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出版者:上海人民出版社

作者:王昕

出品人:

页数:339

译者:

出版时间:2004-4

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787208050952

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• 风格流派
• 艺术表达

寰宇乐章：经典电影配乐珍赏指南 内容提要： 本书旨在带领读者深入探索世界电影史上那些不朽的、极具艺术价值的配乐作品。我们不涉及任何特定音乐流派（如爵士乐）的专著介绍，而是聚焦于电影音乐这一宏大领域，剖析不同时代、不同地域的电影作曲家如何通过音符构建情感世界，推动叙事进程，并最终升华为独立的艺术殿堂。全书分为七个主要部分，详细梳理了从默片时代到当代好莱坞的配乐演变史，重点解析了超过一百部电影的音乐设计，旨在为电影爱好者、音乐鉴赏者以及有志于电影艺术创作的读者提供一份全面而深入的参考指南。 --- 第一部：无声之声的诞生与早期探索（1900s - 1930s） 电影诞生之初，声音的缺失催生了对“配乐”的原始需求。本部分将追溯电影配乐的起源，讨论早期影院伴奏乐师的角色定位，以及他们如何依靠“情境音乐”和“固定曲目”来引导观众情绪。 我们将重点探讨理查·瓦格纳歌剧美学对早期电影配乐的影响，以及“图表配乐法”的形成。通过对F.W.穆瑙的《日出》等影片片段的音乐分析，揭示音乐如何开始承担叙事功能。这一时期，配乐大师如埃里克·科恩戈尔德（Erich Wolfgang Korngold）的早期作品如何初步确立了史诗性配乐的框架，为后来的好莱坞黄金时代奠定了理论基础。我们关注的重点是配乐如何从单纯的背景噪音，逐步被视为电影不可分割的一部分。 第二部：好莱坞的黄金时代与管弦乐的辉煌（1930s - 1950s） 有声电影的成熟带来了配乐的革命。本章详细分析了二十世纪三十年代至五十年代好莱坞“制片厂制度”下，配乐的工业化生产模式。 核心案例分析： 马克斯·斯坦纳（Max Steiner）： 深入解析斯坦纳如何运用“连贯配乐”（Mickey-Mousing）技术，精确同步银幕动作，尤其聚焦于《乱世佳人》和《金刚》中宏大叙事的构建。探讨他如何将古典音乐的对位法和主导动机（Leitmotif）系统引入电影叙事。 埃里希·科恩戈尔德的成熟期： 分析他在《海盗》中如何确立了浪漫主义冒险配乐的典范，其管弦乐织体的丰满度和旋律的英雄主义色彩对后世的影响。 阿尔弗雷德·纽曼（Alfred Newman）： 侧重于纽曼在二十世纪福克斯的统治地位，以及他对电影主题曲（Theme Song）的开创性贡献，例如《万世浮生》中对美国精神的音乐表达。 这一时期的配乐风格以德奥浪漫主义晚期为基调，强调旋律的抒情性和管弦乐的丰富性，为银幕上的英雄主义和戏剧张力提供了最坚实的听觉支撑。 第三部：现代主义的冲击与音乐语汇的拓展（1950s - 1960s） 随着电影艺术对社会现实和内心世界的关注加深，传统的大型管弦乐叙事开始受到挑战。本部分着重于配乐如何吸收现代主义音乐的元素，以适应更复杂、更内省的电影主题。 关键转向： 伯纳德·赫尔曼（Bernard Herrmann）的革新： 详细解析赫尔曼如何打破传统，例如在《惊魂记》中仅用弦乐团来营造心理恐怖，以及《迷魂记》中对极简主义和电子音效的早期尝试。探讨他与希区柯克的“声音即视觉”的合作哲学。 对非传统乐器的引入： 讨论如埃尔默·伯恩斯坦（Elmer Bernstein）在《阳光普照的人》中对布鲁斯和民间音乐的运用，标志着配乐开始更多地反映地域文化和阶层特色。 欧洲电影配乐的影响： 简要概述欧洲（特别是意大利和法国）电影配乐对使用现代爵士乐、电子乐和前卫古典乐对好莱坞的渗透过程。 第四部：流派的细分与电子乐的崛起（1960s末 - 1970s） 七十年代是电影配乐多样化爆发的十年。随着独立制片和新好莱坞的兴起，配乐的风格不再被单一的古典主义所束缚，电子技术和流行音乐元素开始占据重要地位。 深度聚焦： 新浪潮对配乐的解放： 探究作曲家如何开始更多地依赖原创性的音乐“感觉”而非纯粹的叙事功能。分析约翰·威廉姆斯（John Williams）早期作品中对经典管弦乐的解构与重塑。 科幻与恐怖的电子化： 详细解析范吉利斯（Vangelis）和乔治·德斯普拉蒂（Georges Delerue）等人在合成器技术成熟后，如何利用电子音色构建超验的、未来主义的听觉空间。 对摇滚和流行乐的整合： 分析原声带（Soundtrack Album）作为独立商业产品的崛起，以及如何影响配乐的创作模式，例如对“歌曲串联”的运用。 第五部：史诗的回潮与数字录音的时代（1980s - 1990s） 八十年代，斯皮尔伯格和卢卡斯引领的“大片时代”要求配乐回归宏大、清晰、情绪饱满的风格，这促成了约翰·威廉姆斯体系的全面胜利。 本部分的核心在于分析数字录音技术如何改变了配乐的音质和制作流程。我们检视了威廉姆斯如何通过对科恩戈尔德风格的精确复兴，结合现代的录音技术，创造出如《星球大战》系列般具有永恒魅力的主题。 同时，我们也分析了配乐的“去旋律化”趋势在独立电影中的发展，例如迈克尔·尼曼（Michael Nyman）在彼得·格林纳威作品中的极简主义重复结构，以及配乐如何服务于更内敛的、侧重于氛围营造的艺术表达。 第六部：跨界融合与多媒体的挑战（2000s - 2010s） 进入新千年，电影配乐面临着电子游戏、网络视频等新兴媒体的竞争和融合。作曲家们必须在保证传统管弦乐美感的同时，融入环境音效设计、电子音乐的节奏和现代舞曲的结构。 关键议题： 汉斯·季默（Hans Zimmer）的“节奏驱动”美学： 深入剖析季默如何利用循环节奏、低频震撼（Bass Drops）和音色设计来构建现代动作片和科幻片的紧张感，以及他对“氛围配乐”的推崇。 对地域音乐的再利用： 探讨如亚历山大·德斯普拉（Alexandre Desplat）等作曲家如何将精致的室内乐和欧洲的音乐传统融入好莱坞制作，提供了一种不同于美式管弦乐的细腻质感。 独立电影的回归： 关注那些拒绝宏大叙事，转而使用极简钢琴、吉他或环境噪音来捕捉人物内心脆弱性的配乐作品。 第七部：未来图景与配乐的身份危机 本章展望电影配乐的未来发展方向，讨论人工智能辅助创作、沉浸式音效（如杜比全景声）对作曲家技艺提出的新要求。我们探讨配乐的商业化（如OST的碎片化消费）如何影响其艺术纯粹性。 总结与展望： 电影配乐不再仅仅是管弦乐的附庸，它已成为一门独立的、与视觉艺术紧密交织的复杂学科。本书的最终目标是培养读者不仅能“听见”电影音乐，更能“理解”其背后的创作意图、技术选择和文化背景，从而更深层次地欣赏电影这一综合艺术的魅力。

评分☆☆☆☆☆

在图书馆里借来的 王昕的音乐方面的书以前就看过一些 这本是专门介绍JAZZ的 可惜要是能配上CD放几首经典的就更好了

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

我是一个比较感性的人，听音乐更注重情绪的共鸣和故事性，所以很多音乐鉴赏类书籍对我来说都有点过于学术化了。然而，《爵士名盘300》在叙事风格上找到了一个非常巧妙的平衡点。它没有将爵士乐塑造成高不可攀的“精英艺术”，而是将其还原成了无数个鲜活的“人”的故事。阅读过程中，我常常被那些乐手们在职业生涯低谷、灵感枯竭或者经历人生变故时创作出的作品所打动。书中对于比波普（Bebop）兴起时的那种反叛精神、冷爵士（Cool Jazz）那种克制而内敛的情感表达，描绘得入木三分，仿佛能透过文字看到那些音乐家们如何在激烈的个人表达中寻找自我定位。每次合上书本，都忍不住要戴上耳机，重新播放那些被重点提及的专辑，带着全新的理解去聆听，那种“相见恨晚”的感觉是无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

我给这本书打高分，还有一个非常实际的原因：它的“可操作性”极强，对于一个爱乐者而言，能够方便地将“读”到的转化为“听”到的，才是关键。这本书的结构设计似乎就是为了配合线上流媒体或者实体唱片的播放列表。它不仅仅是文字描述，更像是一份精心策划的“音乐之旅路线图”。当我读到某位钢琴家在某个特定时期的创新时，我可以直接在手机上搜索那张专辑的主打曲目试听，几乎没有时间差的即时反馈，大大增强了阅读的沉浸感。而且，它对一些不太主流但影响深远的“冷门”专辑的挖掘和推荐，也十分精准，避免了只关注那些被过度曝光的超级巨星。正是这种既覆盖经典又兼顾“私藏”的选曲策略，让我在每次翻阅时总能发现新的惊喜，让我的音乐收藏库得到了极大的充实和优化。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在寻找一个系统性的爵士乐入门途径时偶然发现这本“爵士名盘300”的。在浩瀚的爵士乐海洋中，新人很容易迷失方向，不知道从何听起，更别提区分流派和年代了。这本书最大的贡献就在于它的“导航”作用。它并非简单地按时间顺序排列，而是将不同风格的里程碑作品有机地串联起来，清晰地展示了爵士乐从早期的新奥尔良布鲁斯，如何演变出摇摆乐（Swing）、再过渡到融合（Fusion）的清晰脉络。它就像一位耐心的老乐师，一边为你引荐那些重量级的前辈，一边告诉你如何欣赏他们各自的“绝活”。我最欣赏它在介绍“融合爵士”时，没有简单地批判其“商业化”，而是客观地分析了它如何吸收摇滚和放克元素，拓展了爵士乐的表达边界，这种包容性的视角，极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再墨守成规。

评分☆☆☆☆☆

这套“爵士名盘300”真是让人爱不释手，翻开第一页，那种扑面而来的年代感和浓厚的音乐氛围，仿佛一下子把我拉回了上世纪中叶，那些烟雾缭绕的地下酒吧，萨克斯风的慵懒与小号的激昂在空气中交织碰撞。我尤其喜欢它对每一张专辑的选材角度，不是那种枯燥的唱片目录罗列，而是深入到那个时代背景下，去剖析音乐家们创作时的心境和灵感来源。比如，它在介绍某张蓝调爵士经典时，会细致描绘出当时种族隔离的社会现实对音乐家情感表达的深远影响，那种压抑后的爆发，光是文字就足以让人感受到音符背后的力量。而且，排版设计非常考究，那种略带复古的字体搭配高质量的黑白乐手照片，简直就是一本艺术品。对于我这种不是科班出身，但又渴望深度了解爵士乐历史脉络的爱好者来说，它提供了一个绝佳的入口，既有广度，又不失深度，让人读完后，对爵士乐的理解提升了一个层次，不再是单纯的背景音乐，而是有血有肉的文化现象。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本“爵士名盘300”在细节处理上做得极其到位，它简直就是为“发烧友”量身定做的指南针。我关注的重点往往在于录音技术和母带处理的演变，而这本书完全没有让我失望。它会用非常专业但又不失生动的语言，去拆解那些传奇录音师是如何利用那个时代有限的设备，去捕捉住“现场感”的魔力的。比如，分析某张五重奏录音时，会详细对比立体声和单声道版本的听感差异，甚至会提到麦克风摆位对鼓组空间感塑造的关键作用。这种对声音细节的执着追求，让我重新审视了我收藏的那些老黑胶唱片，每一次播放前，都会对照书里的描述，去侧耳倾听那些微妙的混响和瞬态反应。对于那些热衷于钻研“声音美学”的听众来说，这本书提供的不仅仅是曲目列表，更是一份宝贵的“听音笔记”，指导我们如何去欣赏那些隐藏在旋律之下的技术光芒。

评分☆☆☆☆☆

准备五折入……

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jazz

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购于南京先锋书店。

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这书好。