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出版者:山西人民出版社

作者:崔治民

出品人:

页数:39 页

译者:

出版时间:2004年5月1日

价格:15.00

装帧:平装

isbn号码:9787203050872

丛书系列:

图书标签:

• 速写
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• 速写技巧

好的，这是一份基于您提供的书名《人物速写习作范本》的反向操作，旨在撰写一份不包含该书内容，但内容详尽且自然的图书简介。 --- 书籍名称：《光影流转：经典油画修复与材料科学的深度探索》 导言：时间的秘密与颜料的语言 艺术品，尤其是油画，是凝固的历史片段，是人类情感与技艺的结晶。然而，时间的流逝、环境的侵蚀、早期修复的不当处理，无时无刻不在挑战着这些宝贵遗产的完整性。 本书《光影流转：经典油画修复与材料科学的深度探索》，并非一本侧重于基础绘画技巧或快速习作方法的指南，而是一部聚焦于油画“回春之术”的专业文献。它深入探讨了艺术作品在历史长河中如何变化、我们如何理解这些变化，以及如何运用现代科学手段进行精准的干预与保护。全书构建了一个宏大的叙事框架，将艺术史的纵深感与尖端材料科学的微观分析相结合，旨在为修复专家、艺术史学者、博物馆策展人以及对艺术保存抱有深厚兴趣的读者，提供一套系统、严谨且极具前瞻性的知识体系。 第一部分：油画的生命周期与劣化机制 本部分旨在奠定坚实的理论基础，解析油画“生病”的原因。我们摒弃对单线条快速造型的关注，转而审视构成油画的复杂系统——从底层的画布到最表层的油光。 第一章：古老底层的秘密——画布与基底的物理化学反应 详细分析了亚麻、棉布等不同支撑材料的纤维老化特性。探讨了动物胶、石膏（Gesso）等传统底料在温湿度波动下产生的微裂纹、张力不均及酸性降解过程。重点剖析了“龟裂”（Craquelure）现象的成因，区分了热胀冷缩型、应力型和老化型龟裂，并使用显微红外反射技术（MIR）对底层的结构进行无损成像分析。 第二章：颜料的内在矛盾——色彩粒子与媒介的演变 油画颜料由高岭土、铅白、群青等矿物颗粒与干燥油（如亚麻仁油、核桃油）混合而成。本章深入研究了不同时代颜料的化学配方，特别是18世纪后半叶引入的铬黄、镉系颜料等对画面稳定性的影响。我们详细探讨了“油层氧化聚合”的动力学模型，解释了油层变黄、变脆的内在机理，并引入了色谱分析技术（XRF）对特定颜料层进行元素指纹识别，以确定其原始配方。 第三章：表面之伤——污垢、病虫害与前人修复的“伤痕” 本章侧重于外部环境的侵害。从烟尘、霉菌孢子到昆虫侵扰，逐一列举并分析其对画面颜料层的生物化学破坏。更具挑战性的是对“历史性修复”的辨识。早期常用的树脂胶、虫胶等非稳定材料，在现代光照下往往会发生颜色偏移或溶解，成为现代修复中的主要障碍。 第二部分：非接触式诊断与材料科学的介入 修复工作的第一步是精确的“诊断”。本书致力于推广尖端成像技术，使我们能够“看穿”历史，而不必损伤原作。 第四章：光谱成像下的透视——红外、紫外与拉曼散射 本章是全书的理论核心之一。红外反射成像（IRR）如何揭示画家的底层草图（Underdrawing）？紫外荧光如何显露出新旧油层、清漆层的边界？我们详细介绍了拉曼光谱分析在识别无机颜料和有机结合剂中的应用，以及如何通过傅里叶变换红外光谱（FTIR）绘制出不同化学物质的“分布图”。案例研究包括对提香画作中颜料层叠结构的精确测绘。 第五章：三维重建与材料断层扫描 不再满足于二维图像，本部分引入了X射线断层扫描（X-ray Tomography）技术在艺术品保护中的应用。通过对画布厚度、油层堆积、以及木板支撑结构进行像素级的重建，修复师可以预估结构应力，并设计出最合理的支撑加固方案。特别关注了对“画面脱落”区域的内部微观结构分析。 第六章：稳定性评估与老化模拟实验 科学的修复必须是可逆的。本章介绍如何通过加速老化实验（高强度紫外光照、极端温湿度循环）来预测特定修复材料（如合成树脂、稳定剂）在未来几十年内的性能表现。这要求修复材料本身具备清晰、可追溯的化学档案。 第三部分：精准干预与可逆性原则的实践 诊断之后，进入实践层面。本书的实践部分，是基于材料科学指导下的精细操作，完全脱离了速写层面的笔触模仿，转而强调物质的精确置换与平衡。 第七章：清漆层的选择与清除——溶解动力学的挑战 清漆（Varnish）保护画面，但也常常是画面变暗、发黄的主因。本章详细分析了达玛树脂、马蒂树脂、合成树脂（如酮树脂、丙烯酸树脂）的溶解特性。修复师必须精确计算溶剂/非溶剂的比例（如使用非极性溶剂配合极性助溶剂），以实现清漆层的选择性溶解，避免对底层的颜料层造成丝毫的损害。 第八章：填充、补色与“视觉可逆性”的哲学 面对缺失的颜料区域，现代修复采用“色彩补绘”（Retouching），而非简单的“覆盖”。本书强调了补色的材料纯净度，使用的颜料必须具备与原作相近的折射率和耐光性。更重要的是，介绍“可逆性”原则在补色中的体现——即后来的修复师应能无损地移除当前添加的材料。讨论了“邻接式模仿”（Tratteggio）等经典技法在现代材料下的应用优化。 第九章：支撑层的结构稳定化——从传统胶合到纳米材料加固 针对严重受损的画布或木板，本章介绍结构加固技术。这包括了传统的“背衬”（Lining）技术及其现代改进（如真空热压法），以及更具创新性的应用——如利用纳米纤维素或特定的高分子凝胶，对极度脆弱的画布进行内部渗透加固，恢复其机械强度。 结语：艺术遗产的未来守护者 《光影流转》是一份对油画保护复杂性的致敬。它要求从业者不仅是技艺精湛的工匠，更是严谨的化学家、物理学家和艺术史学家。本书旨在提升整个修复领域的科学素养，确保我们能够以最审慎、最知情的方式，将这些跨越世纪的杰作，完整地、清晰地，交接到未来的目光之中。它探讨的是艺术品“存续”的科学，而非“创作”的速成。

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我通常对这种“范本”类的书籍抱有很高的戒心，因为很多都只是把一些基础练习堆砌起来，缺乏深层次的理论支撑。然而，这本书却出乎意料地扎实。它对“光影在人体速写中的应用”这一块的讲解，简直是教科书级别的示范。它没有仅仅停留在阴影和亮面的简单划分上，而是深入探讨了环境光和体积感对人物轮廓线的影响。例如，在处理逆光人物时，作者如何通过强调轮廓的“断裂感”来增强戏剧性，这一点我学习到了很多。此外，书中收录的范例，主题非常丰富，涵盖了从静坐到奔跑，从老年人的沧桑到儿童的活泼，每一种状态的线条语言都做了精确的区分。这种对“语境”的敏感度，是区分优秀速写和普通写生的关键。我将这本书放在手边，每当遇到瓶颈时翻阅一下，总能从中找到新的突破口，它的内容深度，足以支撑长期的学习和研究，绝非一朝一夕就能完全吸收的。

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这本书的封面设计，说实话，第一眼看过去并不算惊艳，那种朴素的米黄色背景，配上略显陈旧的字体，给人的感觉像是上世纪八九十年代出版的画册。但正是这种沉淀感，反而吸引了我。我拿起它，翻开扉页，里面的内容更是让我惊喜。它不像市面上那些充斥着炫目色彩和复杂理论的速写教程，而是走了一条更贴近基础和本质的道路。比如，它对“动态捕捉”的讲解，没有用那些高深的术语，而是通过一系列富有生命力的线条练习，教你如何在一瞬间抓住人物的精气神。尤其是关于人体结构与动态平衡的分析部分，作者似乎将复杂的解剖学知识“消化”后，用最简洁的几何形体进行了重构，即便是初学者也能迅速领悟到人物造型的骨架所在。我特别喜欢其中关于“抓型”的小章节，作者强调的不是画得“像”，而是画得“对”，那种对比例和重心拿捏的精准要求，远超一般速写书的水平。阅读过程中，我感觉自己不再是单纯地在学习“画什么”，而是开始思考“怎么看”人物，这种思维上的转变，才是真正有价值的收获。整本书的纸张质量也很好，墨色过渡自然，非常适合反复临摹。

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拿到这本画册的时候，我原本以为它会是一本“速成秘籍”，毕竟名字里带着“范本”二字。然而，翻阅之后才发现，这本书更像是一部关于“观察艺术”的哲学著作。作者在每一组练习旁边，都附带了非常简短但极其精辟的个人感悟，这些文字比图画本身更让我触动。他谈论的不是“如何握笔”，而是“如何用心去感受”对象。其中一段关于“留白”的论述让我印象深刻：真正的速写高手，知道何时该停笔，何时该让空白替你说话。这本书教会我的，是如何在有限的时间内，去表现无限的“信息量”。它鼓励你放弃对细节的纠缠，转而追求整体的“神似”。我尝试着不再过度描摹细节，而是专注于把握人物的“动态轴线”，很快，我的人物造型就变得更洒脱、更具生命力了。这本书的价值，在于它成功地将绘画技巧融入到了一种更广阔的、关于感知世界的态度之中，这是我读过的众多画册中最具启发性的一本。

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坦白说，我是一个对传统素描感到有些枯燥的学习者，总觉得人体结构太沉闷，提不起兴趣。我需要的是那种能快速上手，并且充满活力的学习材料。这本书恰好满足了我的需求。它没有采用那种刻板的、一步一步的教学模式，而是更像是一本“灵感激发手册”。开篇就用一系列充满张力的肢体动作，告诉你线条的“可能性”。我尤其欣赏作者在处理手部和脚部这些“难点”时的思路。他没有让你去背诵每一块骨骼的名称，而是直接教你如何将它们简化为几个关键的“连接点”和“受力面”。这极大地解放了我的思维，让我不再害怕画那些复杂的部分。书中穿插的一些大师作品的片段分析，也很有启发性，分析的角度非常刁钻，不是简单地赞美，而是深入剖析了大师是如何在极短时间内做出取舍的。这本书的叙事风格非常轻快，阅读起来毫无压力，更像是欣赏一本精美的画集，只是里面附带了清晰的“心法口诀”。

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我最近迷上了街头写生，那种捕捉匆忙过客瞬间神态的挑战性令人着迷，但总觉得自己的笔触缺少一种“力度”和“果断”。这本书，说实话，是偶然在一家旧书店淘到的，它的价值远超标价。与其他侧重于室内静物或摆拍人物的教材不同，这本书的实战性极强。它没有过多地纠缠于衣褶的复杂表现，而是将重点放在了“人物的意志”上——你如何用几笔线条勾勒出一个人的情绪状态？比如，书里有一个单元专门讲解了如何通过头部和肩部的倾斜度来表现“疲惫感”或“警觉性”。我按照书中的指示，在公园里尝试对不同年龄段的人进行快速写生，效果立竿见影。最让我佩服的是作者对于“韵律感”的把握，他似乎能将人物的姿态转化为音乐的节奏，用连贯而有节奏感的线条来完成画面。这种从“技法”到“意境”的提升，在许多速写书中是难以寻觅的。它更像是一位经验丰富的老先生在旁边耳提面命，指导你如何从“描摹”走向“表达”。读完后，我感觉自己对人物速写有了一种全新的敬畏之心。

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