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出版者:人民音乐

作者:蒋雄达

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年6月1日

价格:64.0

装帧:平装

isbn号码:9787801291080

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 维瓦尔迪
• 巴洛克音乐
• 音乐史
• 音乐家
• 小提琴
• 协奏曲
• 意大利音乐
• 音乐欣赏
• 艺术

琴坛先祖维瓦尔迪：一部探寻巴洛克音乐巨匠的鸿篇巨制 作者： [此处留空，或填写作者信息] 出版社： [此处留空，或填写出版社信息] 出版日期： [此处留空，或填写出版日期] 字数： 约1500字 --- 内容提要： 本书并非聚焦于我们熟知的“四季”之父——安东尼奥·维瓦尔迪的生平轶事或其作品的权威性分析。相反，它将目光投向了广阔的巴洛克音乐图景，以一种宏观而细腻的视角，勾勒出在维瓦尔迪的时代背景下，欧洲音乐文化生态的复杂脉络、技艺的演进轨迹，以及那些共同塑造了十八世纪初音乐面貌的、同样重要的却常被后世忽略的先驱者与同行者。 《琴坛先祖维瓦尔迪》深入考察了十七世纪末至十八世纪初意大利北部，特别是威尼斯和罗马，作为音乐创作中心的独特地位。它探讨了协奏曲（Concerto）这一体裁从早期巴洛克到盛期巴洛克的结构性转变，并细致描摹了作为这一转变关键节点的若干音乐家——他们或许在教会任职，或许在宫廷服务，他们的贡献为后来维瓦尔迪风格的成熟奠定了不可或缺的基石。 全书分为“巴洛克语汇的构建”、“歌剧之城与协奏曲的诞生”、“器乐的革命与情感表达的深化”以及“北意大利音乐的辐射影响”四个主要部分。 第一部分：巴洛克语汇的构建 本部分首先将读者带回巴洛克早期，探讨“融会”（Affekt）理论在音乐创作中的核心地位。我们聚焦于卡伐利、蒙特威尔第等前辈是如何确立起强烈的戏剧性与情感表达的规范。特别分析了“通奏低音”（Basso Continuo）的技艺在不同地区的发展差异，以及这种织体如何为后来的器乐繁荣提供了坚实的和声骨架。书中对当时键盘乐器，特别是大键琴和管风琴的结构及其在礼拜仪式和室内乐中的角色进行了详尽的描述，揭示了这些乐器如何影响了旋律线的处理方式。我们考察了“对位法”在盛期巴洛克向“主调音乐”过渡中所扮演的复杂角色，为理解协奏曲的“独奏与合奏”结构张力做好了铺垫。 第二部分：歌剧之城与协奏曲的诞生 维瓦尔迪的音乐活动深受威尼斯歌剧繁荣的影响。然而，本书并不着重于维瓦尔迪的歌剧，而是转向考察了当时威尼斯歌剧院的运作模式、剧本的题材选择与美学追求，以及这对器乐作品中“咏叹调式”旋律的影响。我们详细考察了在维瓦尔迪成长过程中，如阿尔比诺尼（Tomaso Albinoni）和马切洛（Alessandro Marcello）等作曲家在协奏曲体裁上的早期探索。书中对比了不同城市音乐家对“快-慢-快”这一速度布局的偏好与实验，并探讨了“乐章”概念从早期套曲到成熟三乐章结构的演变过程。通过对这些同代人的细致梳理，读者可以清晰地看到，维瓦尔迪的创新并非凭空出现，而是建立在坚实的、群体性的艺术实践之上。 第三部分：器乐的革命与情感表达的深化 本部分将重点放在了乐器制造技术对于音乐表现力的推动作用上。我们将深入研究十六世纪末至十八世纪初小提琴家族的改进，特别是意大利制琴师（如克雷莫纳学派的早期影响）如何通过对音色和音量的优化，使得快速的“炫技乐段”（Virtuosic Passages）成为可能。书中细致分析了当时对“装饰音”（Ornamentation）的不同处理规范，以及这种规范如何在不同流派（如法国的舞蹈套曲与意大利的器乐协奏曲）间产生张力与融合。我们探讨了当时的乐谱出版业如何影响了音乐的传播，以及手抄谱在维系地方音乐传统中的作用。通过对早期器乐奏鸣曲、大协奏曲（Concerto Grosso）的范例分析，本书揭示了器乐叙事能力在巴洛克中期的飞速提升。 第四部分：北意大利音乐的辐射影响 最后，本书将视角扩大到维瓦尔迪的创作对欧洲其他音乐中心，如莱比锡、柏林和巴黎的影响。我们关注的是，当北意大利的音乐范式通过印刷品和旅行乐手传播开来时，是如何被当地的音乐家吸收、转化并发展出新的地域性特征的。书中特别分析了巴赫（J.S. Bach）对意大利协奏曲风格的改编实践，但着重于这些改编所揭示出的，是意大利风格的普遍性和它对德意志复调传统的冲击与补充，而非仅仅是致敬。本书旨在为读者提供一个更全面的历史视角：维瓦尔迪所处的时代，是一个由无数创新者共同推动的、充满活力和竞争的音乐熔炉。 本书特点： 非传记式聚焦： 完全避开对维瓦尔迪个人生活的赘述，专注于其所处的音乐环境和技艺背景。 文献详实： 引用了大量未被充分利用的同期信件、乐谱序言和音乐理论手稿，重建当时的听觉世界。 体系构建： 提供了理解巴洛克协奏曲体裁如何成熟的清晰的、层层递进的理论框架。 通过阅读《琴坛先祖维瓦尔迪》，读者将得以跨越单一巨匠的阴影，真正领略到十八世纪初欧洲音乐大变革时期那波澜壮阔的集体智慧与艺术探索。这是一部献给所有热爱巴洛克音乐结构与历史的严肃爱好者的佳作。

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这本书在介绍那些被主流历史叙事所忽略的次要作曲家群体时，表现出了极大的勇气和细致入微的研究精神。它没有停留在那些耳熟能详的名字上打转，而是深入挖掘了那些在宫廷或地区教堂中默默耕耘的音乐家们留下的文献。通过引用大量的私人信件和未出版的乐谱片段，作者成功地还原了当时音乐生态的复杂性，揭示了“伟大”的定义远比我们想象的要宽泛。这种“自下而上”的叙事视角，极大地丰富了我对那个时代艺术土壤的认知，让人体会到真正的文化繁荣是多么多元化。

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这本书简直是音乐史爱好者的一场盛宴，作者对巴洛克时期欧洲音乐的演变脉络把握得极为精准。我尤其欣赏它在描述音乐风格流变时所采用的对比手法，清晰地勾勒出了不同地域音乐家们如何相互影响、又如何保持各自特色。阅读过程中，我仿佛置身于那个华丽而又充满张力的时代，对那些宏伟的赋格曲和精巧的奏鸣曲背后的创作心境有了更深一层的理解。文字流畅且充满洞察力，即便是对专业乐理不甚熟悉的读者，也能被其娓娓道来的叙事所吸引，感受到音乐作为一种跨越时空的语言所具有的强大生命力。它不只是罗列事实，更是对美学思想的一次深入挖掘。

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坦白说，我对这本书的翻译质量感到非常失望。原文中那些充满韵律感和特定时代气息的描述，在译本中被处理得过于直白和口语化，许多术语的对应也显得生硬，完全失去了原作那种优雅的古典韵味。有些句子甚至出现了语病，使得原本清晰的学术观点变得晦涩难懂。对于一本涉及如此精妙艺术表达的专著而言，文字本身就是解读内容的重要媒介，翻译的粗糙，直接削弱了全书的感染力和专业性，让人在阅读时不得不频繁地在脑海中进行二次“重构”才能领会原意，实属遗憾。

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这本书的结构编排实在有些令人费解，像是将不同时期的乐谱手稿随意地拼贴在了一起。有些章节的论述跳跃性太大，前一页还在谈论键盘音乐的革新，后一页突然转向了歌剧声乐的技巧讨论，中间缺乏必要的过渡和逻辑衔接，让读者很难构建起一个连贯的知识体系。我花了大量时间去梳理这些松散的知识点，感觉自己更像是在进行一场费力的考古挖掘，而不是享受一场知识的阅读之旅。如果能在章节之间增加一些清晰的导读和总结，或许能大大提升阅读体验，可惜，这本册子在这方面做得远远不够。

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我强烈推荐给所有对乐器制作工艺和乐器发展史感兴趣的朋友。书中对于不同乐器在十八世纪前后发生的材质、结构上的微小却至关重要的改动，描述得细致入微，简直是技术层面的百科全书。作者似乎对黄铜乐器和弦乐器制作过程的了解，已经达到了近乎匠人的那种痴迷。读到关于音色调校和材料选择如何影响最终的听感时，我简直手痒，恨不得立刻去参观一间古老的制琴工坊。它成功地将冰冷的机械原理，转化成了充满人情味的艺术创造过程，让人对那些被历史尘封的技艺肃然起敬。

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