赏的了古代中国画。要想实现民族的艺术复兴，必须要从我们的本土艺术做起，认真研究国画技法以及理论，将西洋绘画为我所用，而不是全盘西化。中国民族性艺术道路任重道远！
评分李可染深刻探讨了艺术的民族性问题，西方现代艺术观念的引进，使得中国人把本土的艺术精髓都抛弃了。现代人几乎没有人能欣赏的了古代中国画。要想实现民族的艺术复兴，必须要从我们的本土艺术做起，认真研究国画技法以及理论，将西洋绘画为我所用，而不是全盘西化。中国民族性艺术道路任重道远！
相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2026 book.wenda123.org All Rights Reserved. 图书目录大全 版权所有