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出版者:

作者:雷靛云 编

出品人:

页数:177

译者:

出版时间:2004-5

价格:18.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787805938394

丛书系列:

图书标签:

• 古筝
• 初级
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• 乐器
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• 传统乐器

弦音秘境：二十世纪中国小提琴协奏曲的演变与风格研究 本书导言：跨越半个世纪的音符回响 二十世纪，对于中国音乐，尤其是中国管弦乐而言，是一个剧烈变革与自我重塑的时代。西方古典音乐的严谨结构与本土民间音乐的深厚底蕴，如同两条奔腾的江河，在中国作曲家的笔下交汇融合，催生出了独树一帜的管弦乐语汇。在这场宏大的音乐叙事中，小提琴协奏曲以其无与伦比的表现力和叙事深度，成为了民族精神和时代风貌的集中载体。 本书《弦音秘境：二十世纪中国小提琴协奏曲的演变与风格研究》，旨在深入剖析自二十世纪初至世纪末，中国作曲家创作的一系列具有里程碑意义的小提琴协奏曲。我们不满足于简单的作品罗列与表面介绍，而是力求穿透音符的表层，探究其背后的历史语境、民族精神的注入方式，以及作曲技法上的创新与继承。 第一章：萌芽与移植——近代中国小提琴音乐的拓荒期（1900-1949） 本章聚焦于中国小提琴音乐的启蒙阶段。在西方音乐体系尚未完全扎根的年代，中国作曲家与留洋归来的音乐家如何面对这一舶来乐器？ 我们将细致考察早期的尝试性作品，例如在西方体裁框架内试图融入“中国风”旋律的探索。重点分析上海、北京等音乐中心在此期间的学术活动，以及早期器乐作品中对戏曲板式、民间小调的初级借鉴。这一时期的作品往往带着强烈的“移植”痕迹，但其意义在于为后续的成熟奠定了初步的实践基础。我们将重点分析如何区分早期作品中机械化的模仿与真正意义上的文化内化。 第二章：延安光芒与民族化高潮——革命现实主义的洗礼（1949-1966） 新中国成立，为中国音乐的民族化进程注入了强劲的政治与文化动力。小提琴协奏曲创作进入了第一个黄金时期，其核心议题是如何用西方大型器乐体裁，为社会主义建设和人民生活谱写赞歌。 本章将深入剖析“民族化”策略的具体实施。这不仅仅是简单地将民歌旋律嵌入协奏曲结构，而是一种深层次的结构重塑。我们将对比分析在这一时期涌现的代表作，探讨它们如何巧妙地将中国传统音乐的“散板”、“腔体”概念，融入到西方奏鸣曲式、回旋曲式中。特别关注对北方音乐素材（如山西、陕北信天游）和南方音乐素材（如江南丝竹）在协奏曲语汇中的不同处理手法。本章将详尽分析“主题与变奏”手法在构建民族史诗性叙事中的作用。 第三章：时代强音——中国小提琴协奏曲的巅峰之作群（1960s-1970s） 这一时期的作品，往往背负着强烈的时代使命感，其艺术表现力达到了前所未有的高度。它们不仅是器乐作品，更是特定历史时期的“音乐文献”。 本书将投入大量篇幅，对几部具有划时代意义的作品进行“微观分析”。我们的分析不再停留在宏观的结构描述，而是深入到音色选择、配器法、对小提琴演奏技巧的拓展等方面。例如，如何利用小提琴的高把位模拟唢呐的穿透力，或如何通过特殊的弓法模仿二胡的“吟猱”。我们将详细探讨这些作曲家如何从传统戏曲（如京剧、昆曲）的音乐语言中提取结构元素，并将其转化为协奏曲的“戏剧冲突”。同时，本书也将客观审视这些作品在结构上受到的特定时代风格的制约，以及其艺术生命力如何超越了创作背景。 第四章：回归与多元化——改革开放后的风格探索（1978-2000） 随着改革开放，中国音乐界迎来了前所未有的思想解放。小提琴协奏曲的创作开始从单一的叙事模式中解脱出来，转向对个人情感、内心世界以及音乐本体语言的深度挖掘。 本章着重探讨“回归现代性”的思潮。作曲家们开始重新审视西方20世纪现代音乐技法（如序列主义、自由无调性），并探索如何将这些技法与中国传统的“意境”追求相结合。我们将分析作品中出现的“意象化”写作手法，即如何用抽象的音响织体来营造某种特定的自然景观或哲学思考。同时，也探讨了部分作曲家对民族音乐的“后现代式”解构与戏仿，以及他们如何在中西方音乐语法之间寻求一种更加自由、个性化的平衡点。例如，对色彩和声的运用、对传统曲式框架的彻底瓦解与重建。 第五章：演奏技术与诠释的互动：小提琴家与协奏曲的共生 一部伟大的协奏曲，离不开一位杰出的诠释者。本章将转换视角，探讨二十世纪中国小提琴协奏曲的演奏实践。 我们将梳理重要的小提琴演奏家群体，他们如何通过自己的演绎，塑造和完善了这些协奏曲的“标准形象”。分析他们如何在演奏带有强烈民族色彩的作品时，避免流于表面化的技巧炫耀，转而深入挖掘旋律背后的情感逻辑。此外，我们还将讨论这些协奏曲对当代小提琴演奏技巧提出的挑战，例如对弓法、揉弦、换把速度的特殊要求，以及这些要求如何反过来影响了新作品的创作方向。 结语：面向未来的协奏曲谱系 本书最后总结了二十世纪中国小提琴协奏曲在世界音乐图景中的独特地位。它们不仅是中国音乐现代化历程的缩影，也是民族文化在面对全球化浪潮时，所能爆发出的强大创造力的证明。通过对结构、风格、技术和时代精神的全面梳理，我们期望为音乐学界和热爱中国音乐的听众，提供一个深入理解这一宝贵音乐遗产的坚实阶梯。本书的研究方法强调文本细读与历史语境的结合，力求展现出这一音乐体裁复杂而迷人的发展脉络。

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我是一个对传统文化抱有浓厚兴趣，但动手能力相对较弱的“伪文艺青年”。以往学习任何手工技艺，我总是在第三个步骤卡住，然后就再也提不起兴趣了。这本《古筝初级教程》的独特之处，在于它对“心理建设”的关注，简直是教科书级别的贴心。它在第一章的开头，花了好大力气去“破除迷信”。作者直言不讳地指出，很多人觉得古筝是“高雅的”、“需要天赋的”，从而望而却步，然后这本书便用一系列的数据和案例证明，古筝入门的门槛远没有想象的那么高，只要坚持正确的练习方法，任何人都可以发出悦耳的声音。这种先“打消顾虑”的策略，为我这种缺乏信心的初学者注入了一剂强心针。此外，本书的练习册部分设计得尤其精妙。它不是简单地罗列曲谱，而是在每个练习曲的旁边，用醒目的方框标注出“本周目标：熟练掌握‘撮’音的力度变化”或“挑战：在不减速的前提下完成左右手协调”。这种明确、可量化的目标设定，让我每次练习都能清楚地知道自己进步了多少，而不是空泛地弹奏一番。这种细致的进度管理，是很多大部头教材所欠缺的“人情味”。

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从一个长期关注民族乐器发展的读者的角度来看，这本书在教材的“现代化”处理上做到了一个很好的平衡。它既保留了中国传统音乐教育的严谨性，又巧妙地融入了现代学习工具的理念。比如，书中对“定弦”和“调音”的讲解部分，简直是救星！以往的教程往往只是要求读者去买一个电子调音器，然后告诉你如何对照。而这本书，不仅提供了详细的文字图解，还特意用对比的方式，解释了什么叫“音准的偏差”——比如，如果A弦低了半个音，听起来会像“远山传来的幽幽的钟声”，而如果高了，则会是“绷紧的弦在挣扎的颤音”。这种感性的描述，比单纯的频率数字要直观得多。更难能可贵的是，它对曲目的“改编”非常到位。初级教程通常会选择一些耳熟能详的民间曲调，但这本书选取的曲目，虽然旋律基础简单，但它们往往隐藏着对特定指法的“陷阱”，作者会提前在曲谱的相应位置用醒目的颜色标记出来，并附注“注意，这里是许多人会弹得太‘硬’的地方”。这种预见性和针对性极强的指导，让我在练习时能有意识地避开那些容易养成坏习惯的节点，大大节省了后期“纠正错误”的时间成本。

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老实说，我手里已经有好几本号称是“零基础必备”的乐器教材，但大多都是半途而废。这次拿到这本，一开始我也持保留态度，但它的排版和内容组织方式，真的让人耳目一新。它最大的特点在于其对“听感”的强调，远超出了传统教程的范畴。在讲解如何弹奏某一个音阶时，这本书特意附带了一个二维码（虽然我还没扫，但光有这个意图就值得称赞），据说是提供了一个真人示范音频。这很重要，因为对于我们这些没有老师指导的新手来说，光看图是无法捕捉到那个“对”的音色和节奏感的。这本书在理论阐述上也非常巧妙，它没有陷入深奥的传统音乐学泥潭，而是将古筝的音色特点与中国传统文化中的“气韵”联系起来。比如，在介绍“滑音”时，作者会引用一些古典诗词中的意境，教导读者如何通过手指的力度变化，模拟出“行云流水”或“山涧潺潺”的效果。这使得学习不再是机械的重复劳动，而更像是一场艺术的体验和文化的追溯。而且，这本书对曲目的选择非常谨慎，前期的练习曲目大多取材于民间小调或改编的古风旋律，它们旋律优美但技术难度梯度控制得极好，保证了学习者在轻松愉悦中逐渐建立起手指的肌肉记忆，而不是被一些听起来很宏大但实际操作起来挫败感极强的曲目劝退。

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这本书的封面设计简洁大方，以淡雅的青绿色为主调，中央是一幅精致的工笔画，描绘了一位古典仕女抚琴的场景，光是看着就让人心生宁静。我原本以为这本乐器入门书籍会充斥着枯燥的五线谱和密密麻麻的指法图，但翻开内页后，惊喜地发现它采用了大量的插图和清晰的文字说明。作者显然非常懂得初学者的心理，将复杂的乐理知识分解成了一个个易于消化的“小故事”。比如，在介绍“散板”时，它没有直接给出定义，而是通过一个生动的比喻——“像清晨薄雾中，第一滴露水滑落的瞬间”，来描绘那种自由舒展的感觉。更让我称赞的是，它对选材的考量。前几章并没有急于求成地教授复杂的曲目，而是花了大量篇幅讲解如何正确地认识和保养古筝，如何调整琴弦的松紧度，甚至细致到如何保持正确的坐姿以避免拉伤。这些看似基础却至关重要的细节，往往是其他教程中被一笔带过，却极大地影响了后续学习体验的“隐形障碍”。这本书的编排逻辑非常流畅，从最基础的“七个基本指法”开始，循序渐进地引入“轮指”和“按音”，每学完一个新技巧，紧接着就会有一首非常短小但能立刻应用该技巧的练习曲，这种即学即用的设计，极大地满足了初学者的成就感，让我有动力一页一页地往下翻。

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我是一位已经有十年钢琴基础，想转投古筝的乐器爱好者。对我这种“半路出家”的学习者来说，最大的困扰是如何摒弃钢琴的指法思维，去适应古筝独特的“按、滑、揉”等装饰性技巧。这本书在这方面的深度剖析，让我深感物有所值。它专门设置了一个章节，名为“从键盘到指尖的思维转换”。在讲解“揉弦”时，作者没有直接描述揉弦的物理动作，而是先将古筝的“揉”类技巧，与钢琴上的“延音踏板”和“装饰音”进行对比分析，明确指出了它们在声音延长和音色变化上的根本差异。这种跨乐器的类比，极大地加速了我对古筝独特表现力的理解。此外，书中对于“乐曲的呼吸感”的阐述也十分深刻。它引导读者思考，弹奏者如何在乐句之间换气，如何通过控制扫弦的力度，来模拟人声的抑扬顿挫。这已经超出了基础指法教学的范畴，开始触及音乐的灵魂。这种兼顾了绝对初学者和已有音乐基础学习者的双重需求的设计思路，使得这本书的适用范围极其广泛，可以说是一本非常全面、且充满人文关怀的入门宝典。

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