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出版者:陕西人民美术出版社

作者:石头娃

出品人:

页数:560

译者:

出版时间:2003-10

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787536817159

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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好的，这是一本关于中国古典园林艺术的著作的详细简介： --- 《一方天地：中国古典园林艺术的审美与哲学》 作者： [此处可假设一位知名园林史学家或建筑学家的名字，例如：林景和] 出版社： [此处可假设一家权威学术出版社，例如：紫禁城出版社] 定价： 人民币 188.00 元 开本： 16 开 页数： 650 页（含大量高清彩图与黑白线描图） 内容提要 《一方天地：中国古典园林艺术的审美与哲学》是一部全面而深入探讨中国古典园林（包括皇家园林、私家园林以及寺庙园林）发展历程、核心美学原则、建造技术以及深层文化意蕴的权威性学术专著。本书突破了传统园林书籍仅侧重于介绍名园实例的局限，而是从哲学、文学、绘画、文学批评等多个维度，系统梳理了中国园林艺术如何在中国传统文化土壤中孕育、演变，并最终成为独步世界的造园艺术体系。 全书以时间为轴线，以空间为载体，以“意境”为核心，对自先秦灵囿到清末民初的园林演变脉络进行了精密的梳理与分析。作者通过对历代造园思想的解读，揭示了中国园林如何从模仿自然山水，逐步发展到追求“虽由人作，宛自天开”的至高境界。 核心章节结构与内容详解 本书共分为六大部分，二十四章，结构严谨，论证详实。 第一部：园林源流与文化基石 (奠基) 本部分追溯了中国园林艺术的早期形态，探讨了其赖以生长的文化根基。 第一章：从“囿”到“苑”：史前至秦汉的初始形态： 考察了早期狩猎场、帝王游猎园的演变，以及西汉宫苑（如未央宫、建章宫）在满足政治、礼仪功能的同时，如何开始融入自然元素。 第二章：道家山水哲学与魏晋玄学对造园的影响： 重点剖析了老庄思想中“返璞归真”、“逍遥游”的精神内核如何渗透到文人对自然环境的向往中，为后世园林的“师法自然”奠定了哲学基础。 第三章：佛教传入与寺观园林的兴盛： 分析了佛教造像、净土思想对中国园林布局（特别是水体和叠石）的影响，以及寺庙园林在营造清幽禅境方面的实践。 第二部：隋唐气象与宋代精致 (盛世与转折) 此部分聚焦于中国园林发展史上的两个重要阶段：气魄宏大的唐代与精妙入微的宋代。 第四章：大唐气度：皇家园林（如兴庆宫、大明宫）的宏伟叙事： 探讨唐代园林如何体现盛世的自信与博大，建筑形制与水体布局的恢弘气势。 第五章：宋代士人精神与私家园林的勃兴： 深入研究了宋徽宗时期皇家园林（如艮岳）的衰落与文人士大夫阶层对精巧、内敛园林的追求。重点分析了当时园林理论著作，如《营造法式》对技术层面的规范。 第六章：点石成山：宋代叠石艺术的成熟： 集中讨论了宋代对太湖石等假山石材的品鉴标准、开山技法，以及“以小见大”的空间处理手法。 第三部：明清园林：意境的巅峰与技术的集大成 (成熟) 这是全书的核心部分，详尽分析了以苏州园林为代表的明清私家园林所达到的艺术高度。 第七章：江南文人园林的地域性与普遍性： 阐释了江南地区（特别是苏杭）在气候、水文条件和文人社群基础下，如何催生出以“含蓄、曲折、幽深”为特征的造园风格。 第八章：叠山理水之“法”与“意”： 从建筑工程学的角度解析了掇山工艺的物理学原理，并从美学角度辨析了“理水”与“理气”在园林空间中的作用，如“引水入园”、“借景”技法的运用。 第九章：亭台楼榭的文学性：空间叙事与命名艺术： 研究了园林建筑如何通过匾额、楹联等文学形式，将历史典故、诗词意境融入物理空间，实现“步移景异，流转无穷”的阅读体验。 第十章：建筑材料与装饰工艺的精微： 详细考察了花窗、漏窗、砖雕、木雕在园林中的应用，分析了它们如何打破建筑的实体感，增强空间的通透性和艺术感染力。 第四部：造园元素的符号学解析 (构成) 本部分将园林视为一个符号系统，对构成园林的各个元素进行深入的符号学解读。 第十一章：山石：太湖石的物性、禅意与园林象征： 探讨了特定石材如何被赋予文化意义，成为空间意境的核心载体。 第十二章：水体：动静相宜的生命哲学： 分析了池、湖、溪、泉在园林中的功能（纳凉、观赏、听声）及其在哲学上代表的阴阳平衡。 第十三章：植物的配置：时令之美与象征意义： 研究了松、竹、梅、桃等植物在园林中的文化角色，以及如何通过植物配置来控制观赏者的视线和情绪。 第十四章：廊、桥、径：游赏路线的控制学： 探讨了曲径通幽的布局策略，以及廊、桥如何引导、遮蔽和延展游赏者的体验路径。 第五部：园林与“身心”：审美体验的心理学 (体验) 该部分将视角转向观赏者，探讨园林如何作用于人的感知和心灵世界。 第十五章：借景与框景：视觉的延伸与聚焦： 剖析了园林中对外部景物的引入（借景）以及对内部景观的选取（框景）的技术与心理效果，实现有限空间内的无限拓展。 第十六章：“虚”与“实”的辩证：空间留白的美学： 讨论了园林中“空”的价值，以及通过“虚处”营造的静谧感和想象空间。 第十七章：园林中的时间感：四季更迭与永恒意趣： 分析了园林如何通过植物的生长、水的流动和光影的变化，在有限的尺度内体现出时间的流逝与永恒的哲理。 第六部：全球视野下的园林对话 (比较与展望) 最后一部分将中国园林置于世界艺术史的坐标系中进行比较，并展望其未来。 第十八章：与日式枯山水、法式园林的比较美学： 对比分析了中国园林的热烈、自由与日式园林的内敛、象征，以及法式园林的几何秩序，突显中国园林的独特性。 第十九章：园林设计思想的现代转型： 考察了近现代中国建筑师在吸收西方现代主义思潮后，对传统造园精神的继承与创新。 第二十章：园林遗产的保护与文化传承： 针对当代园林复建、保护的伦理困境与实践方法提出建设性意见。 本书特色 1. 跨学科研究视角： 本书不仅是园林史的陈述，更是对中国传统文化（儒释道美学、诗词文学、绘画理论）的一次综合性考察。 2. 详实的图文佐证： 包含大量作者团队实地测绘的园林平面图、剖面图，以及清代或民初的珍贵园林手绘图稿，提供了第一手的视觉资料。 3. 理论深度与实践结合： 既有对“天人合一”等宏大哲学的探讨，也细致分析了砌筑假山、设置漏窗的具体技术细节，兼顾学术性和实用性。 适合读者 本书是园林设计专业人士、建筑史研究者、文化艺术史爱好者、对中国传统哲学和审美有浓厚兴趣的读者不可多得的经典之作。它将引领读者走进中国古典园林那一方“缩小的天地”，感受古人的诗意栖居。

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我发现这本书在处理书法作品时，有一套非常独特的分析框架，这让我受益匪浅。过去我总是在意“哪个字写得漂亮”，但这本书却着重于“书写的动态过程”和“章法的布局谋篇”。它深入探讨了古代文人书写时，从起笔到收笔，如何通过手指、手腕、手臂的配合来形成特定的“提按顿挫”，这些微小的动态变化，最终凝结成了我们看到的笔墨痕迹。比如，在解析米芾的“刷字”时，它不是简单地复述米芾如何如何，而是结合了当时纸张的特性，来解释为什么他的墨色会有那种“飞白”的效果。更让我惊喜的是，书中还涉及了古代书画修复和装裱对鉴定的影响。它提醒我们，很多时候我们看到的“原貌”可能已经被后世的装裱师进行过“美化”或“修补”，而这些修补痕迹本身，就是鉴定师需要解读的密码之一。这种多维度的考察视角，彻底颠覆了我过去碎片化的鉴定认知。

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这本书的装帧和排版，绝对是业内的一股清流，这一点我要好好夸赞一下。现在很多艺术类书籍为了追求“学术感”，往往印得密密麻麻，图片小得可怜，或者色彩失真严重，买回来后发现根本无法用于实际的对比研究。但《中国书画鉴定实例》在这一点上做到了极致的平衡。纸张的选择很有讲究，哑光处理使得墨色的层次感得到了最大程度的还原，即便是印刷品，也能感受到古代绢本或宣纸特有的肌理。更重要的是，它不像某些图录那样只展示“杰作”，而是包含了大量“边缘案例”和“争议作品”的解析。比如，书中详细比较了不同时期“仿制名家”的几种常见套路，并配有“仿品A对比真迹B”的图解，直观展示了细节上的破绽。这种坦诚的分享，极大地增强了读者的“免疫力”，让我们在未来面对市场上的鱼龙混杂时，能够保持清醒的头脑，而不是被那些精心布置的假象所迷惑。

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这本《中国书画鉴定实例》简直是为我这种刚入门的爱好者量身定做的。我一直对古代的笔墨纸砚充满好奇，但总觉得鉴定是个高深莫测的学问，别说分辨真伪，连个大概的时代气息都抓不住。这本书的厉害之处就在于它不玩虚的，直接摆事实讲道理。它不像那些理论堆砌的教科书，把各种术语弄得人云亦云，读起来晦涩难懂。这本书的每一章都像是一位经验丰富的老先生在手把手地教你如何看画、识字。比如讲到宋代院体画的皴法，它会配上高清的局部图，告诉你“董源的小斧劈皴”和“巨然的披麻皴”在细节上到底有什么微妙的区别，这种对比极其直观。我记得有一章节专门分析了明代中早期文人画的一些常见误区，提到很多仿古作品在“气韵”上总是差了一口气，那种“气韵”的描述非常到位，让人读完后，再看印刷品时，总能下意识地去寻找那种“缺失的韵味”。它不是简单地告诉我们“这个是真的，那个是假的”，而是深入到创作的时代背景、画家的心境，甚至是他当时所使用的工具对笔触产生的影响，这种细致入微的分析，让我对书画的理解一下子提升到了一个全新的维度，不再是走马观花式的欣赏了。

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对于真正想要进入收藏圈，或者已经有了一些藏品但缺乏系统鉴别能力的人来说，《中国书画鉴定实例》提供了一个非常坚实的技术支撑。这本书最核心的价值在于它的“实操性”，它不像理论书那样停留在概念层面，而是深入到细节的“骨骼”和“脉络”。我特别欣赏其中关于“印泥”和“题跋”真伪辨别的章节。在古画鉴定中，印章和题跋往往是极易被仿造的部分，但这本书提供了一套基于时代特征和化学成分的分析思路。它会告诉你，不同历史时期印泥的含油量、氧化程度是不同的，而题跋的纸张老化速度、用墨的年代感也存在细微的差异。作者甚至不惜笔墨，讲解了如何通过放大镜观察笔触边缘的“晕散”程度来判断用墨的年代。这种极度聚焦于“细节物证”的写作风格，让整本书读起来充满了专业性和可信度，感觉自己拿到的不再是一本书，而是一套进入专业鉴赏领域的“工具箱”。

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说实话，我以前看一些鉴定书籍，总感觉作者的口吻太高高在上，仿佛只有科班出身、拿着放大镜泡在故宫几十年的专家才有资格品评。但《中国书画鉴定实例》的叙事方式非常接地气，像极了听一位资深藏家在自家茶室里娓娓道来他的“血泪史”和“成功经”。这本书最吸引我的地方是它对“瑕疵”的解读。很多初学者都怕看到一点点破损、一点点老化就断定是“残次品”或“不值钱”，但这本书用了大量的篇幅去解释，在古代，书画的流传本身就是一种历史，适当的虫蛀、适度的洇墨，甚至早期装裱留下的痕迹，都可能成为佐证其年代的“证据”。有一段关于清中期扬州画派的讨论尤其精彩，作者分析了某位画家的印章在不同时期刻制工艺的细微变化，并将其与同时期其他画家的印章进行交叉比对，那种逻辑推理的严密性，简直像在做一场精彩的福尔摩斯探案。它教会我们，鉴定不是靠运气猜谜，而是靠扎实的证据链条，一步步还原历史真相的过程，读起来酣畅淋漓，令人心服口服。

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