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出版者:天津杨柳青画社

作者:赵树海

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2004-1

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787805037936

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《山水写意：现代水墨的笔墨探索与精神意境》 导言：在传统与现代的交汇处重塑水墨的生命力 当谈及中国画，尤其是水墨艺术，人们往往会立刻联想到那些流传千年的经典范式——唐代的青绿山水、宋元的文人写意，以及近现代海派、岭南派的革新。然而，艺术的生命力在于不断呼吸、不断对话。《山水写意：现代水墨的笔墨探索与精神意境》并非一部旨在教授初学者如何执笔、调墨的基础教程，它是一部深入剖析近百年中国水墨艺术，特别是山水画在面对现当代语境时所经历的内在蜕变与外在拓展的深度研究专著。 本书聚焦于“写意”精神在现代语境下的复杂演绎。我们抛开了对具体技法（如皴法、点苔、渲染的具体步骤）的冗长描述，转而深入探究艺术家如何在继承了“写胸中丘壑”这一核心理念的同时，运用全新的视角、材料与结构，去表达当代人复杂而深刻的精神景观。 第一部分：笔墨的“内爆”与“外溢”——现代水墨的语境重塑 本部分将视角投向二十世纪中叶以来，中国画在历史洪流中如何完成一次深刻的自我审视与重构。 一、超越“再现”的自觉：从客观描摹到主观抒发 传统国画的技法教学，往往强调对自然形态的“形似”或“神似”的达成。而本书首先探讨的是，现代水墨艺术家如何主动放弃对自然表象的绝对依赖。我们分析了诸如傅抱石、李可染等大家，如何在借鉴西方现代主义的光影结构、平面构成观念后，反向作用于笔墨自身，使线条和墨色从单纯的造型工具，升华为表达内在情绪、时间流逝与空间意识的独立载体。 墨色的“情绪光谱”：我们详细分析了如何通过墨的“干、湿、浓、淡、破、焦”在特定情绪下的功能性转变。这并非教授“如何调出焦墨”，而是探讨在特定画作中，焦墨的使用如何暗示了艺术家对工业化冲击或生命哲思的焦虑与沉思。 线条的“运动学”：线条不再是勾勒轮廓的边界，而是时间的轨迹，是能量的释放。本章通过对不同时期“飞白”与“中锋”的深入辨析，揭示线条如何成为引导观者心流、建构画面张力的关键元素。 二、空间哲学的重构：从“三远法”到“叠影空间” 中国山水画中的“高远、深远、平远”提供了一种时间性的空间体验。然而，现代艺术家面对的是一个被光学和物理学深刻影响的世界。本书细致剖析了艺术家如何引入“错位空间”、“多重视角”甚至“抽象平面”来构建画面。例如，一些作品中，景物的前后关系被故意打破，以营造一种非欧几里得几何学意义上的、更符合潜意识运作的“叠影空间”。 第二部分：材料的哲学：媒介的解放与边界的消融 传统水墨技法受限于笔、墨、纸、砚的固定组合。现代水墨的魅力之一，在于其对媒介的实验精神。本章着重探讨在不涉及具体绘画步骤的前提下，材料的物理属性如何反过来塑造了“写意”的内涵。 一、拓印、积墨与“时间的痕迹” 我们考察了艺术家如何利用拓印、刮擦、浸渍等非传统笔触方式，将“时间”的痕迹固化在宣纸上。这些技法不再是为了模仿树皮或岩石的纹理，而是作为一种“意外美学”的呈现，记录了创作过程中人与材料的物理互动，深化了写意的“不期而遇”的意味。 二、色彩的回归与水墨的对话 现代山水画对色彩的态度是复杂的。本部分不是关于如何用石青石绿，而是探讨当色彩以近乎“水痕”或“渗透”的方式介入水墨时，它如何与黑白的主导地位进行对话。我们分析了在保留水墨主体性的前提下，色彩如何成为点亮、强调或甚至颠覆既有墨韵氛围的催化剂。 第三部分：精神意境的当代性：山水画中的“人”的位置 “写意”的终极目标是写“心”，即精神意境。在现代社会，人的处境与古人迥异，山水画如何承载这种新的精神重量？ 一、个体与巨变中的自然 当代山水不再是隐逸之士的退守之地，而是个体在宏大、快速变化的现代文明中的精神投射。本书探讨了诸如“残破之美”、“萧瑟之境”如何被赋予反思工业文明、城市扩张的批判性视角。艺术家笔下的山峦，可能不再是宁静的桃源，而是充满张力、挣扎与生命力的复杂场域。 二、留白：当代语境下的“空”与“静” 传统国画的留白是计白当黑、虚实相生的重要手段。在本书的讨论中，留白被提升至哲学层面：它是对信息爆炸时代的消极抵抗，是重建精神秩序的必要“静默空间”。我们分析了那些画面主体稀疏，大面积留白的作品，如何通过“未完成感”来邀请观者主动参与到意境的构建中，实现传统写意精神在现代的再激活。 结语：走向未来的水墨——一种永恒的生成状态 《山水写意：现代水墨的笔墨探索与精神意境》的最终目标，是引导读者跳出“技法束缚”的框架，理解现代水墨的演进是一场持续不断的精神解放运动。它是一部供有一定基础的爱好者、专业研究者或艺术史学者参考的深度文本，旨在探讨如何站在巨人的肩膀上，用前人的笔墨语言，书写我们当下的时代心声。本书提供的不是“如何画山水”，而是“在今天，山水对我们意味着什么，以及我们如何以水墨的形式回应这种意义”。

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这本《水墨丹青入门指南》真是为我这种刚接触中国传统绘画的新手量身定做的。首先，它的装帧设计就让人眼前一亮，那种素雅的封面，带着一股古朴的气息，让人忍不住想捧起来细细翻阅。内容上，它并没有一开始就堆砌那些高深的理论，而是从最基础的笔墨特性讲起，详细解释了不同毛笔、墨锭、宣纸在实际运用中的细微差别。书中对“润”与“干”的把握，以及如何控制墨色的浓淡变化，都有非常直观的图例辅助说明。我记得书中有一章节专门讲解了如何调配出“五墨层次”，对于初学者来说，这简直是黑暗中的一盏明灯。它不是简单地告诉你“要浓要淡”，而是通过大量范例告诉你，在描绘山石的背阴面时，如何通过层层叠加来实现那种厚重感，而不是一笔涂黑。对于笔触的控制，作者的讲解细致入微，比如“中锋”的运力与角度，不同于西画的线条强调，国画的线条是带着生命力的，这点书里阐述得特别到位，让我感觉自己不是在画线条，而是在雕刻。

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这本《中国画廊：从入门到提高的阶梯》的结构设计堪称一流。它不像很多书籍那样只是平铺直叙地介绍技法，而是采用了一种“螺旋上升”的教学模式。前三章建立起最基本的操作规范后，后面的章节就开始将这些规范揉碎，重新组合应用到不同主题的创作中。例如，当讲解完“点叶法”后，紧接着就用这一技法来表现春、夏、秋、冬四时的不同景致，而不是等学完所有技法再回头组合。这种即学即用的方式大大增强了读者的成就感。书中对“设色”的讲解也极其有启发性，特别是对矿物颜料和植物颜料特性的区分，以及如何处理颜色之间的“渗透”与“提亮”。对于想尝试浅绛山水画的朋友来说，这部分内容简直是宝藏。它没有要求读者掌握复杂的传统制色工艺，而是侧重于如何利用市面上容易获得的现代颜料，模拟出那种典雅的古代韵味。我对其中关于“枯润相济”的章节印象深刻，它教会我如何在干燥的笔触中加入一抹湿润的苔点，让画面瞬间鲜活起来，这种平衡的艺术，是很多自学难以领悟的。

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我之前尝试过几本国画入门书，要么就是内容过于陈旧，讲解方式晦涩难懂，要么就是过于注重名家作品的临摹，而忽略了基本功的训练。然而，这本《东方神韵：笔墨的诗意探索》彻底颠覆了我的看法。它最让我称赞的是对“气韵生动”这一核心理念的拆解。作者没有空泛地谈论这个概念，而是将其具象化为几种练习方法，比如要求读者对着自然物体进行长时间的观察写生，并记录下自己对物象动态的感受，然后用最少的笔触将其捕捉下来。这不仅仅是技法上的训练，更是一种思维方式的转变。书中对树木枝干的画法，特别是“皴法”的运用，做了大量的对比分析。它清晰地展示了披麻皴、斧劈皴等不同皴法的地域风格差异，并解释了为什么同样的工具能画出截然不同的肌理效果。此外，书中对于“留白”的处理，简直是一门哲学课。作者阐述了“计白当黑”的原理，如何让空白不仅仅是空白，而是构成画面空间感和意境的关键部分，这部分内容我反复阅读了不下五遍，受益匪浅。

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说实话，我对这种偏向传统艺术的教材向来抱持着审慎的态度，总担心内容过于教条化。但《墨韵随性：写意山水基础教程》却给了我极大的惊喜。它在基础训练之后，非常大胆地引入了“意在笔先”的创作理念，并提供了一套非常实用的“从心而发”的练习步骤。书中有一章专门讨论了中国传统绘画中的“点景”，如何用极简的墨点来表现人物的动态和环境的氛围，这比那些冗长的、细节刻画的教程要来得更有效率。作者特别强调了对光影的理解，虽然国画不追求写实的明暗关系，但它对“向阳”与“背阳”的表达，是通过墨色的渐变和皴法的疏密来实现的，书中对此的讲解非常透彻。我个人非常喜欢它对“写生”与“写意”如何转换的探讨，它提供了一种将看到的东西转化为内心情感的通道，避免了成为一个纯粹的“描摹机器”。特别是对于初学者常犯的“墨色发灰”的问题，书中给出的调墨秘诀，简单却极其有效，让我立刻告别了那些“脏兮兮”的画面。

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我手里还有几本关于传统绘画的书籍，但《笔墨心经：国画意境的塑造》是我目前为止觉得最具“人情味”的一本。它没有太多冰冷的术语，更多的是分享作者在多年绘画生涯中对“意境”的理解和感悟。书中有一段话让我深思：“国画之美，在于‘未尽之美’。”接着作者便详细阐述了如何通过控制细节的完整度来激发观者的想象力。例如，在画远山时，它建议用非常松动、近乎模糊的笔触，只勾勒出山体的基本轮廓和气势，而将细节留给观看者自己去想象。这是一种非常高明的处理方式。书中对“画眼”的刻画，也就是点睛之笔的选取，有非常独到的见解。它认为“画眼”不一定是画中最清晰的部分，反而可以是画面中最能体现情感张力的地方。它通过几个不同朝代大师的范例，对比分析了他们是如何在不经意间，通过一个微小的墨点或颜色变化，瞬间提升整幅作品的格调，这比单纯的技法罗列要高明得多，也更耐人寻味。这本书更像是一位良师益友在耳边低语，引导你进入国画的深层世界。

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