当代英美电影鉴赏

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☆☆☆☆☆
出版者:外文出版社
作者:蔡东东
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2000-8
价格:19.50元
装帧:
isbn号码:9787119027111
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

银幕魅影:欧洲艺术电影流变史 本书以时间为轴,以思潮为骨,深入剖析了自二十世纪初诞生至二十一世纪初的欧洲艺术电影发展脉络,重点聚焦于法国新浪潮、意大利新现实主义、德国表现主义以及后现代主义思潮对欧洲电影美学与叙事模式的颠覆与重塑。 第一部分:默片的遗产与现代主义的萌芽 (1900-1930年代) 本部分首先回顾了欧洲电影工业在默片时代的早期探索,特别是德国表现主义如何利用光影、布景和夸张的表演,构建出对社会焦虑和心理深渊的视觉化隐喻。我们将详细分析罗伯特·维内、弗里茨·朗等大师的代表作,探讨其对后世恐怖片和黑色电影的深远影响。 紧接着,焦点转向法国的“印象派电影”和“超现实主义电影”。路易·德吕克、让·爱普斯坦等人如何试图将电影提升至诗歌和纯粹视觉艺术的层面,探索光影的流动性与潜意识的表达。我们将梳理安德烈·布勒东等文学家对电影美学的介入,分析路易斯·布努埃尔的《一条安达鲁狗》如何以其断裂的、梦魇般的逻辑,挑战传统叙事结构,为反好莱坞的艺术电影奠定激进的美学基调。这一阶段的欧洲电影,本质上是对新兴媒介潜能的哲学性叩问。 第二部分:战后的废墟与重建:现实主义的回响 (1940-1950年代) 第二次世界大战的创伤深刻地烙印在了欧洲电影的肌理之中。意大利在废墟之上孕育出的“新现实主义”是本部分的核心议题。本书将详尽考察罗伯托·罗西里尼、维托里奥·德·西卡和卢奇诺·维斯孔蒂如何抛弃摄影棚的虚饰,将镜头对准普通民众的日常生活、贫困与道德困境。我们不仅分析《偷自行车的人》、《罗马,不设防的城市》等影片的纪实风格、非职业演员的使用,更探讨其背后蕴含的马克思主义关怀与对人道主义精神的重建。 与此同时,法国的“传统主义”在战后依然占据重要地位,但异议的声音已然出现。本章亦会探讨瑞典的英格玛·伯格曼如何以其对信仰、死亡和沟通障碍的深刻内省,构建出一种高度个人化、带有强烈存在主义色彩的电影哲学。 第三部分:革命的浪潮:新浪潮与作者论的確立 (1950年代末-1960年代) 这是欧洲艺术电影最具颠覆性的十年。法国“新浪潮”不仅仅是风格的革新,更是对电影本体论的重新定义。本书将深度解析以雅克·德米、让-吕克·戈达尔和弗朗索瓦·特吕弗为代表的“电影手册派”知识分子如何将对类型片的批判性观看,转化为激进的电影创作实践。从戈达尔对“场面调度”的解构到特吕弗对经典好莱坞的致敬与颠覆,我们将细致剖析跳接、手持摄影、即兴对白等技术手段如何服务于“作者论”的核心命题——即导演即是第一作者,电影是其个性表达的延伸。 本部分还将拓展至其他国家的“新浪潮”运动,如捷克斯洛伐克的“新电影”对政治寓言的运用,以及波兰学派对历史创伤的沉重反思,例如安杰伊·瓦伊达的作品。这些运动共同构筑了一个反制工业化、强调个人视角的艺术电影联盟。 第四部分:通往深渊:反类型与政治的交织 (1960年代末-1970年代) 随着社会政治运动的兴起,欧洲艺术电影的表达变得更加晦涩、政治化且风格化。德国的“新德国电影运动”(如法斯宾德、赫尔佐格、沃纳·施特劳布)如何利用历史重构、神话的重述,探讨德意志民族在现代性中的迷失与身份危机。本书将特别关注这些导演如何挑战传统的历史叙事,用极端的、非传统的视觉语言来承载沉重的历史负荷。 在意大利,类型片(如铅色年代的政治惊悚片)与严肃艺术片的界限逐渐模糊。米开朗基罗·安东尼奥尼对现代人异化感的极致表现,以及皮埃尔·保罗·帕索里尼对底层社会和神话的野蛮重构,展示了欧洲电影在探索人与社会结构断裂时的艺术张力。 第五部分:后现代的碎片与个体回归 (1980年代至今) 进入后现代阶段,欧洲艺术电影面临着全球化和商业电影的双重挑战。本章分析了欧洲电影如何吸纳后结构主义的理论,在叙事上展现出碎片化、元电影(自我指涉)的倾向。法国的“新新浪潮”导演如何平衡对经典作者电影的继承与对当代日常生活的关注。 此外,我们还将探讨如阿彼察邦·韦拉斯瑟古(虽然是泰国导演,但其作品在欧洲艺术影展中具有高度影响力,代表了欧洲艺术电影对全球“慢电影”思潮的接纳)等导演所展现出的对时间、空间和记忆的非线性处理,以及欧洲电影如何通过对欧洲共同记忆和身份的持续探问,维持其在世界影坛的独特地位与批判力量。 结论:永恒的“他者” 本书最终将欧洲艺术电影的核心精神——对主流文化的反思、对叙事透明度的拒绝、以及对人类存在的深刻追问——提炼为一种持续的“他者”美学。欧洲艺术电影的价值不在于提供答案,而在于提出更具挑战性的问题,并以最纯粹的视觉语言进行表达。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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**细节控的狂欢** 对于像我这样注重“幕后八卦”和“技术细节”的影迷来说,这本书的资料搜集工作简直是令人叹为观止。它不像某些书籍那样只停留在导演访谈的肤浅层面,而是深入到了胶片选择、灯光设计、甚至布景构建的哲学思考。书中有一个章节专门对比了不同年代电影摄影师对景深的使用偏好,那种对光影层次的迷恋和技术语汇的精准运用,让我这个非专业人士也看得津津有味。作者对于特定场景的复原描述,具有极强的画面感,仿佛你真的能闻到影棚里的灰尘味,感受到演员身上的汗水。更不用说书中对电影工业化进程的梳理,从默片时代的制片厂制度到后来的特许经营模式,逻辑清晰,脉络分明。这本书的详尽程度,让我体会到了电影创作背后的巨大工程量和无数工种的精妙配合。这简直是为那些想了解“电影是如何被制造出来”的人量身定做的指南。

评分☆☆☆☆☆

**跨越时间的对话** 最让我感到惊喜的是,这本书的视野横跨了很长的时间线,它并没有将重点放在某一个短暂的黄金时期,而是建立了一个宏观的时间轴,让你清晰地看到电影艺术是如何自我演进和互相致敬的。作者在探讨现代电影的叙事结构时,总能巧妙地回溯到早期先锋派的实验,形成一种跨越时空的对话感。这种结构安排,让阅读过程充满了解谜的乐趣。比如,他会将一种在八十年代被认为是“革命性”的运镜手法,追溯到五十年代某位欧洲大师的早期尝试,这种历史的连续性被展现得淋漓尽致。阅读此书,我感觉自己不再是一个被动的时间囚徒,而是能够与不同时代的电影人进行平视交流。这本书的格局之大,观点之独到,使得它不仅仅是提供知识,更是在构建一种成熟的、具有时间纵深感的电影世界观。读完后,你对“老电影”的看法会彻底改变,它们不再是过时的产物,而是未来一切创新的源头活水。

评分☆☆☆☆☆

**视觉与思想的碰撞** 这本书的阅读体验是极富冲击力的,它不是那种温吞水似的读物,而是充满了观点和思辨的火花。我特别欣赏作者在探讨“审查制度”与“艺术表达”之间张力时的犀利笔锋。他没有回避那些敏感且具有争议性的议题,而是将其放置在历史的宏大叙事中进行审视,让读者得以理解,许多伟大的“地下”作品是如何在重重压力下诞生的。书中对特定历史时期电影样式的分析,比如战后欧洲电影的迷茫与反思,简直像是一次高强度的思想训练。我感觉自己不仅仅是在看电影的书,更像是在阅读一部关于人类精神状态和时代情绪的社会学著作。书中对一些“被遗忘的杰作”的重新发掘和评价,也极其有价值,它们打破了主流话语对“经典”的定义,拓宽了我们的电影视野。每次合上书页,我的脑海中都会涌现出无数新的问题和想要探索的领域,这种被激发出的求知欲,才是好书真正的魔力所在。

评分☆☆☆☆☆

**卷首语** 这部影史经典大部头,简直是电影迷的福音!光是翻开扉页,那份厚重感就足以让人心潮澎湃。它不仅仅是一本简单的影评集,更像是一部浓缩了半个世纪光影变迁的百科全书。作者的笔触细腻入微,对于那些晦涩难懂的电影理论,他总能用极其生动有趣的语言进行阐释,让原本高冷的学术概念变得触手可及。比如,书中对“新好莱坞”时期导演风格的剖析,简直是教科书级别的范本。他没有停留在表面的剧情复述,而是深入挖掘了时代背景如何塑造了那些伟大的影像语言。我尤其喜欢其中关于蒙太奇手法的对比分析,那种将不同流派的剪辑技巧并置比较的写法,让人在阅读中就能构建起清晰的视觉脉络。读完第一部分,我立刻感觉自己看电影的“姿势”都变得专业了许多。这书的排版也极具匠心,大量的珍贵剧照和幕后照片穿插其中,让每一次翻页都充满了惊喜。如果你想真正理解电影的“骨架”和“灵魂”,而不是仅仅停留在“好看”的层面,那么这绝对是案头必备的宝典。它教会我的,是如何用批判性的眼光去解构一部作品,而不是被动地接受信息。

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**影迷的深度“自白”** 老实说,我一开始对这种厚重的理论书籍是抱有抵触情绪的,总觉得会枯燥乏味,充斥着看不懂的术语。然而,这本书完全颠覆了我的固有印象。它更像是一位经验丰富的老前辈,拉着你走进一个私密的放映室,跟你娓娓道来光影背后的故事。其中关于电影配乐与叙事节奏结合的部分,简直让人醍醐灌顶。作者以《教父》为例,分析了尼诺·罗塔的音乐如何与科里昂家族的兴衰交织,那种宿命感和悲剧色彩,通过文字的描绘,竟然能重现出原声带的感染力。更令人称道的是,本书对不同国家电影流派的介绍,绝非简单的罗列。它深入探讨了文化语境对电影美学的影响,比如对日本“物哀”美学在早期电影中的体现,分析得入木三分。这本书的价值在于,它提供了一个广阔的视角,让你跳出单一的审美框架,去欣赏电影世界的多样性和复杂性。我常常读到一半就停下来,回味很久,然后迫不及待地想去重温那些被提及的经典片段,这种阅读体验是无与伦比的。

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一般

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练练英语提高一下词汇量呗,内容什么的还是算了吧。

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