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出版者:中国美术学院出版社

作者:徐岸兵

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2004-10

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787810832915

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好的，这里为您提供一本名为《山河万里：中国古典园林意境探幽》的图书简介，内容详尽，旨在展现中国古典园林的深厚文化底蕴与审美情趣。 --- 山河万里：中国古典园林意境探幽 内容简介 《山河万里：中国古典园林意境探幽》是一部深入剖析中国古典园林艺术精髓的学术专著与审美指南。本书旨在超越传统园林形制、技法和名录的简单罗列，转而探究隐藏在亭台楼阁、假山流水、花木配置背后的哲学思想、文化心理与审美情趣，力求揭示中国古典园林作为“凝固的音乐”、“立体的诗篇”的内在逻辑与独特魅力。 本书的写作立足于对中国传统文化，特别是儒、释、道思想的深刻理解，认为古典园林并非简单的建筑堆砌，而是中国文人精神世界的物化表达。园林之“意境”，乃是中国人“天人合一”思想在空间美学上的终极体现。 全书结构严谨，逻辑清晰，分为四大核心部分，层层递进，由宏观的文化背景深入到微观的造园手法，最终回归到审美体验的建构。 第一部分：天人合一的哲学底色——园林思想的文化溯源 本部分追溯中国古典园林产生的哲学与文化土壤。重点探讨了道家思想中“自然无为”的观念如何影响了造园者对“真山真水”的追求，以及儒家文化中“礼制秩序”与“内省修身”的理念如何在园林布局中留下痕迹。 “道法自然”与“师法自然”： 阐释了从魏晋玄学到宋代理学的发展脉络，如何引导园林从摹仿自然走向超越自然，追求“虽由人作，宛自天开”的至高境界。 诗词意象的物质化： 分析了唐诗、宋词中描绘的山水意象（如“空山不见人，但闻人语响”、“明月松间照”）是如何被转化为具体的园林元素（如幽径、漏窗、静池）。 文人雅士的审美趣味： 考察了士大夫阶层将园林视为“避世之所”与“修身之场”的双重功能，解析了“雅集”、“赏玩”、“清玩”等活动对园林空间序列的塑造。 第二部分：空间叙事与序列营造——园林的“步移景异”艺术 本部分聚焦于古典园林在空间组织上的高超技艺，特别是如何通过连续、含蓄、对比的手法，引导观者进行一场精心设计的“行走剧场”体验。 借景、对景与框景的辩证关系： 深入分析了借景如何打破园林边界，将外部的宏大山水纳入私密空间；对景如何建立视觉的对话与平衡；而框景（如漏窗、月洞门）则成为解读风景的“画框”，强调了观赏的主动性。 虚实相生的空间处理： 探讨了“虚”（空地、水面、留白）与“实”（山体、建筑、植物）的辩证关系，指出“虚”是中国园林区别于西方园林的重要标志，它为想象力留下了广阔的驰骋空间。 动线的哲学： 揭示了曲径通幽、迂回曲折的游览路线并非故作姿态，而是模拟了山野探幽的体验，营造出期待感、惊喜感和最终的豁然开朗。 第三部分：元素符号与精神象征——一草一木的文化密码 本部分细致考察园林中各个构成元素的象征意义，揭示其超越实用功能之外的精神价值。 山石的骨法用“品”： 侧重于太湖石等假山石材的选择标准、堆叠技法（如“皱、瘦、透、漏”）及其在象征意义上代表的“险峻”与“不平之气”。 水体的情感投射： 区分了池、湖、溪、涧在空间中的不同作用，探讨水如何被赋予平静、流动、映照、呼吸等多种情感属性。 植物的意象谱系： 系统梳理了松、竹、梅（岁寒三友）、兰、荷（君子之德）等传统“花木君子”的文化内涵，以及它们在园林布局中如何服务于主人的道德自律与审美表达。 建筑的“入画”原则： 分析了亭、榭、轩、舫等建筑如何通过形态的轻盈、色彩的朴素，融入山水背景，避免突兀，实现建筑与环境的和谐共生。 第四部分：地域风格与时代变迁——园林艺术的流变与传承 本部分将视野扩展至地域差异，并梳理了中国古典园林自唐代兴盛至清末演变的历史脉络，重点比较了南北方园林的风格分野。 南北园林的风格分野： 详细对比了北方皇家园林的宏大规制、严谨对称（如承载权力意志）与江南私家园林的精巧纤细、曲折婉转（如承载个体情怀）之间的差异与互鉴。 苏州园林艺术的登峰造极： 深入剖析以拙政园、留园为代表的明清江南园林，如何将空间艺术推向极致，达到“咫尺之内再造乾坤”的境界。 近代转型的挑战与反思： 探讨了晚清至民国时期，在西方造园观念冲击下，传统园林在审美继承与功能拓展方面所经历的探索与迷茫，为当代园林设计提供了历史反思的视角。 结语：留白处的人文情怀 本书不仅是对历史的梳理，更是对当下审美缺失的呼唤。它引导读者在游览任何一座古典园林时，不再仅仅是“看风景”，而是尝试“读懂”那片山石的沉默，倾听那泓水面的低语，从而在有限的空间中，体悟中国人对无限自然的向往与敬畏。 《山河万里》是一部面向所有热爱中国传统文化、建筑艺术、园林美学爱好者的必读书籍，它将带领读者穿越时空的界限，进入那片由文人墨客精心构筑的精神栖息地。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了哑光纸张，触感细腻而高级，配上那种深邃的背景色，一下子就把读者的思绪拉入了一种沉静的艺术氛围之中。内页的纸张选择也很讲究，厚实挺括，油墨的印制效果非常清晰，即便是线条最细微的过渡也能完美呈现。我尤其喜欢它在细节上的处理，比如书脊的烫金工艺，低调又不失质感，让人在翻阅时总能感受到一种对艺术的尊重。这本书的版式设计也十分考究，留白恰到好处，既保证了内容的完整性，又让画面有了呼吸的空间，使得原本可能略显沉闷的素描作品变得灵动起来。它不仅仅是一本画册，更像是一件精心制作的艺术品，拿在手里就能感受到创作者的用心良苦。

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我必须强调这本书在“情感深度”上的捕捉力。许多素描集可能侧重于技法的展示，但这本书中的每一幅作品似乎都承载着创作者对人物灵魂的深刻洞察。透过那些炭笔或铅笔的轻重缓急，我能感受到画面中人物的喜悦、忧郁、甚至是那种转瞬即逝的迷茫。那些眼神的描绘尤为精妙，仅仅是几笔勾勒，便能传达出人物内心深处的复杂情绪，具有极强的叙事张力。这种超越技术层面的艺术表达，是真正区分优秀作品和杰出作品的关键。阅读过程中，我感觉自己不是在“看”画，而是在与这些被定格的瞬间进行无声的对话，引发了许多关于人性与时光的思考。

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总而言之，这本书带给我的体验是沉浸式的、高标准的，并且充满了启发性。它不仅仅是一本关于“如何画”的工具书，更是一部关于“如何看待世界”的视觉哲学手册。作者的视角独特而敏锐，将写实的技法融入了对生命瞬间的精准捕捉中，使得这些素描作品拥有了超越时间限制的生命力。无论是对于资深的艺术爱好者，还是对于刚踏入绘画领域的新人，这本书都提供了一个既有深度又有广度的参考范本。它激励着每一个翻开它的人，去重新审视日常生活中那些被我们忽略的、平凡面孔背后的不凡之处，是一次非常值得的阅读投资。

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这本书的印刷质量达到了一个令人惊叹的高度。众所周知，素描的魅力很大程度上依赖于材质和灰度的精确还原，很多便宜的印刷品往往会将细腻的层次感丢失殆尽，使得原作的质感大打折扣。然而，这本书成功地保留了从最亮的灰到最深的黑之间那微妙的过渡。那些细微的笔触、炭粉的颗粒感，甚至是纸张的纹理，都得到了忠实的再现。这对于希望通过临摹来学习的读者来说，是极其宝贵的资源。它确保了读者在屏幕之外，依然能通过实体的书籍，感受到原作材料所带来的原始冲击力，这在数字时代显得尤为珍贵。

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这本书的内容排布和编排逻辑，简直是教科书级别的示范。它并非简单地将作品堆砌在一起，而是遵循着一套清晰的演进脉络。从最初的几何形体练习，到对人脸结构复杂光影的捕捉，再到最后那些富有个人情感表达的深度肖像，每一步都像是在引导读者进行一次系统的学习之旅。作者仿佛是一位耐心的导师，用作品本身来阐述“观察”与“表现”之间的微妙关系。特别是其中关于“头部结构解剖”的章节，图片标注详尽且透彻，即便是对素描基础薄弱的新手，也能从中窥见门径，理解为何线条需要那样落笔，光线又是如何塑造体积的。这种循序渐进的编排，极大地提升了阅读体验和学习效率。

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