网络图像、动画制作技巧与实战范例 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:机械工业出版社

作者:陈柏 著

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-01-01

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787900043528

丛书系列:

图书标签:

• 网络图像
• 动画制作
• 技巧
• 实战
• 图形设计
• 数字艺术
• 图像处理
• 动画原理
• 多媒体
• 教程

《数字艺术视界：从二维到三维的创意之旅》 本书是一本面向数字艺术爱好者、初学者以及寻求进阶的专业人士的综合性指南。它将带领读者深入探索数字艺术的广阔天地，从基础的图像处理到精湛的动画制作，再到富有创意的三维建模与渲染，全方位解锁数字艺术的无限可能。 第一部分：数字图像的魔力——二维世界的视觉塑造 在本部分，我们将首先揭开数字图像的面纱，理解其本质和运作原理。通过对像素、分辨率、色彩空间等基本概念的深入剖析，读者将建立起扎实的理论基础。随后，我们将重点介绍两款业内领先的图像编辑软件——Adobe Photoshop和Procreate。 Adobe Photoshop：数字绘画与后期处理的王者。 我们将从软件界面布局、图层系统、选区工具、画笔引擎的精细化设置入手，逐步引导读者掌握数字绘画的核心技巧。从草图勾勒到色彩渲染，从光影表现到纹理添加，我们将通过一系列循序渐进的案例，展示如何运用Photoshop创作出令人惊叹的二维艺术作品，如概念插画、数字肖像、环境场景等。同时，我们还将深入探讨图像修复、色彩校正、合成技巧以及特效制作等后期处理技术，帮助读者提升作品的专业度和艺术感染力。 Procreate：iPad上的创意画板。 对于喜欢在移动设备上进行创作的艺术家，Procreate是不可或缺的利器。我们将介绍Procreate的独特绘画引擎，探索其丰富的画笔库和自定义画笔功能，以及便捷的手势操作和图层管理。通过iPad的触控特性，读者将体验到前所未有的绘画自由度，创作出充满生机的数字插画和手绘风格的作品。 第二部分：动态生命的注入——动画制作的奥秘 将静态图像赋予生命，是数字艺术最迷人的魅力之一。本部分将带领读者进入动画制作的奇妙世界，从传统二维动画的基本原理到现代数字动画的流程，再到三维动画的初步探索。 二维动画的基础：原理与流程。 我们将从动画九大基本原则（如挤压与拉伸、预备动作、遵循弧线等）讲起，这是所有优秀动画作品的基石。接着，我们将介绍逐帧绘制、关键帧动画、骨骼绑定等二维动画制作的核心技术。我们将以Adobe Animate（原Flash）和Toon Boom Harmony等软件为例，讲解如何绘制角色、设计场景、制作动作序列，并输出不同格式的动画文件。无论是角色动画、动态图形还是叙事性动画，本书都将提供清晰的指导。 故事板与动画预览：视觉叙事的关键。 在正式制作动画之前，故事板（Storyboard）是必不可少的环节。我们将教授如何绘制具有叙事性和表现力的故事板，以清晰地规划镜头、人物动作和场景构图，从而有效地传达故事意图。同时，我们也将介绍动画预览（Animatic）的制作，将故事板与基础的音频和时间轴结合，为后续的精细制作提供清晰的指导。 动态图形（Motion Graphics）：信息传递的视觉语言。 动态图形以其独特的视觉表现力，在品牌宣传、信息可视化和广告设计等领域发挥着越来越重要的作用。我们将介绍After Effects等专业的动态图形软件，教授如何创建流畅的文字动画、图形元素的运动、以及结合视觉特效来增强信息传达的效果。 第三部分：构建三维世界——数字雕塑与渲染的艺术 本部分将带领读者进入令人着迷的三维数字世界，学习如何从无到有地构建虚拟模型，并赋予它们逼真的材质和光影。 三维建模的基石：软硬体的选择与基础。 我们将首先介绍三维建模软件的选择，重点介绍Blender和Autodesk Maya。我们将从基础的几何体编辑、多边形建模、NURBS建模等技术开始，教授读者如何使用这些强大的工具来创建各种形状和物体。无论是角色模型、道具还是场景元素，本书都将提供实用的建模技巧。 数字雕塑：赋予模型生命的细节。 对于追求更精细模型细节的创作者，数字雕塑是不可或缺的。我们将介绍ZBrush等专业的数字雕塑软件，教授如何运用虚拟画笔和工具来模拟传统的雕塑过程，创造出富有细节和表现力的模型，例如写实的角色面部特征、复杂的生物纹理等。 材质与纹理：点亮三维世界的色彩。 模型本身是骨架，而材质和纹理则是赋予生命的关键。我们将讲解PBR（基于物理的渲染）材质的原理，以及如何在Substance Painter等软件中创建逼真的材质贴图，包括颜色、粗糙度、金属度、法线等。这些细节的呈现，将直接决定三维模型的真实感和艺术表现力。 灯光与渲染：捕捉虚拟世界的真实光影。 灯光是三维渲染的灵魂。我们将深入探讨不同的灯光类型（如点光源、聚光灯、区域光、HDRI贴图等）及其在场景中的运用，以及如何通过灯光来塑造氛围、突出主体。随后，我们将介绍渲染器的基本原理和设置，包括Cycles（Blender内置）和Arnold（Maya内置），帮助读者输出高质量、具有艺术感的渲染图像。我们将通过实战案例，展示如何将模型、材质、灯光和相机完美结合，创造出令人惊叹的三维视觉效果。 第四部分：实战案例与进阶探索 为了帮助读者巩固所学知识并激发创作灵感，本书在每个部分都提供了精心设计的实战案例。这些案例将涵盖从概念构思到最终输出的全过程，让读者在实践中学习和成长。 案例分析：从构思到成品。 我们将从一个完整的项目出发，例如一个概念插画的创作过程，涵盖草图构思、色彩方案选择、细节刻画以及后期调整。再比如一个简单的角色动画，从角色设计、故事板绘制、关键帧设定到最终的循环动画输出。以及一个三维场景的搭建，从模型建模、材质贴图、灯光设置到最终的渲染图输出。 工作流程优化与效率提升。 我们还将分享一些行业内部的工作流程优化技巧，包括文件管理、素材库的建立、快捷键的使用以及如何有效地利用图层和蒙版等。这些内容将帮助读者更高效地完成创作。 职业发展与未来趋势。 最后，我们将简要探讨数字艺术领域中的职业发展方向，如插画师、动画师、3D建模师、视觉特效师等，并展望数字艺术技术和应用的发展趋势，如VR/AR、AI辅助创作等，为读者的未来发展提供启示。 《数字艺术视界：从二维到三维的创意之旅》不仅仅是一本技术手册，更是一本启发创意、点燃热情的艺术指南。无论您是刚刚踏入数字艺术的殿堂，还是渴望突破技术瓶颈，本书都将是您不可或缺的得力助手，陪伴您在数字艺术的无限宇宙中，尽情挥洒您的创意才华，塑造属于您的独特视觉语言。

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在网络图像的构图和配色方面，这本书给我的启发尤其大。作者花了相当大的篇幅来讲解如何运用视觉引导线、黄金分割等构图原则，来提升图像的吸引力和信息传达的效率。我一直以来都觉得自己的图片总是“缺点什么”，不够吸引人，看完这部分内容后，我才意识到自己在构图上存在不少问题。作者通过对比分析，展示了同样的素材，在不同的构图下，呈现出的视觉效果是多么的差异巨大。配色方面，作者更是引入了色彩心理学，让我理解了不同颜色所代表的情感含义，以及如何在网络环境中运用色彩来营造特定的氛围。书中列举了大量不同风格的网页和应用界面，分析了它们的配色方案，让我对色彩的运用有了全新的认识，也更懂得如何为自己的作品选择合适的色彩搭配。

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这本书的作者在讲解网络图像制作时，非常注重实践操作中的细节。他不仅演示了软件的基本功能，还分享了许多在实际工作中才会遇到的“小窍门”和“避坑指南”。比如，在处理透明背景的PNG图片时，作者详细讲解了如何避免边缘锯齿，以及如何根据不同的背景色来调整透明度，以达到最佳的显示效果。又比如，在制作GIF动画时，作者分享了如何控制帧数来平衡文件大小和流畅度，以及如何运用颜色量化来减少文件体积而不影响视觉质量。这些看似微小的细节，往往是决定作品成败的关键。通过学习这些实用的技巧，我不仅提高了制作效率，也显著提升了作品的专业度和观赏性，让我少走了很多弯路。

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书中关于动画脚本和分镜的讲解，是很多同类书籍所忽视的，但却对我帮助巨大。作者强调了在动画制作之前，一个清晰的脚本和完整的分镜图是多么重要，它们能够帮助我们理清思路，确保动画的逻辑性和流畅性。他详细介绍了如何编写一个有效的动画脚本，包括如何设定角色、场景、对话以及动作描写，并且展示了如何将脚本转化为可视化的分镜图。作者还分享了一些关于分镜绘制的技巧，比如如何用简洁的线条来表现人物的情绪和动作，以及如何通过镜头语言来营造不同的氛围和节奏。跟随作者的步骤，我尝试着为自己的一个小想法绘制了分镜图，整个过程比我预想的要顺畅得多，也让我对最终的动画效果有了更清晰的预期。

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这本书对于数字媒体艺术的学习者来说，绝对是一本不可多得的“宝典”。它不仅仅是一本技术手册，更是一本思维启蒙的书。作者在介绍各种工具和技术的同时，更注重培养读者的“设计思维”和“创新能力”。他鼓励我们在学习基本技巧的同时，多去观察生活，从自然界、艺术品中汲取灵感，并尝试将这些灵感融入到自己的作品中。书中有很多章节都在探讨如何打破常规，如何创造出独具个性的网络图像和动画。比如，作者分享了一些关于“动态排版”的思路，以及如何将3D元素与2D动画相结合，创造出更具视觉冲击力的效果。这些内容让我意识到，在这个日新月异的数字时代，保持学习和创新的热情是多么重要。

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读到书中关于动画制作技巧的部分，我简直是如获至宝。作者并没有满足于讲解一些表面的操作方法，而是深入剖析了动画的“灵魂”——运动规律和视觉节奏。他详细阐述了关键帧、缓动、插值等核心概念，并通过生动的图示和详细的步骤，让我理解了如何让静态的图像“活”起来。令我印象深刻的是，书中有一章节专门讲解了“四则动画法则”，这四个法则虽然看似简单，但却是构建逼真、流畅动画的基础。作者通过分解不同类型的运动，比如弹跳球、行走的人物，来演示如何将这些法则应用到实际操作中，让我恍然大悟，原来那些看着赏心悦目的动画背后，竟然蕴藏着如此严谨的科学原理。而且，作者在讲解过程中，并没有局限于某一种特定的软件，而是强调了通用性的制作思维，这使得我在学习过程中，即使面对不同的软件工具，也能触类旁通，举一反三。

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这本书在介绍动画制作流程时，非常有条理。作者详细描述了从概念设计、故事板绘制，到关键帧动画的制作、后期合成，以及最终输出和优化的整个过程。他并没有将这些步骤割裂开来，而是强调了它们之间的紧密联系，以及如何在一个完整的流程中协同工作。我特别欣赏的是，书中在讲解每一个环节时，都强调了“效率”和“质量”的平衡。例如，在故事板绘制部分，作者并没有要求我们画出精美的插画，而是强调了如何用最简洁的线条和文字，清晰地传达动画的意图和运动轨迹，这一点对于提高团队协作效率至关重要。同时，作者也分享了一些实用的技巧，比如如何利用素材库来加速制作过程，以及如何在保证质量的前提下，优化渲染时间和文件大小，这些都是非常宝贵的实战经验。

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在我看来，这本书的价值远不止于技术层面，它更像是一本关于“视觉语言”的百科全书。作者深入浅出地剖析了网络图像和动画是如何通过视觉元素来传递信息、表达情感，甚至影响人们的认知。他详细讲解了如何运用“运动”来增强叙事性，如何通过“视觉节奏”来引导观众的注意力，以及如何利用“光影”和“纹理”来塑造空间的深度和质感。书中对“动画的叙事性”的讨论尤其深刻，作者通过分析一些经典的动画短片，阐释了如何在不依赖对白的情况下，通过纯粹的视觉语言来讲述一个完整的故事。这一点让我对动画的理解提升到了一个新的高度，我开始能够欣赏到动画作品中那些精妙的细节，以及它们是如何共同作用来构建一个引人入胜的叙事。

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这本书的实战范例部分，是我最期待的，也是最令我感到惊喜的。作者并没有选择那些过于复杂、高难度的项目，而是从一些贴近我们日常生活和工作中常见的场景入手，比如制作社交媒体的动态海报、网页上的GIF动图、以及简单的产品展示动画。这些范例具有很强的可操作性，作者不仅提供了详细的步骤，还附带了大量的源文件和素材，让我可以跟着教程一步一步地进行实践。我尤其喜欢的是，书中对每一个范例都进行了“前因后果”的分析，比如在制作动态海报时，作者会先分析海报的目标受众、传播渠道，然后才根据这些因素来选择合适的视觉风格和动画效果。这种“知其然，更知其所以然”的教学方式，让我觉得我不仅仅是在学习一项技能，更是在学习一种创作的思维方式。

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这本书的开篇就给我一种扑面而来的专业感，作者用一种循序渐进的方式，将我从一个完全的外行人，逐步引导到了对网络图像和动画制作领域有了更深入的理解。我尤其欣赏的是，书中并没有一开始就堆砌那些晦涩难懂的技术术语，而是从最基础的概念讲起，比如什么是位图、什么是矢量图，它们各自的优势和劣势是什么，以及在网络传播中分别扮演着怎样的角色。这种打基础的做法，让我这种计算机领域之外的读者也能轻松跟上。更重要的是，作者在讲解这些基础概念时，没有停留在理论层面，而是巧妙地结合了大量的实际案例。比如，在讲到位图的压缩格式时，作者就对比了JPEG、PNG和GIF在不同场景下的应用效果，并分析了它们为什么适合或者不适合某些特定的网络图像需求。这一点对我帮助很大，因为我经常需要在不同的社交媒体平台发布图片，以往只是凭感觉选择，现在我知道了背后的原理，能够做出更明智的选择了。

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这本书的另一大亮点在于它对“用户体验”的关注。作者在讲解网络图像和动画制作时，始终将“用户”放在首位，强调作品的最终目的是为了更好地服务于用户。他分析了不同平台和设备对图像和动画的显示效果的影响，以及如何根据这些因素来优化我们的作品。例如，在讨论移动端动画时，作者强调了简洁、流畅的动画效果更容易被用户接受，而过于复杂或耗时的动画可能会导致用户流失。他还分享了一些关于“动效设计”的原则，比如如何利用动画来提供即时反馈，如何引导用户完成操作，以及如何通过微妙的动画来提升产品的易用性和趣味性。这些关于用户体验的思考，让我意识到，好的网络图像和动画不仅仅是视觉上的美观，更是能够带来积极用户体验的工具。

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