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出版者:同心出版社

作者:李耀林

出品人:

页数:111

译者:

出版时间:2004-5

价格:12.0

装帧:平装

isbn号码:9787805930497

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 儿童画
• 启蒙
• 美术
• 技巧
• 临摹
• 素描
• 色彩
• 基础
• 教程

探索声音的奥秘：乐器设计与声学原理 一、引言：声音的建筑师 本书并非关于拿起画笔描绘线条与色彩，而是带领读者深入探索一个更为精妙、更为无形的艺术领域——声音的构造与设计。我们探讨的不是视觉艺术的构图，而是听觉艺术的结构。我们将揭示隐藏在每一个音符背后的物理定律、材料科学以及人类工程学的智慧结晶。 本书旨在为那些对音乐、物理学、工程学以及复杂机械设计抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的视角，去理解一件乐器如何从原材料蜕变为能够驾驭空气振动的复杂系统。 二、材料的交响：从树木到金属的声学转型 乐器的灵魂往往藏在其所用的材料之中。本书将详细分析不同材料对声音特性的决定性影响，这是一个关于共振、阻尼与密度之间的微妙平衡。 2.1 木材的选择与处理： 我们不会讨论如何挑选合适的画纸，而是聚焦于制作提琴背板、吉他音板或长笛木管所采用的木材。例如，云杉（Spruce）因其高强度重量比和优秀的内部阻尼特性，成为小提琴和钢琴音板的首选。我们将深入剖析“陈化”（seasoning）过程——木材的干燥、养护，以及它如何影响最终的音色（Timbre）。不同的年轮密度、径向切割（quarter-sawn）与弦向切割（flat-sawn）如何影响声波的传播速度和反射模式。 此外，我们还会研究硬木（如枫木Maple）在提琴侧板和背板中的作用，它主要负责声音的聚焦和高频的辐射，以及乌木（Ebony）在指板上对基音清晰度的贡献。 2.2 金属的冶炼与塑形： 对于铜管乐器（如小号、圆号）和打击乐器（如定音鼓、钟琴），金属的化学成分和加工工艺是决定其音色的关键。 黄铜合金的秘密： 探讨不同比例的铜与锌（如63/37与70/30）如何影响黄铜的延展性、硬度以及最终的“温暖度”或“亮度”。我们将分析拉制（drawing）和卷制（forming）过程中对金属晶体结构的影响。 钟声的数学： 对于钟和锣这类复杂打击乐器，其音高并非由单一的基频决定，而是由一系列泛音（partials）的精确比例构成。我们会介绍“协和钟”（Harmonic Bell）的设计理念，如何通过调整边缘的厚度和曲率，使泛音结构趋于数学上的和谐，从而产生悦耳的钟声，而不是刺耳的噪音。 2.3 现代材料的融合： 当代乐器设计已不再局限于传统材料。我们将考察碳纤维、复合材料在吉他、大提琴甚至管乐器中的应用，分析它们在极端环境下的稳定性和对瞬态响应（attack）的影响。 三、声学原理的工程化：从空气柱到共振腔 乐器本质上是将机械能转化为可听声波的能量转换装置。本书的核心在于解析这些能量转换的机制。 3.1 弦的振动与模式： 以吉他或钢琴为例，一根弦的振动不仅仅是简单的来回摆动。我们将利用傅里叶分析（Fourier Analysis）的概念，解析弦振动所产生的复杂频谱——基频和无数个泛音的组合，这些泛音的强度决定了音色的独特性。还会讨论如何通过改变弦的张力、长度和质量（如缠绕的金属线）来精确控制音高和音色。 3.2 气柱振动与调音： 对于管乐器，我们主要研究空气柱的驻波现象。 开管与闭管： 分析笛子（开管）和单簧管（近似闭管）的谐波序列差异。一个简单的长度变化（如按键或滑管的移动）如何通过改变有效气柱长度来改变频率。 圆号的奇迹： 深入探讨圆号复杂的活塞和调音管系统如何通过导管的切换，实现跨越多个八度的音高控制，以及演奏者通过改变嘴唇的张力（embouchure）如何微调音高。 3.3 共振腔的放大与塑形： 音板、琴箱或喇叭口，它们的工作原理是捕获振动源发出的微弱能量，并通过空气的耦合，将其有效地辐射到听众的耳朵中。我们将探讨： 耦合效率： 振动源（弦或气柱）如何与共振腔进行能量传递。 腔体模式（Mode Shapes）： 不同的箱体形状和内部支撑结构（如小提琴的音柱和音梁）如何激励和增强特定的频率范围，从而塑造乐器的“音色指纹”。 四、复杂机械的精密度：调律与机械联动 一件乐器，尤其是有键盘或复杂的阀门系统的乐器，是精密的机械装置。 4.1 键盘乐器的机械传动： 以钢琴的击弦机（Action）为例，我们分析其复杂的杠杆系统如何确保从轻柔的PP到强劲的FF，琴槌都能以一致且可控的速度撞击琴弦。这涉及对摩擦力、惯性矩和触感的精确计算。我们将解构“双重擒纵机构”（Double Escapement）的工程设计，它如何允许演奏者快速重复弹奏同一个音符而不必等到琴槌完全复位。 4.2 阀门与音栓的空气动力学： 对于管乐器，活塞（Piston）或旋转阀（Rotary Valve）的设计至关重要。这些部件必须在高速气流中实现近乎完美的密封性，同时将气流导向额外的弯曲管路以降低音高。我们将研究阀门机构如何最小化引入的阻力（back pressure）和气流湍流，以保证音色的统一性。 五、声音的感知与设计哲学 最后，本书将超越纯粹的物理与工程，探讨声音设计中的人文因素。 我们讨论“完美音高”的定义——一个受文化和历史影响的概念，以及不同历史时期（如巴洛克时期与浪漫主义时期）对乐器音准标准的演变如何驱动了乐器制造技术的进步。我们将审视制琴大师们依赖的直觉与经验，以及现代声学分析如何为这些传统智慧提供科学验证。 结语：听觉的无限边界 本书呈现的是一门将艺术灵感、材料科学与精密工程融为一体的学科。它展示了人类如何通过精巧的设计，捕捉并组织空气的振动，从而创造出能够跨越时空、触动心灵的听觉体验。探索这些奥秘，是对人类创造力最深刻的致敬。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“错误”的包容和引导。在很多教程里，失败的尝试总是不被提及的，仿佛完美的成品才是唯一正确的答案。然而，这本书却花了相当大的篇幅来探讨“如何修正”和“如何从错误中学习”。它用幽默且非常坦诚的笔触，分享了作者自己早年犯下的“十大绘画错误”，并且详细解析了如何将这些“错误”转化为创意的转折点。比如，当你不小心把颜色涂得太深时，书里会教你如何利用这个“过饱和”的状态，通过叠加新的层次来创造出意想不到的纹理效果。这种坦诚让我倍感亲切，因为它让我明白，绘画的道路上充满了尝试和失误，这才是常态，而不是少数人的特例。这种心理上的支持，比任何复杂的技巧讲解都来得更有力量。它让我敢于下笔，敢于尝试那些我以前害怕触碰的领域，因为我知道，即使搞砸了，这本书也为我准备了“补救方案”和“化腐朽为神奇”的思路。它不仅是一本绘画指南，更像是一本对抗完美主义焦虑的“心理按摩书”。

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这本书的理念非常新颖，它完全颠覆了我过去对于“学画画”的刻板印象。我原以为学画画就是大量的枯燥的临摹和对解剖学的死记硬背，但这本书似乎更注重培养一种“创造性的思维模式”。它花了不少篇幅去讨论“观察力”的培养，而不是直接给出“照着画”的模板。作者鼓励我们去打破常规，去捕捉瞬间的灵感，甚至提倡在不完美中寻找美感。书中有一个章节专门讨论了“留白”的艺术，这个概念对我触动很大。在我的理解中，绘画就是要“填满”画面，但作者通过精妙的例子告诉我，有时候“不画”的部分反而能引导观者的想象力，赋予作品更多的生命力。这种从“技法至上”转向“心境先行”的引导，让我感到非常受用。它让我从一个被动的接受者，转变成了一个主动的探索者。它没有给我设下太多的规则，而是提供了一系列工具和哲学思考，让我自己去构建属于我的绘画语言。这对于一个渴望发展个人风格的初学者来说，无疑是最大的福音。我感觉它在为我的人生观和艺术观打下坚实的基础，而不仅仅是教我几个绘画技巧。

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这本书简直是为我量身定做的启蒙读物！我一直对绘画抱有浓厚的兴趣，但苦于没有系统的指导，每次拿起画笔都像面对一块空白的画布不知所措。这本书的结构设计得非常巧妙，从最基础的线条、形状开始，循序渐进地引导读者进入绘画的世界。它并没有直接跳到复杂的素描或色彩理论，而是通过一系列看似简单却蕴含深意的练习，让我逐渐掌握了观察事物和用笔触表达观察结果的能力。比如，它对光影的讲解，不是枯燥的理论阐述，而是通过几个小小的几何体实例，让我一下子就明白了明暗交界线、高光和反光这些概念的实际应用。作者的语言风格极其亲切，就像一个经验丰富的老朋友在旁边手把手地教你，没有任何高高在上的说教感。我特别欣赏它在每一个阶段都会设置“小挑战”，这些挑战既有趣味性，又巩固了前面学到的知识点，让我充满了成就感。更棒的是，这本书非常注重培养读者的“感觉”，它强调的不是机械地模仿，而是如何去“感受”画面的和谐与美感。读完第一部分，我感觉自己对周围的世界都有了新的认识，原来生活中的一切都可以成为绘画的素材，这种心境的转变，比学会画一个具体的物体重要得多。它真正做到了，让我从“想画”变成了“会画”的第一步，那种自信心的提升是无可替代的。

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天呐，这本书的排版和插图简直是艺术品级别的享受！我收到书的时候，光是翻阅它的封面和内页设计就已经让我心旷神怡了。市面上很多绘画教程为了追求内容的详实，往往牺牲了视觉上的美感，这本书完全反其道而行之。它的色彩搭配大胆而和谐，即便是那些讲解透视原理的黑白线条稿，也处理得干净利落，没有任何多余的干扰。我注意到作者在选择范例图时非常用心，它们不是那些遥不可及的古典名作，而是非常贴近现代生活的小物件、小场景，比如一个咖啡杯、窗外的树影，这极大地降低了学习的心理门槛。我是一个视觉学习者，光看文字描述是很难理解的，但这本书的图文配合达到了教科书级别的精准度。比如，当讲解如何用铅笔表现物体的不同质感时，它会并列展示用不同排线方法画出的木头、金属和布料，那种细微的笔触差异被放大和清晰地展示出来，我几乎不需要思考就能明白其中的奥妙。这本书让我明白，好的教程不仅要教你“怎么画”，更要让你“爱上画”。它让我沉浸在一种愉悦的学习氛围中，让我期待着每一次翻开它的时刻。这种对阅读体验的极致追求，让它在众多工具书中脱颖而出，成为我书架上珍藏的一本。

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说实话，这本书的实用性和可操作性是我最看重的一点，而它在这方面做得无懈可击。我工作时间很长，只能利用零碎的时间学习，所以我需要的是那种“拿起就能用，放下也无碍”的学习材料。这本书的章节划分非常清晰，每一个单元都可以独立成课，不需要严格按照顺序来。比如，如果我今天特别想练习一下水彩的上色技巧，我可以精准地翻到那一页，找到关于“湿画法”的详细步骤讲解，然后就可以立刻开始动手实践，不用担心跳过了前面的内容会影响理解。书中提供的配套练习材料和线稿模板也非常人性化，它们被设计成易于复印和使用的格式，这对于经常需要练习的读者来说简直太贴心了。而且，作者在介绍每种工具（比如不同硬度的铅笔、不同品牌的颜料）时，都会给出非常中肯的建议，既不会过度推销昂贵的器材，又能确保读者用最基础的工具就能达到预期的效果。这体现了作者对普通学习者的深切理解和关怀。我发现，正是这种细致入微的实用指导，让我能够高效地利用有限的时间，看到实实在在的进步。

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