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出版者:对外经济贸易大学出版社

作者:虞吉

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:2004-7

价格:28.0

装帧:平装

isbn号码:9787810782807

丛书系列:电影经典：文化形象与心灵历史丛书

图书标签:

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电影史中的德意志之光：一部聚焦于战后初期及新浪潮运动的电影编年史 书名：光影中的德意志：从战后重建到新浪潮的影像变迁 内容提要： 本书并非对德国电影进行全景式的梳理，而是以特定的历史切片为核心，深入剖析了自第二次世界大战结束至二十世纪七十年代初期，德意志电影工业和艺术思潮所经历的剧烈转型与深刻变革。我们拒绝将目光停留在那些耳熟能详的经典默片时代或盖世太保治下的宣传机器，而是将焦点锁定在一段充满矛盾、挣扎与重生的关键时期——一个被“去纳粹化”的重压和对“新德国身份”的迷茫所笼罩的时代。 本书的叙事结构围绕两大核心板块展开：“重建的困境与黄金时代的幻影”（1945-1959）和“激进的呐喊与艺术的革新”（1960-1972）。 第一部分：重建的困境与黄金时代的幻影（1945-1959） 二战的废墟之上，德国的电影工业面临着双重困境：物质上的重建需求与精神上的“去污名化”压力。盟军的占领政策和审查制度，直接塑造了战后初期影像的表达范围。这一时期的电影，呈现出一种独特的“逃避现实主义”倾向。 A. “毒柱岩”下的低语：战后初期与“伤痕电影”的萌芽 在盟军的监督下，早期电影制作的重点在于恢复基础制作能力，同时避免触及敏感的战争记忆。然而，在这些光鲜的“娱乐片”（如轻喜剧和浪漫剧）的缝隙中，开始出现对社会现实的微弱反思。我们详细分析了如《禁忌之恋》（Die Sünderin, 1951）这类影片如何以边缘化的故事，象征性地触碰了道德沦丧与战后创伤的议题。这些影片的成功，揭示了公众对于“真实”的隐秘渴望。 B. “德国奇迹”与好莱坞的阴影：DEFA的体制与商业的拉锯 在东德，“德国电影股份公司”（DEFA）作为唯一的国有制片厂，在意识形态的严格框架下，尝试构建“人民的电影”。本书不回避DEFA在美学上的局限性，但同时深入研究了其在类型片探索上的努力，特别是那些带有社会主义建设主题的史诗片和对传统德国浪漫主义的“再加工”。 而在西德，经济复苏带来的消费主义浪潮，使得“海德堡的浪漫与家庭的温情”成为主流叙事。这一时期的商业片，充斥着对战前“美好德意志”的怀旧，例如那些充斥着制服、军官和纯真少女的“中产阶级幻想剧”。我们详细考察了如皮特·奥尔森（Peter Lorre的追随者们）所构建的叙事模板，并将其与同期好莱坞的制作模式进行对比，揭示了商业诉求如何阻碍了对战争责任的深刻反思。 C. 关键的转折点：1959年的《铁皮鼓》及其争议（非魏玛时期） 虽然《铁皮鼓》的电影版完成于更晚的时期，但在1959年，《我们，孩子王》（Wir Wunderkinder）的意外轰动，标志着公众对“我们如何走到这一步”的质问开始浮出水面。本书将这一年视为商业电影与艺术电影之间界限开始松动的关键节点，为下一阶段的“新浪潮”运动积蓄了必要的社会能量。 --- 第二部分：激进的呐喊与艺术的革新（1960-1972） 如果说战后初期的电影是在“遗忘”中求生存，那么六十年代的电影运动，则是在“直面”中寻求自我救赎和表达自由。这场运动的爆发，是青年一代对父辈“沉默的共谋”的彻底反叛。 A. 1962年：奥伯豪森的宣言与“新德国电影”的诞生 本书将大量篇幅用于分析“奥伯豪森宣言”的文本意义及其对德国电影工业的冲击。这不仅仅是一份艺术家的抗议书，更是对僵化、保守且依赖政府补贴的电影体制的彻底颠覆。 我们细致地剖析了以亚历山大·克鲁格（Alexander Kluge）为代表的理论家们如何借鉴法国新浪潮和意大利新现实主义，但又坚决地拒绝其“纯粹美学化”的倾向，强调电影必须服务于“社会改造”的政治使命。克鲁格的实验性叙事结构，如何挑战了传统的因果逻辑，成为了对战后社会结构性缺失的隐喻。 B. “导演为大”时代的群像塑造：法斯宾德、赫尔佐格与维默 新德国电影的标志，是新一代导演群体的崛起，他们共享着对传统叙事和资产阶级道德的鄙夷。 赖纳·维尔纳·法斯宾德（Rainer Werner Fassbinder）的“家庭剧解构”： 我们着重分析法斯宾德早期作品中对“边缘人群”（妓女、移民、同性恋者）的聚焦，及其对“情感资本主义”的残酷批判。他如何运用高度程式化的布景、重复的对话和夸张的表演，揭示了战后经济奇迹下隐藏的压迫与情感贫瘠。 维尔纳·赫尔佐格（Werner Herzog）的“夸张的孤独”： 赫尔佐格的镜头，往往聚焦于超越世俗的、近乎宗教狂热的个体。本书探讨了他如何通过对极端自然环境和非理性人物的描绘（例如在《阿吉尔，上帝的愤怒》中），来探讨德意志民族在面对宏大历史叙事时的虚无感与宿命论。 沃尔克·施隆多夫（Volker Schlöndorff）与文学改编： 施隆多夫等导演在改编如君特·格拉斯等作家的作品时，如何保持对历史原著的批判力度，将文学中的反思转化为视觉语言。 C. 电影作为政治工具的终结与遗产 到1972年，尽管新浪潮运动在艺术上取得了全球性的认可，但其在商业上的持续失利，导致了政府资助模式的调整。本书将以1972年新奥伯豪森的“中断”作为时代的转折点，探讨新浪潮运动最终如何从一场激进的革命，转化为一种不可磨灭的艺术遗产，为后续德国电影（如八十年代对历史的严肃反思）奠定了坚实的基础。 总结： 本书旨在为读者提供一个深入且聚焦的视角，去理解在特定历史压力下，一个民族如何通过影像媒介进行自我审视、自我批判和最终的艺术重塑。我们关注的是那些挑战现状、拒绝安逸的电影声音，它们构成了德意志光影史上最富有张力、也最不可或缺的一章。

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这部影集简直是视觉的盛宴，每一帧画面都像是精心打磨的油画。我尤其被那种深沉的色调和富有层次感的布光所吸引，即便只是静静地看着剧中的某个场景，也能感受到导演对光影美学的极致追求。故事的推进并不急躁，反而像是在缓缓展开一幅历史的画卷，让你有足够的时间去品味角色内心的挣扎与时代的洪流。演员们的表演更是教科书级别的，那种不动声色的内敛，一个眼神、一个微小的肢体语言，就足以传递出千言万语的情感张力。看完之后，我久久不能平静，脑海里不断回放着那些极具象征意义的镜头，感觉自己仿佛参与了一场关于人性、关于命运的深刻对话。它不是那种让你看完就忘的爆米花电影，而是需要你静下心来，带着一种朝圣般的心态去细细品味的艺术品。对于真正热爱电影语言和叙事技巧的影迷来说，这绝对是不可多得的珍藏。

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说实话，这部系列剧的剪辑手法，初看之下可能会让人觉得有些跳跃和不连贯，需要观众付出额外的注意力去建立时间线和逻辑关系。它打破了传统的线性叙事框架，大量使用了闪回、快速切换以及蒙太奇手法，这对于习惯了平铺直叙的观众来说，可能是一个小小的挑战。但一旦你适应了它的节奏，就会发现这种“碎片化”的叙事恰恰完美地呼应了记忆和创伤的主题——很多重要的事件并不是按照时间顺序被回忆起来的，而是以一种混乱、随机的方式突然击中当下的。正是这种不规则感，极大地增强了故事的真实感和冲击力。我个人非常欣赏这种大胆的、不向大众妥协的艺术表达方式，它要求观众成为一个主动的参与者，而不是被动的接受者，这种互动感，极大地提升了观影的智力乐趣。

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我通常对那种充满历史厚重感的作品敬而远之，总觉得会晦涩难懂，需要查阅大量的背景资料才能看明白。然而，这部作品的厉害之处在于，它成功地将深奥的历史背景，巧妙地融入到极其具象化、充满烟火气的人物命运之中。你不需要成为历史学家，也能深刻体会到在特定时代洪流中，普通人是如何被推着走，又是如何努力去抓住一丝属于自己的尊严和幸福的。角色的动机刻画得极其真实可信，他们的选择充满了矛盾和挣扎，让你在批判的同时又忍不住为他们感到悲悯。导演的高明之处在于，他没有提供简单的答案或绝对的英雄主义，而是展现了生存本身就是一种胜利。这种对人性的细腻捕捉和温柔呈现，使它超越了单纯的“历史片”范畴，成为一部关于“活着”的深刻寓言。

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这套影片的配乐简直是灵魂级别的存在！很多时候，我都觉得音乐已经超越了对白本身，成为叙事的主导力量。它不像某些大片那样用磅礴的交响乐来强行烘托气氛，而是选择了大量简约、克制却又极富情感穿透力的器乐和环境音效。例如，在一些关键的转折点，突然出现的几声孤独的大提琴，或者雨滴打在窗户上的清脆声响，都精准地击中了观众内心最柔软的部分。这种对听觉体验的极致打磨，让整个观影过程变成了一种近乎冥想的体验。我甚至专门找来原声带循环播放，试图解析其中蕴含的情感密码。对于那些对电影音效设计有高要求的朋友，这部作品绝对能给你带来全新的震撼。它证明了，好的声音设计，才是真正能让影像“活”起来的关键。

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说实话，一开始我对这种看似“沉重”的片子有些抗拒，毕竟现代生活节奏太快，谁有耐心去看那种慢悠悠、需要反复琢磨的剧情？但是，当我真正沉浸进去后，才发现其中的精妙之处。它的叙事结构极其巧妙，看似散漫的片段，实则暗藏着精密的线索和伏笔，像是一个巨大的拼图，只有全部看完，才能发现隐藏在日常琐碎背后的宏大主题。我特别欣赏它对社会议题的探讨，没有简单地将人物标签化或将对错绝对化，而是呈现出灰色地带的复杂性。很多情节，尤其是一些关于家庭关系和个体在集体中如何自处的描写，让我产生了强烈的共鸣，仿佛看到了自己生活中的影子被放大并置于一个更广阔的背景下审视。看完之后，我不是感到被说教，而是感到一种被理解的释然，非常值得推荐给那些喜欢深度思考的观众。

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让人最无奈的就是这本书影片名居然不标出原名，这怎么找片啊！

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妈的，为这本书居然欠费~~我的图书馆记录被打破了，555

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这个系列都很好

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太……不专业了

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整理导演非常有用的书。