具体描述
这是近几年来，最佳中文出版著作之一。这是赵广超著的《笔纸中国画》。连同二○○○年赵广超那本《不只中国木建筑》，这两本中国美艺书本，是近年中文出版界的杰作。
内容上，精。在设计和制作上的成绩，可能更具突破性和建设性。《笔纸中国画》，就是本讲中国画的书。正如《不只中国木建筑》，就是本讲中国建筑的书。但《笔纸中国画》，不是本我们见惯见熟的那种中国画书。
没有甚麼甚麼王国维的一大堆传统中国美学论，没有一大堆绮丽繁缛的词藻，没有迂腐沉闷的编年史……《笔纸中国画》以现代语言、现代人的节奏，配合随意的、破碎的、抽样的、灵感式的、散文式的写法，写对中国画的一些欣赏和感触。你嫌传统论中国画之书闷蛋难明？你怕迷失於冗长曲折的中国绘画史的迂回回廊之中？那麼，《笔纸中国画》就你。这是本给现代“潮人”读的中国画书。听著HipHop、穿著波鞋者合读。当然，赵广超用这个零碎的、随兴之所至而写的手法，会给人有点乱和跳接的感觉，这可以是缺点。但衡量过与传统闷蛋写法的各种得失，我还是会认为他这方法是值得选取的。到底是中文艺论写法的一种现代化突破。
作者简介
赵广超早年肄业于法国贝桑松艺术学院及巴黎第一大学，主修造型艺术及美术与设计分析，为法国国家高级造型艺术表现文凭硕士。20世纪90年代回港，从事艺术及设计教育，执教于香港演艺学院及沙田工业学院。曾为香港理工大学设计学院客席讲师、香港大学专业进修学院设计系兼任导师、汕头大学长江艺术与设计学院教授，主要教授东西方艺术、设计与文化理论分析。赵广超现为设计及文化研究工作室负责人、木作坊中国传统家具研究及发展顾问、故宫《紫禁城》杂志编辑委员。2010年上海世博智慧长河——清明上河图展项展示深化设计专家顾问、2011年起担任中央电视台大型纪录片《故宫100》的艺术创意顾问及《故宫100》儿童版总策划。
目录信息
第一章 耳鉴·众山皆响
第二章 春天·风格
第三章 有这么的一条线
第四章 有这么的一支笔
第五章 什么人在议论纷纷·说“六法”
第六章 看得见的气·看不见的韵
第七章 墨水和水墨·纸
第八章 山水工程（有）
第九章 什么意境
第十章 真相大白
第十一章 山水工程（无）
第十二章 几个文人和几幅文人画
第十三章 写字
第十四章 一天·五百件
第十五章 个个都有点忧郁
第十六章 文质彬彬赵孟頫·七八九十徐文长
后记、参考书目
作者简介
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
一直以来，我都对中国画的笔墨运用感到好奇，那些看似简单的线条，却能勾勒出千姿百态的景物，蕴含着无穷的变化。《笔纸中国画》这本书，为我解答了许多关于笔墨的疑问。它系统地介绍了中国画中各种基础笔法，如勾、皴、擦、点、染等，并且详细讲解了每一种笔法的特点、运用场景以及变化的可能性。书中使用了大量的图例，将抽象的笔法化为具体的视觉呈现，让我能清晰地看到同一支笔在不同力度、角度、速度下产生的不同效果。比如，书中对“皴法”的讲解就非常精彩，它介绍了披麻皴、斧劈皴、雨点皴等多种皴法，并解释了这些皴法如何模拟山石的不同质感和肌理。更让我惊叹的是，书中还探讨了笔墨的“韵味”和“墨韵”，这是一种难以言传的微妙之处，但作者通过对古人画作的细致分析，让我体会到了墨色的浓淡干湿、层次变化所带来的丰富视觉感受。它不仅仅是颜色的叠加，更是情感和生命力的体现。我发现，中国画的笔墨，是画家情感的载体，是思想的流露。通过这本书，我开始尝试自己去模仿和练习，虽然进展缓慢，但每一次的尝试都让我对笔墨的理解更深一层，也更能欣赏古人画作的精妙之处。这本书绝对是学习中国画笔墨技法的绝佳入门和进阶教材。
评分我一直认为，中国画的魅力在于其含蓄和留白，但《笔纸中国画》这本书，让我对“留白”有了更深层次的理解。书中将“留白”不仅仅看作是画面上的空白区域，而是将其提升到一种艺术哲学的高度。它详细阐述了“留白”在中国画构图、意境营造、情感表达中的关键作用。我了解到，“留白”不仅仅是为了留白而留白，而是经过深思熟虑的构图安排，它能够引导观者的视线，突出画面的主体，营造一种“虚实相生”的视觉效果。更重要的是，“留白”是一种“不着一字，尽得风流”的艺术手法，它为观者留下了广阔的想象空间，让观者能够参与到作品的创作中来，与画家进行心灵的对话。书中通过分析大量的山水画和花鸟画作品，让我看到了“留白”是如何巧妙地表现天空、云雾、流水，以及花鸟画中留出的飞白，它们都不仅仅是物理上的空白，更是充满生命力和意境的载体。我开始明白，中国画的“言有尽而意无穷”，很大程度上正是依靠“留白”来实现的。这本书让我对中国画的欣赏角度发生了根本性的转变，我不再仅仅关注画面上的具体描绘，而是更加注重画面背后的留白所带来的深层意境和哲学思考。
评分我一直对中国画的构图方式感到困惑，总觉得它与西方绘画的黄金分割、视觉中心等理论不太一样。《笔纸中国画》这本书，为我系统地梳理了中国画的构图原则和技巧，让我对这种独特的艺术形式有了更深入的理解。书中详细介绍了中国画构图的几个重要特点，比如“散点透视”、“借景抒情”以及“虚实相生”。“散点透视”让我明白，中国画的构图并不追求单一视角的固定，而是可以根据表达的需要，将不同时间和空间景物组合在一起，形成一种“移步换景”的视觉效果。而“借景抒情”则让我理解了，中国画的构图不仅仅是为了展现景物本身，更是为了通过景物来抒发画家内心的情感。最让我印象深刻的是“虚实相生”的构图理念，它强调画面中的空白（虚）与景物（实）之间的相互作用，空白不仅仅是简单的留白，更是构图的重要组成部分，能够引导观者的视线，营造意境，引发联想。书中还分析了不同题材的中国画，如山水画、花鸟画、人物画，它们在构图上有着各自的特点和讲究。通过阅读这本书，我才真正领悟到，中国画的构图是一种充满智慧和艺术性的表达方式，它能够以一种含蓄而有力的方式，传递出丰富的信息和情感。
评分这本书为我打开了认识中国画不同流派的大门，我原本对中国画的了解非常片面，只知道一些模糊的概念。《笔纸中国画》系统地介绍了中国画历史上各个重要流派的形成、发展及其代表人物和艺术特点。书中详尽地梳理了从唐宋的工笔山水、花鸟，到元代的文人画，再到明清的文人画、市民写意画，以及近现代的各种创新流派，让我对中国画的发展脉络有了清晰的认识。我了解到，每一个流派的形成都与当时的社会历史背景、哲学思想、文人士大夫阶层的审美情趣以及画家个人的创作实践紧密相关。例如，书中对元代文人画的讲解，让我理解了当时文人在政治动荡中的精神寄托，以及他们如何将诗、书、画融为一体，追求个性解放和自由表达。而对明清时期市民写意画的分析，则让我看到了中国画在满足不同社会阶层审美需求方面所做的努力和创新。书中还选取了大量各流派的代表作品进行分析，让我能够直观地比较不同流派的风格差异，体会它们各自独特的艺术魅力。这本书让我对中国画的理解不再局限于单一的视角，而是能够从一个更加宏观和多元的角度去欣赏和评价。
评分我一直对中国画的“意境”概念感到模糊，总觉得它是一种难以捉摸、玄而又玄的东西。《笔纸中国画》这本书，就像一位耐心而博学的向导，为我揭示了意境的构成要素和表达方式。书中并没有直接给“意境”下定义，而是通过大量的范例和分析，让我自己去体会。它详细讲解了中国画在构图、用墨、设色、笔法上的各种讲究，以及这些技法如何共同作用，营造出一种独特的氛围。例如，在介绍花鸟画时，书中不仅分析了不同花卉的象征意义，如梅兰竹菊的“四君子”精神，还深入探讨了鸟雀的动态和神态如何体现生命的活力。作者特别强调了“以形写神”的理念，指出中国画追求的并非客观的逼真，而是通过对事物特征的提炼和升华，来传达其内在的精神和情感。我印象最深刻的是关于“气韵生动”的论述，书中解释说，这不仅仅是指画面的生动活泼，更是一种画家生命力的注入，一种与天地精神相通的境界。通过阅读这本书，我才明白，中国画的意境，其实是画家心境、哲学思想、生活感悟与绘画技法完美结合的产物。它是一种含蓄的美，一种引人遐想的美，一种需要观者用心去感悟的美。这本书让我重新审视了那些我曾经认为“画得不像”的中国画，现在我能从中看到更深层的东西，感受到画家想要传递的那份情感和哲思。
评分我一直认为，中国画是属于文人的艺术，充满了雅致和书卷气，《笔纸中国画》这本书则深刻地印证了这一点，并且让我看到了这种“文人画”背后更丰富的内涵。书中详细介绍了中国画与中国传统文化、哲学思想、诗词歌赋之间的紧密联系，让我明白，中国画不仅仅是绘画，更是中国士大夫精神情怀的体现。它不仅仅是描绘外在的景物，更是抒发内心的情感，表达对人生、对自然的理解。我尤其喜欢书中关于“诗中有画，画中有诗”的章节，通过分析一些经典的山水画和花鸟画，让我理解了如何将诗歌的意境融入绘画，如何通过画面来传递诗歌的情感。书中还探讨了“写意”与“工笔”两种不同的绘画风格，并分析了它们各自的特点和在文人画中的地位。文人画强调的是“写意”，是一种不拘泥于形似的创作态度，更注重表达作者的个人情感和独特视角。读完这本书，我才真正理解了为什么中国画被誉为“无声的诗”，它用笔墨和色彩，传达着比语言更深沉、更含蓄的情感和思想。这本书让我感受到了中国画的独特魅力，它是一种精神层面的享受，一种与古人对话的体验。
评分这本书简直是打开了我对中国画认知的新维度，我原本以为中国画只是线条的堆砌，意境的虚无，但《笔纸中国画》却以一种极其细腻且富有逻辑的方式，层层剥茧地展示了中国画背后深厚的文化底蕴和精湛的技法。它不仅仅是关于“画”本身，更像是带领我穿越时空，亲身感受每一笔每一画背后的心路历程。作者在梳理不同时期、不同流派的中国画时，并没有采用枯燥的学术论述，而是巧妙地将历史人物、创作背景、哲学思想有机地结合起来，让那些遥远的名字和概念变得鲜活。比如，在谈到宋代山水画时，书中详细描绘了当时文人士大夫的生活状态，他们的隐逸情怀，以及对自然山川的敬畏之心，这些都直接影响了他们笔下的山水，那种“外师造化，中得心源”的境界，通过作者的阐述，我仿佛能窥见一斑。而对于元代文人画的讲解，更是让我理解了“逸笔草草”背后那种不拘泥于形似，更注重精神表达的绘画理念。书中的图片选择也极为考究，每一幅都恰到好处地印证了文字的论述，那些细微的笔触、墨色的变化，在高清的印刷下清晰可见，我甚至可以想象画家当时是如何运笔的。这本书的文字功底也非常深厚，语言优美而不失力量，读起来有一种沉浸式的体验，感觉自己也置身于那个充满艺术气息的时代，与古人一同探讨绘画的奥秘。我非常喜欢书中关于“留白”的章节，它不仅仅是画面的空白，更是思想的延伸，是留给观者想象的空间，这种东方特有的哲学智慧，通过作者的深入浅出，我才真正领悟到它的精妙之处。
评分在阅读《笔纸中国画》之前，我对中国画的“写意”概念一直停留在字面理解，总觉得它是一种难以把握的模糊概念。这本书，则像一位循循善诱的老师，为我细致地解读了“写意”的内涵和表现方式。书中深入浅出地分析了“写意”在中国画中的重要地位，它不仅仅是一种绘画风格，更是一种哲学思想和人生态度的体现。我了解到，“写意”强调的是“以形写神”，即通过对物象神态、精神气质的捕捉和表现，来达到“形神兼备”甚至“神先于形”的境界。书中通过大量不同时期、不同流派的写意画作品进行案例分析，让我直观地看到了“写意”是如何通过简洁的笔墨、巧妙的构图、恰当的留白来传达丰富的情感和深刻的意境。它并不追求事物的完全写实，而是通过提炼、夸张、变形等手法，来突出事物的本质特征和内在生命力。我特别喜欢书中关于“逸笔草草”的讨论，它解释了为什么看似随意的几笔，却能捕捉到事物最动人的瞬间，传递出画家超然物外的精神状态。这本书让我对“写意”有了更深刻的理解，也让我开始尝试用一种更加开放和包容的心态去欣赏和理解那些“不那么写实”的中国画。
评分这本书为我打开了一扇了解中国画色彩运用的大门，在此之前，我一直以为中国画的色彩相对单一，主要是水墨为主。《笔纸中国画》的出现，彻底颠覆了我的认知。书中详细阐述了中国画在色彩运用上的独到之处，它不仅仅是追求写实，更是一种情感和意境的表达。从古代的青绿山水，到近代的工笔重彩，书中通过大量的实例，展示了中国画色彩的丰富性和多样性。我了解到，中国画的设色并非随意为之，而是有着严谨的理论依据和艺术追求。例如，书中对“五色”的讲解，以及各种色彩之间的搭配原则，都让我大开眼界。它不仅仅是简单的颜色组合，更是艺术家对自然色彩的提炼、升华和情感的注入。书中的一些关于如何运用矿物颜料、植物颜料的章节，让我看到了古人对绘画材料的极致追求。同时，书中也强调了“墨分五彩”的概念，指出水墨的浓淡干湿变化本身就能产生丰富的色彩层次，与色彩的运用相辅相成，共同构建了中国画独特的视觉语言。这本书让我对中国画的色彩有了全新的认识，也更加欣赏中国画艺术家们在色彩运用上的智慧和创造力。
评分我一直认为，中国画的线条是其灵魂所在，《笔纸中国画》这本书，则将这种“线条之美”展现得淋漓尽致。书中详细介绍了中国画中各种线条的特点、表现力和艺术价值，从刚劲有力的“折钗股”，到委婉流畅的“铁线描”，再到飘逸灵动的“游丝描”，每一种线条都有其独特的魅力和表现力。书中不仅分析了不同线条的形态，更重要的是，它探讨了线条是如何承载情感、传递力量、塑造形体的。我了解到，中国画的线条并非仅仅是轮廓的勾勒，更是画家情绪、功力的体现，甚至是画家生命力的象征。书中通过大量的范例，让我清晰地看到了每一根线条是如何运用的，如何通过线条的粗细、曲直、方圆、虚实来表现物体的质感、体积、动感和神韵。例如，在描写山石时，不同的皴法就是不同线条的组合运用，而描写人物的衣纹时，则又运用了另一种细腻的线条。书中的一些章节，还探讨了书法对中国画线条的影响，让我明白了中国画的线条为何与书法如此亲近，为何同样讲究“笔力”和“神韵”。这本书让我对中国画的线条有了全新的认识，也更加敬佩那些能够用一支画笔创造出如此丰富多变线条的艺术家们。
评分疏、浅、杂、散、贵。还好参考文献是靠谱的。
评分内容相对少，装帧很棒，作者很有意思。
评分书名要用广东话念才能懂得gimmick。
评分书名要用广东话念才能懂得gimmick。
评分疫情期间，好书
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