李焕之的创作生涯 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国青年出版社

作者:

出品人:

页数:158

译者:

出版时间:1999-4

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787500633877

丛书系列:

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音乐史上的另一道光芒：解析二十世纪中国作曲家的艺术征程 导言 二十世纪的中国，正经历着前所未有的剧变。在民族独立、社会转型与中西文化激烈碰撞的时代背景下，一批音乐家肩负起了构建和发展本民族艺术体系的重任。本书将聚焦于那些在时代的洪流中，以音符为武器，以旋律为血肉，探索中国音乐现代化之路的杰出作曲家们。我们并非将目光局限于某一特定个体，而是试图勾勒出一条宏大而复杂的创作图景，展现他们如何吸收异域的艺术精髓，同时扎根于本土深厚的文化土壤，最终铸就出具有时代烙印与民族风格的音乐遗产。 第一部：时代的序曲与早期探索（1900-1949） 本部分深入探讨了二十世纪上半叶中国音乐教育与创作的奠基阶段。这一时期的作曲家们，大多接受过西方音乐体系的系统训练，他们面临的首要任务是将所学的和声学、对位法、配器法等“西学”，与中国传统的五声调式、民间曲调进行有机结合。 1. 西风东渐中的身份认同： 探讨早期留学归国的音乐家们，如何在西方成熟的音乐殿堂中，反思中国传统音乐的价值与不足。他们如何处理作品中的“中西冲突”？是通过直接引用民歌素材，还是通过结构与和声的创新来体现“中国性”？ 2. 歌剧与声乐的先驱尝试： 聚焦于早期歌剧创作的艰难起步。在缺乏成熟剧团、观众基础薄弱的年代，这些先驱者如何运用通俗易懂的音乐语言，尝试讲述中国故事。特别分析几部具有里程碑意义的早期声乐作品，如受“五四”新文化影响的话剧配乐，如何摆脱传统戏曲的藩篱，迈向更具现代性的表达。 3. 民族管弦乐队的理论构建： 详细考察民族管弦乐这一独特的音乐体裁在萌芽期的探索。作曲家们如何研究和规范弓弦乐器、弹拨乐器的音色特点与演奏技法，以期建立一套能够与西方交响乐相媲美的本土乐队编制。这一时期的作品，往往在形式上模仿西方奏鸣曲或组曲，但在音乐语言上则努力挖掘古老的音韵。 第二部：革命洪流中的音乐转向（1949-1976） 新中国的成立，对音乐创作提出了新的要求——“为工农兵服务”。本部分着重分析了服务于国家意识形态建设的音乐创作风貌，以及作曲家们在这一特定历史语境下的艺术选择与突破。 1. 主题的严肃化与英雄化： 研究大型叙事体作品的兴起，如大型清唱剧、交响诗以及民族管弦乐套曲。这些作品的共同特点是史诗般的宏大构思，以及对革命历史、英雄人物的赞颂。分析其在音乐语言上的“统一性”与“通俗性”的平衡，即如何既要保证音乐的艺术水准，又要确保最广大的听众能够理解和接受。 2. 戏曲音乐的现代化革新： 探讨京剧、地方戏曲在这一时期的“改革”与创新。作曲家如何参与到对传统剧目的整理与改编中，引入新的配器、和声色彩，以期延续传统艺术的生命力。这不仅仅是音乐上的改造，更是对传统叙事模式的重新解读。 3. 室内乐的隐秘角落： 尽管大型作品占据主导地位，但仍有一部分作曲家在相对私密的空间中坚持对纯音乐形式的探索。本节将揭示在特定的政治气候下，那些专注于室内乐创作的音乐家们，他们如何在不触及敏感题材的前提下，以更精妙的对位、更内敛的织体，进行技法的打磨和个人情感的抒发。 第三部：思想解放与风格的多元化（1977至今） 改革开放的春风吹拂，中国音乐界迎来了前所未有的创作自由。本部分聚焦于这一时期艺术思想的空前活跃，作曲家们开始重新审视传统，并以前所未有的开放姿态拥抱世界。 1. “交响乐新潮”与形式的回归： 随着西方现代音乐思潮的涌入，一批年轻作曲家开始挑战既有的“为政治服务”的创作范式，重新关注音乐本体的结构与张力。探讨如序列主义、偶然音乐、极简主义等西方作曲技法对中国音乐语言的影响。他们的作品不再追求清晰的叙事性，而是转向对音色、空间、时间的哲学探讨。 2. 民族音乐的深度挖掘与重构： 区别于早期直接引用民歌的“表层”民族化，这一时期的作曲家开始深入田野调查，钻研特定地域的“乐律学”与“演奏法”，试图从最底层的音乐逻辑中汲取养分。例如，对特定少数民族音乐体系的抽象借鉴，而非简单的旋律嫁接，形成更具思辨性的民族风格。 3. 电子音乐与跨媒介的尝试： 随着科技的发展，电子合成器、录音技术进入音乐创作领域。分析作曲家们如何利用这些新技术探索人声、自然音响的非传统处理方式，拓宽音乐的边界，并尝试与视觉艺术、多媒体的结合，预示着中国音乐未来发展的方向。 结语：永恒的对话 本书通过对上述不同历史阶段的作曲家群像的梳理与分析，旨在说明中国音乐的现代化进程并非一条直线，而是一部充满张力与悖论的复杂历史。每一代音乐家都在努力回答同一个问题：在一个全球化的世界中，如何才能创作出既属于我们这个时代，又深深植根于民族灵魂的音乐？本书试图提供一个观察和理解这些伟大艺术家的独特视角，他们的作品共同构建了二十世纪中国音乐的恢弘殿堂。

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从文笔的流畅性上来说，这本书的叙事节奏掌握得非常老练。它没有采用那种单线推进的叙事模式，而是巧妙地利用了时间的回溯与跳跃，时而聚焦于一个创作的“瞬间”，时而拉开来审视一个漫长的“阶段”。这种灵活的结构，有效地避免了叙事疲劳。尤其是在描绘艺术家晚年回顾往昔的章节时，那种饱经沧桑后的沉静与智慧，被文字的韵律感烘托得淋漓尽致，读起来有一种令人心安的力量。更让我感到欣慰的是，书中对那些被学界长期忽略的早期尝试和未完成的作品也给予了应有的关注，这体现了作者研究的全面性与深度，而非仅仅停留在那些耳熟能详的“代表作”上。对于真正的爱好者而言，这些“边角料”往往更能揭示出艺术家探索的真实轨迹与潜力所在。

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我必须承认，一开始我对这类严肃的艺术传记抱有一定的畏惧心理，总担心会陷入枯燥的年代记叙中。然而，这本书最成功的地方在于，它成功地将一个艺术家的“职业生涯”与他作为“一个人”的完整生命轨迹编织在了一起。当我们跟随文字走过那些重要的历史转折点时，我们看到的不仅是创作上的里程碑，更有其个人情感的波澜——家庭的变迁、友谊的建立与疏远、以及在社会变革浪潮下的自我定位。作者在处理这些敏感的私人领域时，保持了一种恰到好处的克制与尊重，既没有过度猎奇，也没有回避矛盾。这种平衡感使得人物形象立体而丰满，他不再是高高在上的艺术符号，而是一个有血有肉、会犯错、会迷茫的真实个体。正是这种“去神化”的处理，反而让我对他所取得的成就产生了更由衷的敬佩。

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阅读此书，就像是进行了一次深入的文化考古。作者对于特定历史时期，尤其是在涉及艺术思潮交汇与碰撞的关键节点上，所做的背景梳理工作令人叹服。他并非孤立地看待这位艺术家的发展，而是将其置于一个广阔的文化网络之中，探讨了各种外部影响如何潜移默化地塑造了他的审美取向和创作选择。这种宏观的视野，使得书中对具体作品的分析不再是孤立的音乐鉴赏，而成为了对一个时代文化精神的侧写。我特别欣赏作者在阐述某些作品诞生背景时，引用的那些跨学科的观察角度，比如当时的建筑思潮、文学思潮对音乐形式的影响。这种多维度的解读，极大地拓宽了我对艺术创作互文性的理解，让人在合上书本之后，对那个时代的艺术图景有了更全面、更立体的把握。

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这本书的装帧设计和版式布局，给我的阅读体验增添了不少惊喜。内页的留白处理得非常讲究，让人在阅读那些篇幅较长的论述时，眼睛得到了充分的休息。更值得称道的是，作者对文献资料的引用和整理达到了近乎苛刻的严谨程度，但奇怪的是，这种严谨感却丝毫没有让阅读过程变得沉闷。相反，通过穿插的那些看似不经意的私人信件摘录和当时的报刊评论，我们仿佛置身于历史现场，去亲身体验公众对作品最初的反应。这种将学术研究的深度与大众传播的易读性完美结合的技巧，在同类传记作品中实属罕见。那些历史图片的选择也十分精准，黑白照片中人物的神态，远比文字描述更能传达出那个年代特有的严肃与蓬勃的生命力。总体来说，这是一本在“形”与“神”两方面都做足了功课的佳作，值得细细品味。

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这部传记的叙事手法真是别具一格，作者似乎并不急于铺陈宏大的历史背景，反而像一个老朋友，娓娓道来那些关于艺术、生活与坚持的琐碎片段。我尤其欣赏其中对音乐创作心路历程的捕捉。那些关于旋律灵感的乍现，以及面对枯燥的技巧练习时的挣扎与突破，都被描绘得入木三分。仿佛能感受到创作者在深夜里对着乐谱时，那种既孤独又充满希望的状态。文字的密度恰到好处，没有过度使用晦涩的专业术语，即便是对音乐理论不甚了解的读者，也能通过生动的比喻和细腻的心理刻画，窥见这位艺术家是如何将情感冶炼成音符的。阅读过程中，我时常会停下来，回味那些描绘早期舞台经验的段落，那些带着时代烙印的剧院，还有初登台时既紧张又兴奋的复杂心情，都通过作者的笔触鲜活地呈现在眼前，让人不禁对那个特定时代的文化生态产生更深层次的好奇与敬意。它不只是一本关于“谁做了什么”的流水账，更是一部关于“如何成为”的深度探索。

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