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出版者:荣宝斋出版社

作者:张建平

出品人:

页数:336

译者:

出版时间:2002-7-1

价格:68.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787500306085

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中国古代诗词鉴赏与研究 本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，领略中国古典诗词的艺术魅力与思想内涵。全书结构严谨，内容翔实，既可作为古典文学爱好者的入门指南，亦可供专业研究者作为参考之用。 第一部分：诗词源流与体裁概览 第一章：诗歌的滥觞与先秦风骨 本章追溯中国诗歌的起源，重点探讨《诗经》作为现实主义源头的深远影响。我们将细致剖析《诗经》中“风、雅、颂”的结构差异及其所反映的周代社会图景。尤其关注其叠章复沓的句式、质朴的语言风格，以及蕴含的早期农耕文明与礼乐精神。随后，转向《楚辞》，深入解析屈原“香草美人”的象征体系，探讨其浪漫主义色彩的形成，及其对后世辞赋文学的开创性贡献。 第二章：汉魏风骨与两晋流变 本章聚焦汉乐府的民间生命力与文人“五言诗”的成熟。通过解读汉代乐府诗，展现底层民众的疾苦与边塞的苍凉。进入魏晋，重点阐述“建安风骨”的悲凉慷慨，曹氏父子的文学成就及其对个体生命价值的关注。随后，深入探讨玄学对诗歌意境的影响，以及陶渊明如何以田园牧歌的形式，构建起一个超脱世俗的理想精神家园，分析其诗歌语言的平淡自然与深刻哲理的完美结合。 第三章：盛唐气象与格律的定型 本章是全书的重点之一。我们将系统梳理唐诗的繁荣景象，探讨格律诗（律诗与绝句）的形成、平仄、对仗等格律规范的最终确立。围绕盛唐，细致剖析李白浪漫主义的奔放与想象力，王维山水田园诗的禅意与画境，以及杜甫“诗史”的沉郁顿挫与对民生疾苦的深切关怀。同时，分析边塞诗派的豪迈气概及其历史背景。 第四章：中晚唐的转向与词体的兴起 本章探讨唐代后期诗歌的“晚唐体”——趋于精致、感伤、注重音律美的特点，代表人物如李商隐与杜牧的艺术成就。紧接着，重点介绍词这一新兴诗体的发展脉络。从燕乐歌辞到柳永的铺叙与都市情怀，再到词境的初步拓展，为后文对宋词的深入分析奠定基础。 第二部分：宋词的辉煌与意境拓展 第五章：宋词的鼎盛与风格分野 本章详述宋代文学的重心如何由诗转向词。首先分析了宋词的基本格律与不同词牌的音乐特性。重点解析北宋前期词坛的并峙格局：苏轼豪放词的开创性，以“以诗为词”打破传统婉约藩篱的壮阔与旷达；以及以柳永为代表的都市化、市民化的婉约词风，及其对社会生活细腻的捕捉。 第六章：婉约词的极致与清丽之风 本章聚焦“婉约”体系的进一步发展与完善。深入剖析周邦彦在词律上的精工细琢，以及对音律美的极致追求。随后，重点研读李清照这位独一无二的女词人，分析其词作如何在闺阁情思、自然景物与国破家亡的背景下，展现出细腻敏感的心灵世界，探究其语言的自然灵动与独特风格。 第七章：南宋的沉郁与“格调之争” 本章探讨南宋时期词坛的时代背景——偏安一隅的政治现实对词风的影响。分析辛弃疾的“以文为词”，其词作中蕴含的恢复中原的雄心壮志与壮志难酬的悲愤，以及他如何将历史典故和哲理思考融入词中。同时，梳理姜夔、吴文英等格律派词人的艺术探索，探讨宋代词坛内部围绕“格律”与“内容”展开的论争及其影响。 第三部分：元曲与明清诗词的承续 第八章：元曲的勃兴与世俗化表达 本章介绍元代文学新趋势——散曲（套数与小令）的成熟与发展。分析元曲在语言上更趋于口语化、通俗化的特点，以及其与宋词在格律和意境上的主要区别。重点研究关汉卿、马致远等大家在散曲中对民间疾苦、人生哲理的表达，展现其直率、泼辣的艺术风格。 第九章：明清诗歌的复古与创新 本章梳理明代诗歌的“拟古”倾向，如“后七子”对唐宋诗风的模仿与继承，以及公安派“独抒性灵”的思潮。进入清代，重点分析“性灵派”与“格律派”的对立与融合，如袁枚对创作自由的倡导，对诗歌“真情”的回归。最后，通过对乾嘉学派整理古代诗词的贡献，总结明清诗歌在继承传统中寻求突破的历程。 第四部分：艺术手法与审美鉴赏 第十章：诗词中的意象构建与象征手法 本章从艺术分析角度切入，系统梳理中国诗词中常见的经典意象群，如月亮、杨柳、落日、鸿雁等，分析这些意象在不同时代、不同诗人心中的情感负载与象征意义。深入探讨如何通过意象的并置、跳跃，营造出含蓄蕴藉的艺术效果。 第十一章：诗词的音乐性与节奏美学 本章探讨诗词作为“有歌之文”的本质。分析近体诗的平仄格律如何与语言的自然韵律相结合，形成抑扬顿挫的节奏感。针对词曲，则重点分析不同“宫调”与“曲牌”对情感表达的影响，探究词牌选择与词作主题之间的内在联系，以及这种音乐性如何增强作品的感染力。 第十二章：情景交融与虚实相生 本章是审美总结部分。剖析中国古典诗词中“情景交融”这一核心审美原则的实现方式，即如何将主观情感投射于客观景物之上，使景物带有强烈的主观色彩。并深入论述“虚实相生”的辩证关系，即诗人如何在描绘具体可感的“实景”时，暗含了对哲理、人生或理想的“虚写”，从而达到言有尽而意无穷的艺术境界。 本书力求在宏观梳理脉络的同时，对典型作品进行细致的文本解读，辅以详尽的注释和背景知识，帮助读者跨越时空的鸿沟，真正走进古代诗人的精神世界。

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作为一名业余的书法爱好者，我对于这类权威性的作品集有着近乎执着的追求，因为它代表了一个时代的最高水准和风向标。这本书的价值，在于它提供了一种“标准参照系”。我通常会挑选几位我特别欣赏的书法家，反复揣摩他们的章法布局。比如，在处理长篇作品时，他们如何控制气息的连贯性，如何在高潮和低谷之间进行节奏的转换，这些都是书本上难以直接传授的“内功心法”。更让我惊喜的是，这本书在细节的处理上极为到位，那些印章的朱红与墨黑的对比，光影在纸张上产生的微妙变化，即便是通过印刷品，也依然能感受到原作的力度。我甚至会想象，如果当时能亲临现场，那些作品的立体感和墨韵的层次感，该是何等的摄人心魄。这本书，与其说是“看作品”，不如说是“学习如何看作品”，它教会了我如何用更专业的眼光去审视笔墨背后的精神内核。

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坦白说，初次翻阅时，我确实被其中一些风格极其奔放、甚至有些“狂放”的作品震慑住了。那种打破常规、充满个体情感喷发的书写方式，与我过去接触到的一些偏向“馆阁体”的审美有着巨大的差异。这本书的意义，就在于它拓宽了我对“优秀”的定义边界。它让我明白，书法艺术不仅是技法的完美呈现，更是书写者内心世界的真实投射。那些线条的断裂、墨色的洇化，不再是失误，而成为了情感宣泄的有力证明。我开始思考，在那个特定的历史时期，这些艺术家们是如何在坚守传统的同时，又勇敢地注入了个人的生命体验。这本书就像一个引子，激发了我去查阅更多关于这些艺术家生平和创作背景的资料，从而对他们作品的理解上升到了哲学和历史层面。这种由“视觉冲击”到“深度探究”的转变，是这本书最宝贵的馈赠。

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从纯粹的收藏角度来看，这本书的装帧和纸张用料都透露出一种庄重感，适合长期保存。我把它放在书架上，它本身就构成了一道独特的风景线，象征着对中国书法的尊重与热爱。阅读的过程更像是一场沉浸式的文化朝圣之旅。我发现，即便是不同籍贯、不同风格的书法家，在面对“优秀”这个共同目标时，他们对“法度”的理解依然有着惊人的共识，那就是对“气”的把握。作品中那种流淌在笔尖的生命力，是任何复制品都难以完全捕捉的，但这本书已经尽力还原了那种“气势”。它提供了一个宝贵的、高度浓缩的艺术精华集合，让我得以在繁忙的日常生活中，随时抽出一小段时间，让自己的心绪沉静下来，跟随那些古老的笔墨轨迹，进行一次精神的洗礼和对话。这本书，是书法爱好者书架上不可或缺的一面镜子，映照着时代的风貌与艺术的永恒追求。

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这部作品集，光是书名就让人肃然起敬，带着一种对艺术殿堂的敬畏感。我拿到手的时候，首先被它厚重的质感和典雅的装帧所吸引。翻开内页，那种扑面而来的墨香与纸张的细腻触感，仿佛能让人立刻穿越回那个展览现场，感受那个时代书法大家们的风采与气韵。我一直对中国传统文化的精髓抱有浓厚的兴趣，而书法无疑是其中最能体现文人精神和审美情趣的载体之一。仅仅从这本集子的选目和排版上，就能看出编者在传承与创新之间所下的苦心。它不仅仅是一本简单的作品汇编，更像是一部活态的历史，记录了中国书法界一个重要阶段的集体面貌和审美倾向。我特别留意了那些入选作品的题跋和印章的处理方式，那种细微之处见真章的考究，体现了对艺术原作的极度尊重。对于一个非专业书法家但热爱传统艺术的读者来说，这本书提供了一个绝佳的窗口，让我得以在不亲临现场的情况下，也能领略到那份现场的震撼与感动。每一次翻阅，都能带来新的体会和思考，关于线条的生命力，关于墨色的深浅变化，以及创作者内心世界的波澜壮阔。

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拿到这本画册，我首先感受到的不是“展”，而是“汇”。它像是一个精心布置的文化沙龙，把当时一批顶尖的书法家汇聚一堂，各自展示其绝活。我花了大量时间去研究那些不同流派、不同书体之间的对话与碰撞。比如，某位老一辈艺术家的楷书，那种铁画银钩、结构严谨的气度，与旁边一幅汪洋恣肆、意态万千的草书形成了强烈的张力，这种对比本身就极具教育意义。我尝试着去模仿其中一些字，但很快就体会到，那些看似信手拈来的笔触背后，是数十年如一日的勤奋和对古法的深刻理解。这本书的编排似乎有意地引导读者进行这种比较和思考。它不是那种把所有作品平均对待的流水账式陈列，而是带着一种策展人的眼光，巧妙地将风格相近的放在一起相互映衬，风格迥异的则通过版面设计进行巧妙的过渡。这使得阅读过程充满了探索的乐趣，每翻过一页，都像是进行了一次微型的“艺术考察”，不断地刷新我对“优秀”二字的认知标准。

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