具体描述
《离散数学》作为离散数学的基《离散数学》，在把握关键问题的同时，通过精选的大量实例深入浅出地介绍了命题逻辑、谓词逻辑、集合及其运算、二元关系、函数、代数结构、格和布尔代数、图论、树、Petri网和运输网络以及计数方法和分类原理等与计算机科学密切相关的前沿课题，既着重于各部分内容之间的紧密联系，又深入探讨各部分内容的概念、理论、算法和实际应用，内容叙述严谨，推演详尽。各章配有大量的习题为读者迅速掌握有关知识提供了有效的帮助。
《离散数学》内容丰富、全面、具体、通俗易懂，结构清晰、注重实用。它既适合于计算机和相关专业的本科生和研究生，又可作为工程技术人员的参考书。
探寻文明的脉络：人类艺术史纲要 一部宏大叙事，追溯美学源头的史诗巨著 本书并非单纯罗列艺术作品的图录，而是一部深入剖析人类审美意识形态流变、艺术形式演进及其与社会、哲学、技术互动关系的百科全书式著作。我们以时间为轴，以地域文化为坐标，构建起一幅跨越数万年、横跨五大洲的、波澜壮阔的艺术文明图景。 第一卷：史前与古典的黎明（约公元前 40000 年 – 公元 400 年） 本卷聚焦于人类早期对世界的认知与表达，探讨艺术如何从生存需求中萌芽，并逐渐成为社会结构和精神信仰的载体。 第一章：岩壁上的低语——旧石器时代的符号学 深入研究拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）洞穴壁画背后的生态学意义与巫术功能。分析人形、兽形符号的抽象化过程，揭示早期人类视觉叙事能力的雏形。探讨细石器时代小型雕塑（如维纳斯系列）在生育崇拜与母权象征中的地位。 第二章：尼罗河畔的永恒秩序——古埃及艺术的宗教结构 详细阐述古埃及艺术“恒久不变”的风格是如何服务于“玛特”（Ma'at，宇宙秩序）的维护。剖析法老陵墓壁画、浮雕中的人物比例规范（如正面律），以及它们在宗教仪式、来世信仰中所扮演的精确角色。从象形文字的书写美学到萨卡拉（Saqqara）阶梯金字塔的建筑力学，展现其高度统一的文化意志。 第三章：两河流域的权力叙事 聚焦苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述文明的城市规划与纪念性建筑。重点分析乌鲁克（Uruk）的城墙体系、汉谟拉比法典石碑上的浮雕叙事手法，以及亚述王宫猎狮浮雕中对残酷权力与英勇的戏剧性描绘。探讨泥板楔形文字的艺术化进程。 第四章：爱琴海的和谐与悲剧 考察米诺斯（Minoan）文明（克里特岛）的自由、自然主义风格（如《掷牛图》）与迈锡尼（Mycenaean）文明（如阿伽门农黄金面具）的尚武精神的对比。分析希腊神话如何通过陶器上的黑绘、红绘技法，从宗教隐喻转向对人类理想形态的探索。 第五卷：古典理想的铸就——古希腊的理性之光 本章是全书的基石之一。从几何飞檐到“黄金分割”，解析古希腊人对人体比例的几何学研究。分阶段考察雕塑的发展：从古拙的柯洛伊（Kouros）到古典盛期的“动静结合”（如波留克列特斯的《持矛者》），再到希腊化时期对个体情感与戏剧性（如《萨莫色雷斯的胜利女神》）的突破。讨论帕特农神庙建筑群的视觉矫正技术。 第六章：从共和到帝国——古罗马的实用主义美学 分析罗马人如何继承并改造希腊艺术。重点探讨其在工程学上的突破（混凝土、拱券结构），以及建筑如何服务于帝国统治（万神殿的穹顶、图拉真纪功柱的螺旋叙事）。研究肖像雕塑中写实主义的兴起，以及“历史浮雕”作为国家宣传机器的作用。 第二卷：信仰的转型与中世纪的虔诚（约公元 400 年 – 公元 1400 年） 本卷探讨基督教的崛起如何重塑欧洲的艺术焦点，以及拜占庭、伊斯兰世界在东西方文明交汇处所开创的独特美学。 第七章：光线与神圣——拜占庭艺术的象征主义 研究君士坦丁堡的宗教艺术如何脱离古典写实传统，转而追求二维化、平面化和神圣的“光芒感”。深入分析圣索菲亚大教堂的马赛克镶嵌艺术，以及圣像画（Icon）在信徒心灵世界中的作用与绘制规范。 第八章：异域的几何之美——早期伊斯兰艺术的抽象表达 考察伊斯兰艺术在禁止偶像崇拜背景下的发展路径。细致分析阿拉伯式花纹（Arabesque）的无限重复结构、书法艺术的至高地位，以及几何图案（Tessellation）所蕴含的宇宙和谐思想。研究西班牙安达卢西亚地区（科尔多瓦、格拉纳达）与波斯细密画的风格交融。 第九章：蛮族与虔诚的交织——早期中世纪的风格融合 考察西罗马帝国衰落后，凯尔特、日耳曼部落艺术元素（如动物纹样）如何与基督教符号结合。重点分析手抄本插画（如《凯尔斯之书》）中复杂的交织图案和华丽的金属工艺。 第十章：罗马式：堡垒中的信仰 分析欧洲各地修道院和朝圣教堂的建筑特点：厚重的墙体、半圆拱券、相对简朴的雕塑装饰。研究罗马式雕塑（如教堂门楣）如何以通俗易懂的图解方式向文盲传授《圣经》故事，强调末日审判的主题。 第十一章：哥特之巅：向上突破的天际线 本章详述哥特式艺术的革命性突破。从飞扶壁（Flying Buttresses）如何解放墙体空间，到尖拱和肋拱如何引导视线直达穹顶。分析沙特尔大教堂、兰斯大教堂的彩绘玻璃如何创造出“非物质化的光”的宗教体验。探讨哥特式雕塑如何逐渐回归人体自然形态。 第三卷：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情（约公元 1400 年 – 公元 1750 年） 本卷探讨人文主义精神如何将艺术的中心从神拉回人，以及随后的宗教改革与反宗教改革如何催生出对情感和戏剧性的极致追求。 第十二章：文艺复兴的几何透视与人文基石 详细解析佛罗伦萨的艺术复兴。从布鲁内莱斯基的线性透视法则（科学对视觉的精确控制），到达·芬奇对人体解剖学的痴迷研究。探讨阿尔伯蒂（Alberti）的美学理论如何将艺术升格为一门“科学”。分析拉斐尔作品中完美的构图与和谐感。 第十三章：北方的微观世界与信仰的重塑 对比意大利的宏大叙事，考察尼德兰“早期尼德兰画派”（如凡·艾克兄弟）对油画媒介的完善。分析其对光线、材质和细节的精微描摹，以及宗教主题如何融入世俗的家居场景（如早期风俗画的萌芽）。 第十四章：盛期的英雄主义与失衡的表达 聚焦米开朗基罗在西斯廷天顶壁画中的“力量感”与拉斐尔在《雅典学院》中对古典哲学的致敬。探讨威尼斯画派（提香、丁托列托）如何利用色彩（Colorito）而非线条（Disegno）来塑造形体，预示着巴洛克的到来。 第十五章：巴洛克：情感的漩涡与运动的张力 分析卡拉瓦乔（Caravaggio）对“明暗对比法”（Tenebrism）的极端运用，如何用强烈的戏剧性光影捕捉瞬间的、凡人化的宗教体验。研究贝尼尼（Bernini）的雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）中对材质、动态与空间三者融合的极致追求。 第十六章：浮华与秩序：洛可可的精致化 考察路易十四凡尔赛宫建筑群如何将巴洛克的宏大转化为绝对君主制的华丽展示。探讨洛可可风格（Rococo）在法国宫廷中的兴起，其对轻盈、曲线、自然主题和私密享乐的偏爱，标志着艺术主题向贵族生活方式的彻底转向。 第四卷：理性的反思与现代的裂变（约公元 1750 年 – 公元 1900 年） 本卷关注启蒙运动、工业革命以及对古典主义的重新审视如何引发艺术形式的剧烈动荡，最终导向对传统再现手法的彻底颠覆。 第十七章：新古典主义：回归共和的道德感 分析庞贝遗址的发掘如何推动对古罗马纯粹形态的回归。雅克-路易·大卫的作品如何成为法国大革命的视觉号角，强调牺牲、公民责任和清晰的轮廓线。 第十八章：浪漫主义：主观体验的爆发 探讨歌德、卢梭思想对艺术的影响。浪漫主义如何崇尚“崇高”（Sublime）——即自然界压倒性的力量与个体渺小感之间的张力。分析戈雅对战争恐怖的记录，以及德拉克洛瓦对色彩的感性运用。 第十九章：工业革命与摄影术的挑战 深入分析工业革命对城市景观和材料的改变。重点探讨摄影术的发明对“艺术模仿自然”这一核心命题构成的根本性挑战，促使画家寻找新的表达途径。 第二十章：现实主义的铁锤与现实的直面 研究库尔贝（Courbet）如何坚决拒绝历史题材和神话，转而关注普通工人和农民的日常生活（“写实主义”的宣言）。分析米勒的田园诗意与马奈（Manet）对传统规范的挑衅，预示着印象派的诞生。 第二十一章：印象派：光影与瞬间的捕捉 本章细致分析莫奈、雷诺阿等人如何走出画室，通过对光学原理和气候变化的瞬间记录，颠覆了对“完成度”的传统定义。探讨浮世绘对日本艺术输入和印象派色彩理论的影响。 第二十二章：后印象派：结构与内心的重构 分析塞尚对“几何体”结构的坚持（预示立体主义），梵高对色彩的“情感编码”，以及高更对原始主义的探索。这些探索标志着艺术主题的重心彻底从“外部世界”转向“艺术家内在的心理结构”。 第五卷：现代的迷宫与后现代的回响（公元 1900 年至今） 本卷聚焦于 20 世纪艺术的爆炸性发展，探讨在两次世界大战、全球化和技术飞跃的背景下，艺术如何不断自我解构、质疑媒介本体，并最终模糊了艺术与非艺术的界限。 第二十三章：野兽、立体与未来：现代主义的锐利开端 考察野兽派（Matisse）对色彩的解放，毕加索和布拉克对物体多重视角的分解（立体主义的结构革命），以及未来主义对速度和机器的颂扬。 第二十四章：非理性与潜意识的涌动 分析达达主义对逻辑和意义的彻底否定，及其作为对战争荒谬性的抗议。深入探讨超现实主义（达利、马格里特）如何将梦境逻辑与日常物体并置，探索弗洛伊德精神分析对艺术的渗透。 第二十五章：抽象的纯粹化与精神性 探讨康定斯基（Kandinsky）和蒙德里安（Mondrian）如何彻底抛弃再现，追求色彩、线条和形状本身的“精神振动”。分析“抽象表现主义”（如罗斯科、波洛克）如何以行动和尺幅，将创作行为本身提升为艺术的核心。 第二十六章：波普的消费文化与媒介的边界 研究战后美国艺术的转向。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）如何利用丝网印刷技术，将商业符号和名人肖像纳入艺术殿堂，模糊了高雅艺术与大众传媒的界限。探讨极简主义（Minimalism）对艺术品的“物体性”与“空间关系”的强调。 第二十七章：观念艺术：想法的胜利 本章讨论观念艺术（Conceptual Art）的兴起，核心在于“作品的想法比其物质形态更重要”。分析杜尚（Duchamp）的现成品（Readymades）如何对艺术品的“作者性”和“独特性”发出终极质疑。 第二十八章：后现代的解构与全球化语境 考察后现代主义对宏大叙事的怀疑。探讨大地艺术（Land Art）、表演艺术（Performance Art）和装置艺术（Installation Art）如何挑战传统画廊和博物馆的物理限制。分析当代艺术如何在全球化和身份政治的背景下，以多元、混合的媒介进行批判性表达，直至今日的数字艺术与新媒体的崛起。 本书力求以严谨的史料和多维的视角，引导读者不仅“看”到艺术史，更要“理解”艺术是如何作为人类历史进程中，对时间、空间、权力与存在进行持续对话的最深刻的记录。
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