Photoshop 6.0 图像处理模块 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国铁道出版社

作者:《photoshop 6.0 图像处理模块 会

出品人:

页数:344

译者:

出版时间:2002-9

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787113048440

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
• Photoshop 6
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• 图像编辑
• 图形设计
• 数码图像
• 图像修复
• 教程
• 软件技巧
• 设计软件

《现代平面设计色彩理论与实践》 本书简介 本书深入剖析了色彩在现代平面设计领域中的核心作用与复杂机制，旨在为设计师、视觉传达专业人士以及对色彩科学有浓厚兴趣的读者提供一套系统、前沿且高度实用的知识体系。我们聚焦于色彩理论的底层逻辑，结合当代设计趋势和数字媒体的特性，构建了一套从基础感知到高级应用的完整学习路径。 第一部分：色彩的科学基础与感知心理学 本部分将带领读者穿越色彩的物理本质与人类感知的迷宫。我们将详细探讨光线的物理特性，以及不同波长如何转化为我们所感知的颜色。这包括对电磁波谱中可见光部分的精确界定，以及不同光源（如日光、荧光灯、LED）的色温（开尔文值）对视觉效果的决定性影响。 紧接着，我们将进入色彩的感知心理学领域。色彩不仅仅是物理现象，更是强大的情感和文化载体。我们分析了色彩的联想意义，例如红色代表的警示、激情与能量；蓝色代表的冷静、专业与信任；以及不同文化背景下对特定颜色的解读差异。内容涵盖了色彩的饱和度、明度与色相如何协同作用，共同影响观众的情绪反应和信息接收效率。特别关注“同时对比效应”和“后像效应”，这些对色彩搭配的实际操作至关重要。 第二部分：色彩模型与跨媒体应用 理解不同的色彩模型是进行精确色彩管理的基石。本书将详尽阐述并对比最主流的三种色彩模型： 1. RGB (红绿蓝) 模型： 深入解析其作为加色模型在屏幕显示设备（显示器、投影仪、手机屏幕）中的工作原理，讨论不同色彩空间（如sRGB, Adobe RGB, DCI-P3）的色域差异及其在数字内容创作中的适用场景。 2. CMYK (青品红黄黑) 模型： 作为减色模型的代表，我们将重点讨论其在印刷准备中的不可替代性。不仅讲解四色油墨叠印的基本原理，还将详细剖析“油墨限制”（Ink Limit）的概念，以及如何通过控制总墨量（TAC）来预防印刷故障，确保印品的色彩稳定性和层次感。 3. Lab (Lab) 模型： 将其定位为设备无关的“桥梁”模型，阐述其如何通过描述人眼所能感知的全部颜色，实现跨设备、跨介质的色彩转换和校准。 此外，本部分会专门辟章讨论“专色系统”（如Pantone Matching System, PMS），解析其在品牌识别和高精度印刷中的应用，并提供如何将专色数据准确导入设计工作流程的实用指南。 第三部分：动态色彩管理与工作流程集成 在现代设计中，色彩的准确性依赖于一个健壮、一致的色彩管理系统（CMS）。本章将从实践角度出发，指导读者建立并维护这一系统： 设备校准与特性描述： 详细介绍如何使用专业的硬件（如色度计、分光光度计）对显示器、扫描仪和打印机进行校准。重点解析ICC Profile（国际色彩联盟配置文件）的生成、应用和管理，确保从输入到输出的色彩路径是透明且可预测的。 色彩转换的优化： 讲解不同意图（Rendering Intent，如感知意图、相对色度意图）的选择对最终色彩转换结果的影响，指导设计师在保证视觉效果和保持精确度之间做出权衡。 网络与移动端色彩优化： 讨论Web安全色、响应式设计中的色彩适应性，以及如何在不同操作系统和高动态范围（HDR）显示环境下保持视觉一致性。 第四部分：高级色彩设计策略与趋势 超越技术层面，本章聚焦于色彩如何服务于设计目标和用户体验（UX）。 信息架构中的色彩运用： 探讨如何利用色彩来组织信息层级、引导用户注意力，并设计直观的界面反馈机制。内容包括数据可视化中的色彩编码原则，以及避免使用可能引起误解的色彩组合。 品牌视觉识别的色彩策略： 分析成功品牌如何建立其独有的色彩语言，并讨论色彩老化（Color Fading）对品牌认知度的长期影响，以及如何进行色彩系统的升级与迭代。 前沿设计趋势： 探讨当下流行的色彩趋势，如“暗黑模式”（Dark Mode）下的色彩适应性挑战、拟物化设计（Skeuomorphism）回归带来的材质感色彩处理，以及参数化设计中生成式色彩的应用。 总结 《现代平面设计色彩理论与实践》并非一本单纯的软件操作手册，而是一本关于“看见”与“表达”的深度指南。它将技术精度与艺术直觉紧密结合，确保读者不仅能准确地再现颜色，更能有意识、有目的地运用色彩，以创造出更具影响力、更富感染力的视觉作品。本书的最终目标是赋能设计师，使其成为色彩的掌控者，而非被动的操作者。

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这本书的排版和案例选择，无疑也暴露了它特定的年代感。插图大多采用低分辨率的GIF或早期JPEG格式，色彩饱和度偏低，这使得原本应该直观易懂的操作演示，变得有些晦涩难辨。我尝试跟着书中的“合成三维贴图”的步骤进行模仿练习，但由于书中引用的素材本身就是那个时代典型的低保真图像，即使我在新版的PS中试图还原，效果也大打折扣，完全达不到作者预期中的那种“震撼”。更让我感到困惑的是，书中对于脚本和动作的描述，完全没有提及批处理的高效性，而是着重讲解了如何手动记录每一个鼠标点击步骤，这在如今看来，效率低得令人发指。我希望能看到一些关于性能优化的讨论，比如内存分配的设置，但书中对这些技术层面的探讨几乎是空白，完全聚焦于界面上的按钮功能，实在让人提不起学习的兴致。

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整本书的叙事风格非常枯燥、刻板，充满了那种上世纪末技术文档特有的生硬感。作者似乎在尽力确保每一个功能点都被提及，但牺牲了流畅性和可读性。章节之间的逻辑跳跃性很大，前一页还在讲颜色模式的转换，后一页可能就突然跳到了打印设置的细节，缺乏一个清晰的学习路径引导。我希望能从中学到一些关于数字艺术的哲学思考，或者至少是关于图像美学的入门概念，但这本书完全聚焦于“软件操作的机械性执行”。对于一个想要快速入门，并将所学知识投入到实际商业项目中的读者而言，这本书的投入产出比极低。它就像一本厚厚的、需要特定钥匙才能打开的旧保险箱，而我手里拿的却是通用型的万能钥匙，钥匙插不进去，自然也就无法取阅其中珍藏的宝物了。

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我购买这本书的初衷，是希望能够系统地掌握一些基础的、跨越版本的图像处理理念，比如光影的构建、色彩的调校原理，以及如何进行有效的锐化和降噪。毕竟，很多核心的图像科学原理是不会随着软件版本更迭而消失的。遗憾的是，这本书的每一章几乎都在围绕着“如何找到并使用6.0版本中的特定菜单选项”来展开。例如，它花了大量的篇幅去讲解如何利用那个时代特有的“色阶”对话框的滑块设置，而不是深入探讨直方图背后的统计学意义。阅读过程中，我一直在寻找那种能够提升我整体审美和技术洞察力的内容，但收获甚少。它似乎完全没有触及到“为什么”要这样做，而是停留在“怎么做”的表层，而且这个“怎么做”的方法已经过时了。对于一个追求底层逻辑的读者来说，这本书的深度显然是远远不够的，它更像是为那些硬盘里还存着老版本软件的资深用户准备的怀旧读物。

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这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那股浓郁的复古气息，一下子就把我拉回了那个使用经典软件的年代。我原本是冲着学习一些现代设计技巧去的，毕竟现在市面上的教程大多聚焦于最新的Creative Cloud套件，所以当我在书店里看到这本略显“古董”的指南时，好奇心驱使我翻开了它。然而，深入阅读后，我发现它完全侧重于讲解Photoshop 6.0那个特定版本的操作逻辑和界面布局。书中详尽地描绘了早期的图层管理方式、选区工具的经典用法，甚至细致到工具栏上每一个图标的像素级变化。对于一个习惯了如今流畅工作流程的设计师来说，阅读这些内容，就像是重温历史课本，虽然能感受到软件发展脉络的演变，但实操价值已经微乎其微。我期待的色彩管理深度解析，或者关于非破坏性编辑的高级技巧，在这本书里完全没有涉猎，它更像是一本针对特定历史版本的“操作手册”，而不是一本面向当代设计实践的工具书，读起来更像是在考古，而非学习新技能。

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坦白说，当我读到关于滤镜库的部分时，我几乎要放弃了。这本书对Photoshop 6.0内置的那些早期、基础的滤镜做了详尽的介绍，比如“运动模糊”、“径向模糊”等等，并配有大量的截图说明。然而，现代设计工作流程中，我们更多依赖于智能滤镜、或者使用第三方插件来创造更复杂、更具艺术表现力的效果。这本书对于图层混合模式的讲解也极其保守，停留在基础的“正常”、“加深”、“变暗”等几个模式的简单叠加应用，对于诸如“线性光”、“叠加”（Overlay）等更具创造力的混合方式，几乎是一笔带过，缺乏示例说明其在复杂合成中的应用潜力。我期待的是能够开拓视野、引导我思考如何用光影语言进行叙事，这本书给我的感觉是，它只是在整理一本过时的功能索引，而不是一本引导创意的设计指南。

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