CorelDRAW 11 & Illustrator 10图形设计教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民邮电出版社

作者:章道林

出品人:

页数:348

译者:

出版时间:2004-5-1

价格:30.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787115123145

丛书系列:

图书标签:

• CorelDRAW 11
• Illustrator 10
• 图形设计
• 教程
• 设计软件
• 矢量图形
• 平面设计
• 软件教学
• 电脑绘图
• 设计入门
• 图像处理

深入探索数字图像处理的现代技术与应用 本书聚焦于当前主流的、更迭迅速的数字图形设计软件和技术流派，旨在为读者提供超越传统二维静态图像制作的全面指导，涵盖三维建模基础、动态图形设计（Motion Graphics）的理论与实践，以及与新兴数字媒体（如AR/VR内容创作的预处理）的融合策略。 本书内容编排以“构建现代数字内容生态”为核心理念，完全避开了对CorelDRAW 11和Adobe Illustrator 10时代的功能和界面进行详述，而是将目光投向了2020年以后图形设计领域的新趋势与核心工具。 第一部分：新一代矢量与位图工作流的重塑 本部分将彻底摒弃依赖于老旧软件版本的操作习惯，深入剖析Adobe Creative Cloud（CC）系列软件在当代设计流程中的效率优化。 第一章：Adobe Illustrator CC的参数化矢量设计范式 本章不再讨论基础的钢笔工具应用，而是重点讲解如何利用最新的“脚本/插件集成”和“符号库自动化”功能，实现复杂图案的快速生成与管理。深入探讨可变字体（Variable Fonts）在品牌标识设计中的应用，如何通过微调轴心（Axes）来创造无限的视觉变化，以适应响应式设计（Responsive Design）的需求。同时，会详细介绍“属性面板”的深度定制，以及如何利用“外观面板”结合图层样式，实现非破坏性的复杂图形叠加效果。 第二章：Adobe Photoshop在专业图像合成中的高级技术 内容聚焦于超越基础的图层混合模式，侧重于基于“智能对象”（Smart Objects）的工作流程，实现无损编辑和高效迭代。我们将详细演示如何利用“神经滤镜”（Neural Filters）进行复杂的场景重建、风格迁移和人像修饰，显著提高后期处理的效率。特别地，本章会引入“内容感知填充”的深度技巧，讲解如何训练AI模型识别特定材质，以达到更高保真度的背景替换和物体移除。此外，还会涉及32位色彩深度图像的处理流程，以确保高质量的印刷品和HDR显示效果。 第三章：跨平台色彩管理与色彩空间校准 本章探讨从显示器到印刷机、再到网络环境的色彩一致性问题。内容包括：现代显示器（如广色域P3和Rec.2020）的校准流程，ICC Profile的正确生成与应用，以及如何有效地在sRGB、Adobe RGB和CMYK（FOGRA/GRACoL标准）之间进行精确的转换，避免因色彩空间差异导致的视觉失真。 第二部分：从二维到三维的沉浸式内容创作 本部分旨在弥合传统平面设计与新兴三维/动态领域之间的鸿沟，使设计师能够将二维概念无缝过渡到三维或动态媒介。 第四章：Blender基础建模与渲染入门 本章将以Blender作为主要教学软件（替代任何老旧的3D软件），聚焦于低多边形（Low-Poly）和程序化建模（Procedural Modeling）的技巧。讲解如何利用“节点编辑器”（Node Editor）创建复杂的材质和纹理，而非依赖于UV贴图的传统方式。重点演示Cycles和Eevee渲染引擎的特性对比，以及如何快速输出高质量的“产品可视化”图像。 第五章：After Effects与动态图形设计（Motion Graphics） 本章完全围绕Adobe After Effects的现代特性展开，重点教授如何创建企业级动画和社交媒体短片。内容包括：高级表达式（Expressions）的应用，用于驱动复杂的运动逻辑；“Puppet Pin Tool”的进阶用法，实现流畅的角色骨骼动画；以及如何利用“Shape Layers”结合“Trim Paths”制作信息图表的动态展示效果。对于动态排版（Kinetic Typography），本章会提供一套基于文本层动画的模块化解决方案。 第六章：3D元素在平面设计中的集成策略 探讨如何将上一章制作的3D渲染图层（如带有真实阴影和环境光遮蔽的物体）无缝地合成到Photoshop或Illustrator制作的背景中。这包括精确匹配光照角度、景深（Depth of Field）模拟，以及如何利用图层样式模拟3D物体在不同光照下的“环境反射光”。 第三部分：面向未来的设计交付与自动化 本部分关注现代设计流程中的效率提升、版本控制以及面向新兴技术的输出标准。 第七章：设计系统的构建与组件化管理 本章侧重于设计流程的规模化。详细介绍如何使用如Figma或Sketch等现代工具（作为设计系统管理平台），建立可复用的组件库（Components），并定义设计令牌（Design Tokens）。讲解如何将这些令牌同步回Adobe Creative Cloud工具，以确保品牌视觉在不同媒介间的一致性。 第八章：面向Web与App的切图与优化标准 内容摒弃了传统的像素级输出，转而关注矢量化和响应式资源。讲解SVG（可缩放矢量图形）的优化，包括去除不必要的编辑数据和路径简化。同时，深入介绍如何为不同的屏幕密度（如@1x, @2x, @3x）准备图片资源，并介绍使用WebP或AVIF等现代图像格式以减小文件体积。 第九章：AR/VR内容的基础准备与预览流程 本章作为前瞻性内容，介绍了平面设计师在沉浸式内容创作中的切入点。内容包括：如何准备用于3D环境的2D纹理贴图（如法线贴图、粗糙度贴图的简化制作），以及如何利用特定软件（如Adobe Aero或Unity/Unreal Engine的导入插件）预览和测试平面设计元素在真实空间中的表现效果。 --- 本书的受众群体：有一定基础，但希望从传统软件版本跨越到现代、高效、整合式数字图形设计流程的设计师、艺术指导和视觉传达专业学生。它假定读者已经掌握了基本的图形操作逻辑，并将重点放在“如何用今天的工具做明天的工作”上。

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这本书给我的整体感觉是，它更像是一份为当时的“专业技术人员”准备的详尽参考手册，而不是一本面向“未来设计师”的启发性教材。它强调的是“怎么做对”，而非“怎么做得更好、更有创意”。比如，在处理图形的群组、锁定、以及复杂图形的布尔运算等高级编辑功能时，我希望能看到更精妙的技巧，例如如何快速分离被锁定在深层分组中的特定锚点进行微调，或者如何高效地合并上百个路径而不产生多余的锚点。如果这些关于效率优化的“内行窍门”在书中有所体现，那么即使它的界面看起来老旧，这本书依然值得被珍藏。但如果它仅仅停留在基础命令的罗列上，那么随着软件版本的迭代和设计理念的演进，这本书的内容很快就会变得滞后，无法真正帮助一个心怀抱负的初学者跨越从“会用软件”到“精通设计”的鸿沟。

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这本书的封面设计，嗯，说实话，第一眼看过去，并没有给我带来那种“哇，这一定是本神作”的惊艳感，它走的是一种非常朴实、甚至可以说是略显年代感的风格。装帧的纸张质感摸上去，也透露出一种早期的印刷品的味道，和现在市面上那些动辄采用哑光覆膜或UV工艺的书籍相比，显得有些单薄了。我买这本书的时候，主要是冲着它标题里提到的那两款软件——CorelDRAW 11和Illustrator 10。那个年代，这两款软件几乎是图形设计领域的两大支柱，谁能把它们吃透，就等于拿到了进入行业的敲门砖。我当时是刚接触设计不久的新手，对矢量图的概念还很模糊，希望能通过一本权威的教程来系统性地建立起我对这些专业工具的理解。我期待这本书能用一种非常清晰、循序渐进的方式，把我从零基础带到能够独立完成基础设计任务的水平。尤其是对于软件界面布局、常用工具栏的快捷键、以及矢量编辑的基本原理，我希望它能有详尽的图文说明，而不是那种过于概念化的理论阐述。毕竟，对于我们这些实操型学习者来说，看到屏幕截图和实际操作步骤，远比阅读大段的文字描述来得有效得多。

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这本书的章节安排，给我的感觉是那种典型的、按部就班的“软件功能介绍”模式。它似乎将软件的每一个菜单选项、每一个面板功能都做了地毯式的扫描和介绍。这对于想要全面了解软件界面的读者来说是好事，但对于追求“效率”和“项目实战”的现代学习者来说，可能会显得冗长和拖沓。我更看重的是实战案例的深度。比如，它是否能展示如何利用CorelDRAW的文本排版功能结合Illustrator的图形元素，去完成一份像样的企业宣传册或海报设计？如果案例只是停留在制作一个简单的几何图形Logo或者一个简单的名片模板，那它对于提升我的设计思维帮助就非常有限了。我希望看到的是那种能够激发创意的挑战性项目，例如，如何利用软件的特定滤镜或混合模式，模拟出早期设计中流行的立体感或金属质感。如果教程过于保守，只教授最基础、最不会出错的操作，那么读者很容易就会陷入“工具熟练工”的怪圈，无法真正成长为一名“设计师”。

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当我真正翻开这本书的内页，那种强烈的“时光机”效应就扑面而来了。排版风格非常规整，大量的截图占据了版面，但这些截图的色调和清晰度，明显带着那个时代屏幕捕捉技术的烙印，像素点和显示器颗粒感依稀可见。我特别留意了关于路径和锚点的章节，这是矢量软件的核心灵魂所在。我期望看到的是如何利用贝塞尔曲线精确控制节点的拉杆，实现平滑过渡和尖锐转折的秘诀。如果这本书能够深入讲解“钢笔工具”在不同情境下的应用策略，比如绘制复杂的人体曲线和机械线条的区别，那就太棒了。我记得当时很多老教程都会用“描摹”作为基础练习，我希望这本书能提供一些高质量的描摹素材，并且对手动调整节点时，如何兼顾视觉效果与文件效率（那时候对文件大小的考量也很重要）给出独到的见解。如果它仅仅停留在告诉你“点这里、拉那里”的表面操作，而没有触及背后的设计逻辑，那这本书的价值就会大打折扣，只能算是一本“工具手册”而非“设计教程”。

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从语言表达的角度来看，这本书的文字风格显得非常正式和严谨，几乎没有使用任何口语化的表达或者幽默的段落来缓解学习的枯燥感。这让阅读过程变成了一种严肃的“解码”任务。我特别关注了其中关于色彩管理的章节。在那个阶段，CMYK和RGB的转换、专色（Pantone）的应用是印刷品设计的生命线。我非常希望这本书能详细解释，为什么在不同软件间进行文件交换时，颜色会发生偏移，并提供一套行之有效的色彩校正流程。如果它只是简单地提到了“选择CMYK模式”，那就远远不够了。真正的挑战在于软件之间的兼容性和工作流程的顺畅性。一个优秀的教程，应当预见到读者在实际工作中会遇到的“陷阱”，并提前给出规避方案。如果这本书在这方面语焉不详，只是按照软件的帮助文档来组织内容，那么它在实战指导上的价值就略显不足了。

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